Cine

Sin duda alguna la película de Las Guerreras KPop ha marcado un antes y después en la manera en la que vemos cine.

TV Azteca

Para entender la razón por la que Sirat se perfila como contendiente al Oscar como mejor película internacional es importante no imponer un aparato contextual excesivo. Como en toda obra de arte, Sirat se sostiene en sí misma y, es más, su punto de partida es canónico: un hombre busca a su hija.Para ello se mete en el mundo del rave. No se trata, en apariencia, de un misterio sofisticado, pero el hombre toma la decisión de ir hasta Mauritania, cruzar el desierto. Aquí entra de modo ambiental, simbólico o incidental, la música electrónica.El trayecto trae a memoria El cielo protector de Bertolucci: en el desierto se pierde el viajero: en un té, un rostro, una hija. La experiencia visual se vuelve tan envolvente que nos atañe a todos. Porque los ravers a quienes siguen el protagonista y su hijo Esteban no van en pos de la música. En la radio se habla de la situación actual, la Tercera Guerra Mundial ha comenzado. ¿Están escapando? Los personajes coloridos de Sirat no guardan ya ilusiones, pero la película sí. Occidente, lejos de los raves, ofrece un espacio temporal en que el mundo todavía puede habitarse.Sirat habla de los héroes más improbables del cine: combatientes de una guerra que la música electrónica les permite habitar. Y ellos están, todos, cicatrizados. Sirat se inscribe en el linaje del gran cine. No porque reproduzca fórmulas sino porque hace suyas las dos grandes historias de esta parte del mundo: el héroe que sale de casa (Moisés) y el héroe que vuelve a casa (Odiseo). Laxe hace que Luis, el padre que busca a su hija, se convierta en ambos a su manera. Y, sin embargo, como siempre, es necesario seguir a Sontag: no interpretar lo que necesita ser experimentado. Por eso hablemos del aspecto material: la fotografía es seca, contrastada e implacable. Desierto, rostros, El paisaje es lugar del encuentro del misticismo milenario que encuentra un raver o María la egipcia. El sitio en el que los místicos cristianos buscaban a Dios. Así que el entorno se vuelve, al modo de Laxe en el sitio de encuentro con el misticismo milenario de los antiguos padres del cristianismo. El sitio en el que no hay control y un rave, un baile, cumple su función decisiva: orar: a mí todo me suena igual, dice Luis en una escena, la mujer que repara una bocina le pide, tócale, fíjate, dice, es un latido que en todo momento podría desaparecer.La actuación obedece al misticismo del guion: los rostros están ahí para ser leídos, no como textos, sino como superficies expuestas a un dolor existencial. Los personajes cambian con esta mirada. Así que, llegados aquí la invitación es a exponerse a Sirat con la exigencia más radical del arte: exponerse: atender a la forma, bailar con la película. Puede que hacia el fin uno quiera pensar en Jesús caminando sobre las aguas, puede que, incluso, la escena final tenga un poder político que en este momento es necesario, pero ante una obra de arte dicha lectura sobra. Mejor mirar las bocinas que en el desierto están relacionadas simbólicamente con la Kabah, sitio de peregrinación de todo buen musulmán. Estos ravers no están buscando una fiesta más, están dando sentido a todo lo que significa ser humano. Así que recordemos, mejor, El arpa Birmana, esa película que trata de un monje que se dedica a lo más humano que podemos pensar: enterrar cuerpos, ayudarlos a migrar entre esta vida y una que sólo podemos intuir en un texto religioso o en el hipnotismo de la música electrónica: vibrar, bailar, vivir.¿Dónde ver Sirat?La cinta nominada al Óscar tiene funciones en la Cineteca Nacional y algunos cines comerciales. Próximamente disponible en plataformas destreaming.AQ / MCB

Milenio

Conciertos, obras de teatro, exposiciones y eventos deportivos marcan la agenda del fin de semana en Guadalajara y su zona metropolitana

El Informador

Un elenco que combina talento recurrente y nuevas incorporaciones, y una ventana de estreno prevista para finales de 2026, la anticipación entre los fans sigue creciendo

El Informador

Este viernes la cartelera de cine tiene películas de estreno en su programación

El Informador

Forbes México. ‘Cumbres borrascosas’ despierta grandes emociones, afirma Margot Robbie La película narra la tumultuosa historia de amor entre Catherine 'Cathy' Earnshaw y Heathcliff, interpretados por Robbie y Elordi. ‘Cumbres borrascosas’ despierta grandes emociones, afirma Margot Robbie Forbes México Staff

Forbes México

Cuando Walk the Line llegó a los cines en 2005, vestida de negro, dio forma definitiva a un modelo que Hollywood ha estado copiando desde entonces. La película de James Mangold, ganadora del Oscar sobre Johnny Cash –siguiendo los pasos de Ray, la versión de Taylor Hackford, igualmente galardonada, sobre Ray Charles un año antes– estableció el modelo de biopic musical de forma tan definitiva que el formato se anquilosó de inmediato en un cliché. Infancia problemática, brillantez temprana, ascenso meteórico, drogas y adversidad, un final redentor. Para cuando Walk Hard: The Dewey Cox Story llegó para desmentir toda la farsa en 2007, la parodia prácticamente se escribió sola.

La Jornada

Salvador Calvo rueda la historia de unos aficionados al salto BASE, entre ellos el cocinero Darío Barrio y el presentador Alvaro Bultó, que fallecieron en distintos accidentes a lo largo del tiempo

El País

Isabel Coixet narra esta historia correctamente, buscando sutileza, intentando no chantajear ni abrumar sentimentalmente al espectador

El País

El filme es un ‘slasher’ en el que el criminal no es un psicópata sino un animal. Buena idea, pero mal desarrollada

El País

Ganador de la Cámara de Oro en Cannes, este drama social iraquí narra la aventura de una niña que busca los ingredientes de un pastel conmemorativo para Sadam Husein

El País

El director iraquí Hasan Hadi cuenta en su primera película, ‘La tarta del presidente’, el drama de una niña por cocinar un pastel para el cumpleaños del sátrapa

El País

Por qué la reciente adaptación cinematográfica de ‘Cumbres borrascosas’, la estética, las series y el pop siguen orbitando alrededor de ‘Wuthering Heights’

El País

La nueva película de Netflix Aunque nuestro amor se desvanezca esta noche, también conocida como Even If This Love Disappears Tonight, se ha convertido en una de las producciones más comentadas y en tendencia dentro del universo de los k-dramas.La película habla sobre la memoria, el amor y la fragilidad del tiempo, posicionándose como uno de los títulos románticos en la plataforma de streaming.¿De qué trata la serie 'Aunque nuestro amor se desvanezca esta noche'?Aunque nuestro amor se desvanezca esta noche es una película romántica surcoreana que mezcla drama, juventud y segundas oportunidades.La historia sigue a Kim Jae Won, un joven que vive con una enfermedad cardíaca hereditaria y enfrenta su día a día con la sensación de que su futuro es incierto. Su rutina cambia cuando conoce a Han Seo Yun, una chica que padece amnesia anterógrada y pierde cada mañana los recuerdos del día anterior.Ambos deciden iniciar una relación poco convencional en la que deben enamorarse desde cero una y otra vez. La historia explora cómo el amor puede existir incluso sin recuerdos, poniendo el foco en el presente como el único lugar posible para sentir.La producción está dirigida por Kim Hye Young y se basa en la novela homónima del autor japonés Ichijo Misaki, una obra que ya cuenta con reconocimiento entre los lectores de romance dramático.¿Cuál es el reparto de'Aunque nuestro amor se desvanezca esta noche'?El reparto de Aunque nuestro amor se desvanezca esta noche está conformado por los siguientes actores:Choo Young Woo como Kim Jae WonShin Shi Ah como Han Seo YunJo Yoo Jung como Choi Ji MinJin Ho Eun como Jung Hae TunJo Han Chul como Kim Sang HyeonPoster de'Aunque nuestro amor se desvanezca esta noche'¿Dónde ver 'Aunque nuestro amor se desvanezca esta noche'?La película Aunque nuestro amor se desvanezca esta noche se puede ver por medio de la plataforma de streaming Netflix."Una chica despierta cada mañana sin recuerdos del día anterior. Cuando acepta tener una cita con un tímido compañero de clase, ¿podrá surgir el amor con cada nuevo comienzo?", escribió Netflix en la sinopsis de la película coreana.Mira el tráiler de 'Aunque nuestro amor se desvanezca esta noche' aquí:APC

Milenio

Ya está en cartelera la historia dirigida por Chloé Zhao, basada en la novela de Maggie O’Farrell, sobre la vida amorosa del Bardo de Avon

El Sol de México

Kristen Stewart no deja de sorprender. Mientras muchas estrellas de Hollywood invierten en marcas propias, la actriz nominada al Oscar ha decidido apostar por los cimientos de la industria cinematográfica: las salas de cine.La protagonista de Love Lies Bleeding compró el Highland Theatre, un histórico cine ubicado en el barrio de Highland Park, en Los Ángeles, con la intención de restaurarlo y devolverle vida como espacio cultural y comunitario.El inmueble, que llevaba tiempo abandonado, captó la atención de Stewart de forma inesperada. Según ha contado en entrevistas, no estaba buscando adquirir un cine, pero al conocer el lugar sintió una conexión inmediata y la urgencia de intervenir antes de que se perdiera definitivamente.​¿Por qué el Highland Theatre es importante?El Highland Theatre es uno de los recintos cinematográficos más antiguos de Los Ángeles. Inaugurado en 1925, el teatro fue diseñado por el arquitecto Lewis Arthur Smith y originalmente funcionó tanto como sala de cine como espacio para espectáculos en vivo, una práctica común durante los primeros años del cine.Durante décadas, el recinto fue un punto clave de encuentro en Highland Park, uno de los barrios con mayor identidad cultural de la ciudad, y formó parte de la época dorada de los grandes cines de barrio que definieron la experiencia cinematográfica del siglo XX.Sin embargo, tras múltiples cambios de administración y el impacto de la pandemia, el teatro cerró en 2024, quedando abandonado a las puertas de cumplir 100 años de historia.La situación del Highland Theatre no es un caso aislado. En los últimos años, varias salas históricas de Los Ángeles han enfrentado el riesgo de desaparecer ante el auge del streaming y la transformación del consumo audiovisual.En este contexto, cineastas y figuras de la industria han intervenido para rescatar espacios emblemáticos, apostando por la preservación del cine en salas como un acto cultural y comunitario. La compra del inmueble por parte de Stewart evita que el edificio sea demolido o reconvertido en un proyecto ajeno a su legado.¿Por qué Kristen Stewart quiere rescatarlo?El interés de Kristen Stewart por el Highland Theatre está profundamente ligado a su relación con el cine más allá de la actuación. En los últimos años, la artista ha consolidado su faceta como directora y guionista, desarrollando una mirada autoral que la conecta de forma directa con el cine independiente y de creación.Para Stewart, el cine es una experiencia colectiva que no puede replicarse en casa. Ha manifestado su fascinación por los cines antiguos en ruinas, espacios que considera cargados de historia y potencial creativo. Al conocer el Highland Theatre, sintió que debía actuar de inmediato para salvarlo y devolverle un propósito:"Es una oportunidad para crear un espacio donde reunirnos, planificar y soñar juntos... Queremos que sea un evento familiar, algo para la comunidad. No es solo para cinéfilos pretenciosos de Hollywood.""Lo veo como un antídoto contra toda la basura corporativa, un lugar que aleja la cultura cinematográfica de la simple compraventa. Creo que hay un gran deseo y ansia por lo que este tipo de espacio puede ofrecer". View this post on Instagram Su objetivo es transformar el recinto en un espacio cultural vivo, alejado de la lógica corporativa, donde se celebre el ritual de ver cine en comunidad.El proyecto contempla respetar la arquitectura original del edificio mientras se adapta a nuevas funciones, con una programación curada y actividades que fomenten el diálogo y la creación cinematográfica.Con esta iniciativa, Stewart reafirma su compromiso con el cine como arte y como experiencia compartida, recientemente dio a conocer que su visión con este arte va más allá de quedarse en casa sino ampliar sus conocimientos e inspiraciones a poder grabar el cine fuera de Estados Unidos.​

Milenio

El cantante puertorriqueño Rauw Alejandro dará el salto al cine con su primer papel en la película Viva La Madness, el nuevo proyecto del director británico Guy Ritchie, cuya producción comenzó en enero de este año, según informó este miércoles Sony Music.La cinta fue escrita por Ritchie junto con J. J. Connolly y está basada en la novela homónima del propio Connolly. El filme será dirigido por Ritchie, conocido por su estilo dinámico y sus historias centradas en el crimen organizado, lo que marca un nuevo territorio narrativo para el intérprete deTodo de ti.Viva La Madness está encabezada por Jason Statham, quien lidera un reparto que incluye a Jason Isaacs, Vinnie Jones, Babs Olusanmokun, Camila Mendes, el ganador del Emmy Ben Foster y Jonny Lee Miller.La producción corre a cargo de Black Bear, mientras que la distribución en Estados Unidos estará a cargo de Black Bear Pictures, y Amazon MGM Studios se encargará de su lanzamiento en la mayoría de los territorios internacionales.Con este proyecto, Rauw Alejandro se suma a la lista de artistas puertorriqueños que han incursionado en la actuación cinematográfica, como Bad Bunny y Residente, ampliando así su presencia más allá de la música.El debut en la pantalla grande llega en uno de los momentos más sólidos de la carrera del cantante.Su álbum 'Cosa Nuestra' compitió en la categoría de Mejor Álbum de Pop Latino en los premios Grammy, mientras que su Cosa Nuestra World Tour vendió cerca de un millón de boletos en 75 conciertos realizados en Estados Unidos, Europa y Latinoamérica.Aunque todavía no se han revelado detalles sobre el personaje que interpretará, la participación de Rauw Alejandro en una producción de alto perfil confirma su consolidación como una de las figuras más versátiles de la música latina actual.jk

Milenio

En el contexto de la exposición Estéticas Revueltas. Una familia de vanguardia, la cual permanecerá hasta el 8 de febrero de 2026 en la sala “C” del Museo de Arte Moderno, se presentará el ciclo de cine Estéticas Revueltas, el cual ofrece una mirada profunda a la relación entre la familia Revueltas y el cine.

La Jornada

El artista neoyorquino Spencer Tunick ha realizado sus instalaciones masivas de desnudos al aire libre en muchas naciones. Sin embargo, estos trabajos siempre son por invitación. No siente tener “el derecho como extranjero de decir: ‘quiero trabajar aquí o allá. En cada país existe una larga tradición del desnudo en el arte. Entonces, llegar y sostener: ‘tengo que hacer esto en cierto lugar’, no me parece correcto. Siempre pregunto si cierta locación estaría bien o si tiene algún interés. Las personas también me proponen sitios. Soy un colaborador por invitación”.

La Jornada

Una teoría viral sugiere que los cambios en Miranda Priestly podrían estar ligados a un giro inesperado en la historia de la secuela

El Informador

Aquellos que disfrutan de la ciencia ficción la película Alerta Extinción es una opción para ver en la pantalla grande

El Informador

Esta semana llega una peli animada nominada al Oscar, ideal para ver en familia, que pone sobre la mesa temáticas como la soledad infantil, la amistad y el cambio climático

El Informador

“Como escritores de comedia la mayor tentación es abordar un tema intocable”, apuntan Raúl Campos y Félix de Valdivia, director y escritores de la cinta que puedes ver en salas.

Aristegui Noticias

Madrid. Christopher Nolan calificó la compra de Warner Bros por parte de Netflix como “un duro golpe y un momento muy preocupante para la industria”. El realizador, que preside el Sindicato de Directores Estadunidenses (DGA por sus siglas en inglés) aseguró que la pérdida de uno de los grandes estudios de Hollywood, que durante años fue su casa y del que se desvinculó por desacuerdos ante el estreno simultáneo de películas en cines y en HBO Max durante la pandemia, no es una buena noticia.

La Jornada

Ianis Guerrero y Fabiola Campomanes estelarizan la ópera prima de Andrés Díaz, la cual se filma en la Perla Tapatía y será estrenada en 2027

El Informador

Mientras Europa se consume con la violencia de la Primera Guerra Mundial, lejos del campo de batalla dos hombres se descubren a través de la música. La historia del sonido transforma ese encuentro en un viaje emocional donde cada canción grabada y cada silencio compartido se convierten en gestos de amor, en intentos por preservar lo que la guerra amenaza con borrar: la identidad, la ternura y la posibilidad de recordar sin dolor.En ese mundo quebrado por la guerra, Lionel y David se encuentran en un Conservatorio de Música en 1917, los une su pasión compartida por la música y por la grabación de sonidos que están a punto de desaparecer. Años después de ese primer encuentro, un viaje por los bosques para recolectar canciones tradicionales de los pueblos los vuelve a reunir y transforma ese amor latente en una experiencia vital que los marcará para siempre.“Traté de no pensar demasiado en la época. Me gusta la idea de dos personas que se conectan y se enamoran a través de su amor por grabar sonidos, música y canciones, y por preservar la historia a través de la música. Me gustó esta metáfora de dos hombres que comparten el amor por algo, y luego salen físicamente a hacer algo que solidifica ese amor, que es recolectar algo tan bello como la música”, explicó a MILENIO Oliver Hermanus.Aunque la guerra nunca aparece de forma explícita, su sombra atraviesa cada plano. Por ello, Hermanus eligió contar esa historia desde la intimidad, “me pareció interesante sentir el impacto de la guerra en la vida de ambos personajes. Antes hice una película sobre el ejército en Sudáfrica y sobre una guerra allí, así que sentí que ya había hecho las bombas y todas esas cosas. Por eso fue agradable dejar la guerra fuera de campo”, agregó.El sonido como refugio de la memoria:En la historia del sonido, la música no es solo acompañamiento, es el corazón mismo del relato, cada grabación es un intento por salvar del olvido un fragmento de identidad o una voz anónima. Para Hermanus, el sonido tiene una dimensión profunda y emocional, pues, “donde sea que vivas, existe algún tipo de música —dijo el realizador—, y todos tenemos una relación con el sonido que nos transporta y nos ayuda a identificarnos con nuestras vidas”.Recolectar canciones tradicionales en cada pueblo se convierte en un gesto de amor al pasado y al presente, un acto de cuidado hacia aquello que nos define como sociedad. En tiempos donde la memoria se diluye con facilidad, la película propone escuchar, poner pausa por un instante, “porque hay mucho ruido en el mundo y estamos constantemente bombardeados con información. Una película como esta pide lo contrario”, dijo Oliver. La fragilidad como fuerzaPara Paul Mescal, interpretar a Lionel representa un momento crucial en una carrera que ha sabido elegir proyectos íntimos y complejos. Tras el impacto en Aftersun, su reciente paso por el gran show que ofreció Gladiador II y su sensible participación en la adaptación de Hamnet, donde dio vida a William Shakespeare, Mescal regresa a la contención emocional, al silencio, a esa mínima gestualidad que requieren personajes como Lionel.Su personaje escucha antes de hablar, observa antes de actuar y ama desde la vulnerabilidad. Y es en esa fragilidad donde encuentra su fuerza. A su lado, Josh O’Connor construye un David marcado por la guerra, con una melancolía que se ilumina en cada encuentro con Lionel, y solo juntos logran una química profundamente humana, donde el amor se manifiesta en lo cotidiano, en la espera, en la memoria compartida.Amar también es preservarLa historia del sonido también dialoga con la esencia del cine como arte de la memoria, “cada película es una especie de marca temporal”, explicó el Oliver Hermanus, “el cine se convierte en una marca de tiempo de la historia, es una especie de máquina del tiempo. Vemos películas de distintas épocas, países y momentos, y obtenemos un sentido de la historia, la cultura, las personas, los lugares, de cómo se veía y se sentía el mundo”.Más que una historia sobre la guerra, la película es un canto a la vida, al amor que persiste incluso en medio de la pérdida, y al poder sanador de la música, “esta película trata de atesorar la vida, de apreciar lo que sucede y lo que pudo haber sucedido, y de no vivir con arrepentimiento. Es una historia de amor sobre lo que pudo ser, y eso conmueve. Espero que la gente vuelva a casa, que quizá llore un poco, y se sienta mejor”, dijo.

Milenio

Arco es una película animada francesa en 2D, escrita y dirigida por Ugo Bienvenu y producida por Natalie Portman, el doblaje en español del filme que está nominado al Oscar como Mejor Película Animada lo hicieron Memo Villegas, Daniel Tovar y Alfonso Borbolla, quienes dan voz a los villanos; mientras que Jorge Rafael presta su voz a Arco, el protagonista; y Bonnie Miuller es la voz de Iris.Daniel Tovar, quien da voz a es Stewie, uno de los villanos que persiguen a Arco para capturarlo y demostrar que ellos vivieron algo que nadie les creyó habló de la experiencia. “Son unos villanos hermosos y memorables. Desde que vi la película me encantó, me encanta la animación y la ciencia ficción. Hay una relación entre los personajes, cómo se necesitan, se apoyan y hay conexiones incondicionales”, dijo en entrevista a MILENIO.“La película tiene un mensaje muy esperanzador acerca del futuro, porque Arco viene de un futuro muy distante hacía el año 2075, donde la humanidad a pesar de que ha avanzado, tiene una cosa que nos falta, es desesperanzador. Hay mucha IA, robots, cosas con el cambio climático, es una película bonita porque tiene una paradoja con el tiempo, es para toda la familia y te deja muchos mensajes”, agregó.Memo Villegas da voz a Dougie, quien no es tan villano como aparenta: “Me ha encantado la experiencia, y saber que MUBI está detrás me parece de alta categoría y que esté nominada al Oscar es lo más cercano que voy a estar al premio”.Villegas considera que los adultos van a recordar las ilusiones que tuvieron de niños: “Cuando fuimos niños vivimos las ilusiones a flor de piel y esta película es pura ilusión, un niño que viene del futuro al presente y tiene muchos signos que te hacen sentir ilusionado. El encuentro en diferentes épocas y la conexión que se da entre los niños es con lo que me quedo”.Alfonso Borbolla es Frankie, quien con sus hermanos le ha puesto atención a la naturaleza y quieren salvar al mundo. “Es una película muy poética. El mensaje que tiene es muy lindo, habla de lo importante que es hacer conciencia del valor de la vida, con la idea de que estamos próximos a un futuro devastador y que depende de la imaginación y colaboración ayudan a construir el futuro que queremos”.Si Borbolla pudiera estar en el futuro como plantea la película le gustaría encontrar que los avances en ciencia siguen. “Me gustaría estar en un futuro en donde podamos vivir en armonía con los otros y la naturaleza, dejar de ser depredadores”, confesó.Para Villegas lo ideal sería un futuro en donde la tecnología ayude más a conectar entre cada uno y que no se trate de alejar, mientras que Tovar se inclina por un futuro donde todos sean más generosos y menos egoístas. Sobre la animación que es limpia, donde los personajes tienen trazos sencillos hace que no haya una mayor distracción sobre las imágenes pero si un disfrute de la forma de presentar la naturaleza. “No hay un gran despliegue de cómo el pelo se mueve, sino una animación que siente como las caricaturas de los ochenta, pero la naturaleza está animada de una forma espectacular, el cielo, los bosques, el agua y animales, la naturaleza nos cautiva y está pensada para reconectarnos con el valor de la vida”, reflexionó Borbolla.Jorge Rafael, quien le da voz a Arco recordó que cuando lo llamaron para hacer la prueba para el doblaje se sintió nervioso y asustado, tiene 13 años de edad y ocho haciendo doblaje, haberse quedado con el protagónico lo puso muy contento. “Estoy muy feliz y me encanta hacer doblaje. El proceso fue muy divertido, tuvo algunas partes complejas, Gerardo García que es el director me ayudó a lograr hacer la película, que tiene un mensaje muy bonito de empatía con tus padres y amigos ”, recordó.Bonnie Miuller le da voz al personaje de Iris, la niña que se encuentra con Arco cuando él aterriza en la tierra y decide ayudarlo a regresar al futuro de donde llegó. “Iris se convierte en la mejor amiga de Arco en la tierra. Hice casting, estaba muy nerviosa porque habían muchas niñas en la lista, en la prueba me sentía igual porque sí quería quedarme con el personaje y estoy muy feliz por haberlo hecho”, dijo. Miuller tiene 14 años y desde hace 10 hace doblaje, todo inició porque acompañaba a su mamá a los llamados y cuando necesitaban niños la llamaban para hacer diferentes personajes, hace cuatro años tomó clases de actuación.“La película tiene un buen mensaje sobre la amistad, sobre los errores que uno comete, que no se aprende hasta vivirlos”, aseguró Miuller.La historia Arco es un niño que vive en el futuro con sus padres y hermana, aún no cumple con la edad reglamentaria para volar, su impulso lo lleva a desobedecer a sus papás y termina viajando al pasado donde conoce a Iris, quien se empeña en ayudarlo a regresar con su familia.

Milenio

Del cine mexicano a Hollywood, actores como Jorge Rivero, Sylvester Stallone y Arnold Schwarzenegger desafían al tiempo y convierten la disciplina física en una forma de resistencia frente a la edad

El Informador

Iván Amozurrutia deja atrás el fenómeno de “El Niñero” y se suma a la adaptación de “Mal de amores”, una historia de Ángeles Mastretta cargada de memoria y emoción

El Informador

NRM Origins ya está disponible, estrena la serie “El último maestro”, con el testimonio del sacerdore maya Luis Nah

El Sol de México

Este año, llega una nueva película de Alejandro González Iñárritu: Digger. Tras presentar Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades en 2022, un retrato con muchas referencias personales, el director mexicano se alista para volver a la pantalla grande con una cinta de la que poco a poco se conoce más detalles.El primero y más llamativo: que el protagonista es Tom Cruise. Y recientemente otro de los actores de la cinta, el nominado al Oscar Jesse Plemons, reveló que Digger "tiene un aire moderno a Dr. Strangelove", entre otros detalles.¿Qué reveló Jesse Plemons sobre Digger, la nueva película de Iñárritu?En una entrevista reciente con la revista Variety, Jesse, quien trabajó previamente con Tom Cruise enAmerican Made(2017), confesó queDiggertiene "uno de los guiones más extraños, divertidos y trágicos que he leído"."Tiene un aire moderno a Dr. Strangelove, y luego se transforma en algo completamente distinto", añadió el actor expresando admiración por esta producción, según Variety.Jesse resaltó la actuación de Cruise en la cinta de Iñárritu: "Fue emocionante ver a Tom lanzarse a todo, no con una acción que desafiara a la muerte, sino mostrando plenamente lo increíble que es como actor".¿Cuándo se estrena Digger?La sinopsis compartida por Warner Bros. adelanta que Cruise interpreta a Digger Rockwell, un hombre poderoso que “se embarca en una misión frenética para demostrar que es el salvador de la humanidad antes de que el desastre que ha desatado lo destruya todo”.Con el primer adelanto también se dio a conocer su fecha de estreno: en octubre de este año.En el elenco también participan Sandra Hüller, John Goodman, Michael Stuhlbarg, Jesse Plemons, Sophie Wilde y Emma D’Arcy.hc

Milenio

Cinemalive ofrecerá varias funciones en diferentes ubicaciones de la Zona Metropolitana de Guadalajara; te compartimos la cartelera

El Informador

Este listado refleja la diversidad de géneros y temáticas que los espectadores mexicanos prefieren

El Informador

Dos opciones distintas pero igual de emocionantes que invitan a disfrutar del cine en su mejor momento; te compartimos los estrenos

El Informador

Betirri, artista poblano radicado en Estados Unidos, participará en la edición 2026 de la Feria Bada, donde presentará su serie Title Sponsors, un proyecto que toma como punto de partida ellenguaje visual del futbolpara sustituir logotipos comerciales por palabras asociadas a valores humanos.La propuesta se exhibirá en Ciudad de México, en un contexto marcado por la cercanía del Mundial de la FIFA 2026 y por la relevancia cultural del futbol. La Feria Bada 2026 se llevará a cabo del 5 al 8 de febrero en los jardines de Campo Marte, como parte de la Semana del Arte en la capital mexicana.Betirri explicó que su interés por Bada radica en la manera en que la feria elimina intermediarios y propicia un contacto directo entre el artista y el público: “Bada me interesa porque rompe la barrera tradicional entre el artista y el público, algo muy cercano al espíritu del futbol”. Añadió que este deporte funciona como “un lenguaje directo, accesible y emocional”, una lógica que desde su perspectiva también define a la feria al generar encuentros humanos sin mediaciones.Sobre el origen de Title Sponsors, el artista relató que la urgencia del proyecto surgió al observar el peso creciente de los intereses comerciales dentro del futbol contemporáneo.“Sentí la necesidad de recuperar ese espacio visual tan poderoso que es la camiseta y devolverle un mensaje humano. Antes del negocio existe una comunidad global que siente, sufre y celebra junta”.En la serie, Betirri conserva la tipografía y el diseño gráfico originales de los patrocinadores deportivos, aunque sustituye los nombres comerciales por palabras como paz, empatía, dignidad o resiliencia. Al respecto, dijo que la tipografía forma parte del inconsciente colectivo del futbol y que mantenerla permite generar un reconocimiento inmediato: “Al leer una palabra distinta se produce una fricción visual y conceptual que invita a cuestionar qué es lo que realmente estamos patrocinando como sociedad”.Las obras presentan únicamente la camiseta, sin la figura del jugador. Según explicó el artista, esta decisión busca que el espectador ocupe ese lugar simbólico: “Sin un cuerpo específico, la camiseta se vuelve universal y permite que cualquiera se proyecte en ella. No se trata de representar a un ídolo, sino a una identidad compartida”.Responsabilidad culturalSobre la presentación de la serie en Ciudad de México, el artista destacó la relación emocional que la ciudad mantiene con el futbol: “Aquí el público no solo entiende el futbol, lo siente. Esta intensidad cultural genera una lectura más directa y visceral de la obra”.En relación con el contexto previo al Mundial de 2026, el artista habló de la relación entre futbol, comercio y responsabilidad cultural: “El comercio es inevitable, pero no debería ser el único motor. Un evento de alcance global como el Mundial conlleva la responsabilidad de comunicar valores, generar inclusión y dejar un legado que no se limite a lo económico”.El creador también se refirió a la tensión entre la lógica competitiva del deporte y los valores que aparecen en su trabajo. Explicó que su interés está en evidenciar que la competencia no está reñida con la humanidad: “El futbol puede ser intenso y competitivo, pero también puede ser un espacio de respeto, memoria y empatía”.Sostuvo que el futbol, por su alcance simbólico y emocional, puede funcionar como una plataforma efectiva para la transmisión de valores sociales: “Llega donde muchos discursos no llegan”.Sobre lo que espera que el público se lleve tras ver la serie, comentó que su objetivo no es ofrecer una respuesta cerrada, sino abrir una reflexión: “Si la obra logra que el espectador se cuestione qué valores está dispuesto a defender dentro y fuera del estadio, el trabajo ya cumplió su propósito”.PCL

Milenio

El elenco original de Jurassic Park volvió a reunirse para un comercial lleno de nostalgia que imagina cómo habría cambiado la historia si la tecnología moderna hubiera existido.

TV Azteca

Si eres fiel seguidor de Paris Hilton la película Ícono Infinito: Una memoria visual es para ti

El Informador

El documental mostrará las implicaciones de operar fuera de los estándares y sistemas tradicionales del K-pop que la banda tuvo que afrontar

El Sol de México

Está nominada a Mejor Película Animada por Amélie y los Secretos de la Lluvia

El Diario MX

“Pancho Rabbit y el Coyote”, representada en ambos lados de la frontera, ofrece una alegoría sobre los migrantes, los agentes de inmigración y el presidente Trump

El Diario MX

La mexicana Nidia Santiago produce 'Amélie y los Secretos de la Lluvia', filme nominado al Óscar 2026 por Mejor Película Animada.

Reforma

Cuba “es una extraordinaria fuente de luz para el cine y el audiovisual”, además ha dado cobijo a decenas de integrantes de esta comunidad exiliados y perseguidos y apoyado a “centenares de películas y creadores de todo el mundo”. Esta es la postura de casi 300 integrantes de la comunidad cinematográfica de América Latina, quienes por medio de una carta abierta se manifestaron contra “las agresiones y amenazas” difundidas por el presidente estadunidense Donald Trump contra el pueblo cubano.

La Jornada

En 2026 cumple 100 años Metrópolis, la película madre de todas las batallas de la ciencia ficción y el cine de desastres. Rodada durante más de 300 días y 60 noches entre 1925 y 1926, se estrenó en Berlín en enero de 2027. Además, destaca que la notable y contradictoria fabulación del vienés Fritz Lang y la escritora alemana Thea von Harbou transcurre en 2026. Entre las ficciones literarias filmadas que arriesgan el año del futuro en que “sucederán”, por increíble que parezca, es ésta la más cercana a la realidad del mundo anticipado en algún remoto ayer, el presente de sus creadores.

La Jornada

Los Ángeles., El legendario cineasta Steven Spiel-berg completó el domingo el grand slam de premios de la industria del espectáculo estadunidense al ganar un premio Grammy de la Academia de Grabación en la categoría de Mejor Película Musical por el documental Music by John Williams.

La Jornada

La nueva película de Edgar Ramírez, “Aún es de noche en Caracas”, incluye filmaciones clandestinas, realizadas bajo riesgo de detención y con un guion falso para evadir la censura

El Informador

La película Aún es de noche de Caracas, producción de Édgar Ramírez, está basada en el libro La hija de la española, que cuenta la historia de Adelaida, una mujer venezolana que se expone al destierro, al exilio y a tomar decisiones drásticas para sobrevivir tras la llegada del régimen totalitario a su país.Esta propuesta, que se estrena a nivel nacional el 5 de febrero, lleva al espectador no solo a la reflexión sino a empatizar con la realidad que viven las personas inmersas en abusos y promesas no cumplidas por los regímenes políticos, lo que los lleva a dejar todo y a convertirse en inmigrantes.“Quiero lograr mover las fibras más profundas del espectador, que se emocionen y que entren a un viaje. Presentamos esta película en el Festival de Venecia, en Toronto y en Morelia, y hemos visto cómo la gente sale profundamente emocionada, conmovida y otros llorando, aunque no son venezolanos sino de otras nacionalidades”, contó Ramirez en entrevista con MILENIO.Desde el primer minuto, la trama produce diferentes sentimientos y este resultado, para Ramírez, resulta gratificante y conmovedor. “Como cineasta, lo que quieres es que las historias sean un vehículo para la generación de empatía y compasión, para que logre ser como un espejo que levantas, para que la gente se sienta identificada y pueda preguntarse qué haría en esa situación”, dijo.Adelaida (Natalia Reyes), se ve forzada y acorralada para tomar decisiones que van en contra de sus convicciones y que no haría en otro contexto; sin embargo, las asume para poder sobrevivir.“Creo que este es un tema universal, el tomar decisiones para poder sobrevivir. Tuve una anécdota con una periodista mexicana, muy informada sobre el tema de Venezuela, que me dijo que hasta que vio la película logró entender la dimensión de la situación y logró ponerle cara, nombre y hueso al titular, además de sentirse identificada con la gran cantidad de decisiones imposibles y difíciles a las que hemos estado sometidos los venezolanos por tantos años”, compartió.“Hay decisiones y opciones profundamente problemáticas que resultan preferibles al horror que hemos vivido, tanto en el drama central de la película, como en lo que hemos pasado en el país”, añadió el productor y también actor.La dirección corrió a cargo de Mariana Rondón y Maité Ugás, quienes hicieron una gran mancuerna de trabajo.“Cuando empezamos a trabajar, tomamos la decisión en conjunto que está película iba en dos líneas, una que fuera un drama universal, donde las dificultades que está viviendo el mundo actualmente fueran fácilmente legibles, dentro de la historia que estábamos contando y la otra que los venezolanos pudieran sentir el reflejo muy real de lo que vivieron, sabemos y conocemos”, explicó Rondón.Las imágenes que rodean a Adelaida son un referente real. “Cada uno de los venezolanos que hicieron esta película saben que cada una de las escenas sí ocurrieron. Tal vez, universalmente, no se sabe que ocurrieron estas situaciones o las noticias no dieron esta información, pero cada uno de nosotros los venezolanos sabemos que eso pasó y cómo ocurrió”, precisó.“El reto era poder ser fieles en términos cinematográficos con todos los espectadores del mundo, poder tener un thriller de supervivencia, que el suspenso fuera implacable, trepidante, pero que pudiéramos también estarle hablando en concreto a un primo, a un hermano o aun amigo, que sabe de cada una de esas cosas son reales y que ocurrieron”, agregó.Para Maité Ugás, directora también de este filme, hubo otro reto. “La memoria es frágil, si bien estamos en una coyuntura donde Venezuela está en primer plano, el timing ha sido perfecto para esta película, queríamos que para todos los espectadores esto fuera inverosímil, aquí no hay nada inventado. Nada es exagerado, la realidad como siempre sobrepasa a la ficción y se queda corta en arte cuando se trata de reflejar”, expresó.Para lograr el resultado visual, apuntó Ugás que trabajaron con imágenes de archivo. “No cabe duda que esos chicos estaban peleando por su vida a cada instante en esas manifestaciones que hubo en 2017. El mayor reto es que la gente en verdad se empape en esta realidad”, acotó.Moisés Angola le da vida a Santiago, un joven que de un día para otro se convierte en otra persona, ha sido torturado, preso, violado y obligado a matar gente por causas que en realidad estaba protestando.“Imagínate cómo alguien así puede estar cuerdo y que alguien que lo vea puede preguntarse si hubiera resistido o qué hubiese hecho. Afortunadamente tuve un equipo que me cuidó mucho, cada uno de ellos estuvo siempre en las escenas. La producción mexicana Redrum valoró mucho la salud mental de los involucrados y de todos los extras que fueron mayormente venezolanos en el exilio”, sostuvo.Cada detalle fue cuidado al máximo, todos tenían acceso a un acompañamiento psicológico, en el caso de que tuvieran un recuerdo o alguna situación durante las escenas de protesta. “Como bien dice Edgar esta es una película grabada en el exilio, por personas en el exilio y la producción nos cuidó para poder llamar a una línea, si había alguna necesidad, eso se valora y agradece”, afirmó.Sheila Monterola representó a La Mariscala, una mujer que cree en las promesas del gobierno, que es capaz de todo con tal de obtener beneficios, pero que a lo largo de los días descubre que la están utilizando.“Es un personaje que no te permitía medias tintas, para construirlo quería total honestidad y no había que hurgar mucho porque podía hacerlo desde el recuerdo, desde las personas que me estaban rodeando, el equipo y gente que está en el exilio y que conocí en el rodaje, todos llegaron a aportar”, relató.Para Monterola La Mariscala es como un gran muñeco de trapo que está hecho con partes, historias, emociones, recuerdos y sensaciones de todo aquel que vivió un poco el proceso con ella. “Es un personaje con el que se pueden identificar fácilmente, porque te prometen, entregas y entregas, crees y eso no existe, colapsas y quieres destruir todo a tu paso. La Mariscala es el gran monstruo humanizado como consecuencia de todo esto”, señaló.Finalmente sobre el tipo de conversación que quieren que el público tenga después de ver la película, Rondón respondió que “crean los que no creían, que entiendan este proceso tan complejo y que puedan ser empáticos con los ocho millones de venezolanos que andan por el mundo, pero también con los migrantes de todos lados, que están pasando por situaciones complejas y guerras”.“Nadie está exento de que un día el monstruo toque la puerta, lo acorrale y tenga que tomar decisiones completamente contrarias a sus valores éticos, solo para poder sobrevivir, este es un drama completamente universal, si le quitas Venezuela, esto pudo haber pasado en muchos lugares del mundo”, concluyó Ramírez.Los derechos de la novela La hija de la española de Karina Sainz, que ha sido traducida a más de 20 idiomas, los adquirieron en 2019 y la filmación se hizo en 2024.

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Las historias narradas con esta técnica se convirtieron en las favoritas del público; el éxito de “Las guerreras del K-Pop” consolidaron una propuesta que es consumida cada vez más por adultos

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El actor mexicano vuelve a interpretar a un personaje marcado por las carencias sociales del país y reflexiona sobre el contexto histórico que le dio origen

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La desenfrenada película de Josh Safdie está inspirada en el jugador Marty Reisman, carismático y excéntrico campeón estadounidense de tenis de mesa

El País

Explosiones, persecuciones y combates cuerpo a cuerpo conviven con la vulnerabilidad emocional en Equipo demolición, la nueva película dirigida por Ángel Manuel Soto y protagonizada por Jason Momoa y Dave Bautista. Lejos de limitarse al espectáculo adrenalínico, la película que esta semana llegó a salas de cine mexicanas apuesta por una lectura contemporánea del género buddy movie, en la que la deconstrucción de la masculinidad y el conflicto familiar se convierten en el verdadero motor narrativo. Desde clásicos como Arma mortal, con Mel Gibson y Danny Glover; 48 horas, con Eddie Murphy y Nick Nolte; o Dos policías rebeldes, con Will Smith y Martin Lawrence, el cine ha explorado la fórmula de dos personajes opuestos obligados a colaborar, privilegiando la camaradería, el humor y la acción. Sin embargo, Soto reinventa el género al sustituir la amistad espontánea por un conflicto emocional profundo: el de dos hermanos distanciados que deben enfrentar la muerte de su padre y, algo más allá, sanar heridas de la infancia. “Definitivamente la acción estaba ahí y el humor estaba ahí, pero hubo dos factores importantísimos”, explicó el director Ángel Manuel Soto en entrevista con MILENIO, “uno, el hecho de que podía seguir explorando los elementos de la deconstrucción de la masculinidad y la familia. La película tenía ese momento catártico, donde dentro del macho-man y toda la acción, hay un momento emocional y vulnerable que se gana de manera natural y orgánica. Para mí, esa escena es la razón por la cual estamos en esta película”. La trama, construida como un thriller explosivo, encubre un relato íntimo sobre trauma, duelo y reconciliación, es un hecho que “ahí está el misterio de dos hermanos que no se llevan y que tienen que solucionar la muerte de su padre, pero todo eso tenía que pasar para que pudieran hablar sobre sus traumas de la niñez y luego poder sanar. Ese siempre fue el norte de la película”, señaló Soto, quien anteriormente entregó al público Blue Beetle, sobre el primer superhéroe latino protagonista en el Universo Extendido de DC. La elección de Jason Momoa y Dave Bautista resulta fundamental para este planteamiento. Ambos actores poseen presencias físicas imponentes, pero energías radicalmente distintas, tanto dentro como fuera de la pantalla y los conocemos, “Jason Momoa es bien volátil, bien loud (escandaloso), con una gravedad increíble. Pero Dave Bautista es como un gentle giant (gigante gentil), es como un monje. Son polos opuestos en la vida real, y eso me encantó. Que ellos pudieran personificar eso que ya son, pero elevado al once”, explicó el cineasta. Más allá del músculo y la espectacularidad, Soto apostó por mostrar la fragilidad emocional de sus protagonistas, porque “dentro de estos personajes, que siempre son los machos alfa que nunca hacen preguntas y a los que nunca les duele nada, mi norte siempre fue ese momento de vulnerabilidad y la deconstrucción de lo masculino. Más allá de resolver el misterio del padre, era resolver la relación entre ellos dos. Esa es la única razón por la cual estamos aquí”, dijo Soto respecto a la idea central que le hizo tomar el proyecto. La intensidad emocional alcanzó incluso al propio director durante el rodaje, “mientras filmábamos esa escena (la de la reconciliación), hasta a mí se me aguaban los ojos, porque es una energía que no se toca lo suficiente en este tipo de películas”. Además del conflicto íntimo, Equipo demolición incorpora una lectura sociopolítica al abordar temas como la gentrificación y el desplazamiento de comunidades indígenas, situando parte de su narrativa en Hawái, “eso es algo que en Puerto Rico estamos experimentando a diario. En México, ni se diga. Poder poner luz en una situación que me afecta directamente como ser humano, dentro de una película explosiva de acción, es algo que me encanta hacer en todos los proyectos que busco”, explicó Soto sobre su causa. En ese mismo espíritu, el director decidió romper las reglas del género desde el entendimiento profundo de sus códigos y “la mejor manera de romperlas es entendiéndolas. Vengo del Caribe, de Puerto Rico, y tenemos sensibilidades distintas. Aunque no es una película latina, desde mi filtro es inevitable buscar dónde la humanidad y las emociones puedan existir dentro de lo que fácilmente podría ser puro espectáculo. esta es una película de acción, es claro, pero te ofrece algo que va más allá de su género”. Esa visión se extiende a la coreografía de las escenas de acción, desarrolladas junto al coordinador de stunts John Valera. “Las trabajamos siempre desde un punto de vista emocional, que informaran a los personajes, que no fueran solo acción por la acción”. Así, Equipo demolición se presenta como una propuesta que redefine el cine buddy movie contemporáneo: un espectáculo que, sin renunciar al entretenimiento, se atreve a explorar la fragilidad y la sanación emocional desde una mirada honesta y humana.

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'Man on the Run' explora el renacimiento creativo del músico tras la separación de The Beatles.

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Cinemex arranca febrero con una serie de nuevos estrenos que amplían su cartelera y ofrecen opciones para todos los gustos

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El equipo de HUNTRIX volverá a las pantallas grandes en México en 2026  Leer

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El lanzamiento del tráiler de Michael, la película biográfica sobre la vida y carrera de Michael Jackson, generó gran expectación mundial. El adelanto, difundido durante la última entrega de los Grammy, alcanzó 116,2 millones de visualizaciones en 24 horas, convirtiéndose en el avance más visto de una producción musical de Lionsgate. La cinta, dirigida por […] The post Tráiler de «Michael», película biográfica del «Rey del Pop», supera los 116 millones de vistas en 24 horas appeared first on Síntesis Nacional.

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El documental “Melania”, que sigue a la primera dama de Estados Unidos durante los 20 días previos al regreso de Donald Trump a la Presidencia en 2025, recaudó 7,04 millones de dólares en su estreno en cines. El lanzamiento se realizó este fin de semana en 1.778 salas de EE. UU. y 3.300 a nivel […] The post El documental “Melania” superó expectativas recaudando más de 7 millones de dólares en su debut appeared first on Síntesis Nacional.

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Así luce la nueva biopic del “Rey del Pop”; se han revelado más detalles del filme

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La historia de Pie Pequeño vuelve con una nueva versión en animación 3D y ya tenemos póster oficial. Así será el regreso de La tierra antes del tiempo.

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El mexicano sumó más de 100 proyectos de actuación a lo largo de su carrera. Hasta hace apenas unos años debutó como productor ejecutivo de “Desde adentro”, dirigido por Roberto Valdés

El Sol de México

La imponente directora de Runway Miranda Priestly y su rebelde aprendiz, Andrea Sachs, protagonizan el primer tráiler de la secuela de El Diablo se viste a la moda, la clásica comedia de 2006.20 años después Meryl Streep retoma el icónico papel creado por Lauren Weisberger para su novela de 2003 El diablo viste de Prada, inspirado en un lapso laboral de la escritora con Anna Wintour, la icónica directora de Vogue.En el nuevo avance también retoman sus roles junto a Anne Hathaway, de Stanley Tuccy como Nigel, el brazo derecho de Priestly y Emily Blunt como Emily Charlton, la ambiciosa asistente que aspira a crecer en el mundo de la industria de la moda.¿De qué tratará El diablo se viste a la moda 2?La trama principal presenta un duelo de poderes. la actualidad de Runway presenta cambios drásticos por la propia industria. El conflicto principal tiene tres ejes:El declive de Miranda, quien sigue al frente de la revista, pero se enfrenta al final de su carrera y a la decadencia de las revistas impresas frente al mundo digital.Emily ya no es la asistente sufrida, sino que ahora es una poderosa ejecutiva en un importante conglomerado de lujo (estilo LVMH).Para que Runway sobreviva, Miranda necesita desesperadamente los presupuestos publicitarios que ahora controla Emily. La dinámica de poder se ha invertido: ahora es Miranda quien debe "negociar" con su antigua empleada.Andy vuelve a Runway, pero no como asistente. Ahora es una periodista o editora de contenidos de alto nivel.¿Quiénes regresan y quiénes no a El diablo se viste a la moda?EL tráiler confirma los cuatro roles principales de la primera película con Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt y Staley Tucci.También se suman Tracie Thoms como Lily, la mejor amiga de Andy; Tibor Fieldman como Irv, el CEO del consorcio al que pertenece Runway.Adrien Granier, Nat, el novio de Andy en la primera cinta está descartado para volver a su papel.¿Qué actores nuevos llegarán al universo de Miranda Priestly?Por el momento se han sumado varias figuras importantes al cast como Sydney Sweeney, Lucy Liu, Kenneth Brannagh o Simone Ashley.Disfruta el tráiler de El Diablo se viste a la moda 2evt​

Milenio

Universal sorprendió a los fans del 'Rey del Pop' este lunes con el estreno del tráiler oficial de Michael, la nueva película biográfica de Michael Jackson.Al ritmo de Don’t Stop ’til You Get Enough podemos ver nuevos detalles de la cinta protagonizada por Jaafar Jackson, así como el primer vistazo a Colman Domingo y Nia Long como los padres de Michael.La nueva película Michael narra la vida de Michael Jackson más allá de la música, recorriendo su trayectoria desde el descubrimiento de su extraordinario talento como líder de los Jackson Five hasta convertirse en un artista visionario cuya ambición creativa le impulsó a convertirse en el artista más grande del mundo.Mira el tráiler de Michael AQUÍ:​¿Cuándo se estrenará la película de Michael Jackson?Titulada simplemente Michael, se estrenará ahora el 24 de abril de 2026, después de haber sido retrasada de su principalmente fecha de lanzamiento de octubre de 2025.Antoine Fuqua, el cineasta detrás de Training Day, dirigirá la película, con John Logan como guionista.jk

Milenio

Amazon respaldó los camiones de Brink para la película de vanidad, lo que resultó en ventas de entradas durante el fin de semana de aproximadamente 7 millones de dólares en América del Norte, suficiente para el tercer lugar

El Diario MX

El guionista iraní Mehdi Mahmoudian, nominado al Óscar por la película It Was Just an Accident, fue detenido en Teherán tras firmar una carta en la que se condenan las acciones del líder supremo de Irán, Alí Jamenei, durante la represión de las recientes protestas en el país.De acuerdo con información difundida por The Hollywood Reporter, la detención fue confirmada por Neon, distribuidora estadounidense del filme. Mahmoudian fue arrestado junto con Vida Rabbani y Abdullah Momeni, quienes también suscribieron el documento. Hasta el momento, las autoridades iraníes no han confirmado oficialmente el arresto ni han detallado los cargos en su contra.La carta firmada por Mahmoudian y otros intelectuales y activistas responsabiliza directamente a Jamenei de “autorizar el asesinato masivo y sistemático de ciudadanos” durante la represión de las manifestaciones. En el texto se denuncia el uso de munición real contra civiles, arrestos arbitrarios, persecuciones, asesinatos de manifestantes heridos y la obstrucción de atención médica.“El asesinato masivo y sistemático de ciudadanos que valientemente salieron a las calles para poner fin a un régimen ilegítimo constituye un crimen organizado de Estado contra la humanidad”, señala el comunicado. Los firmantes aseguran que estas acciones forman parte de un aparato autoritario que busca garantizar la supervivencia del régimen mediante la violencia.Entre quienes firmaron la misiva se encuentran el cineasta Jafar Panahi, director de la película y actualmente en Estados Unidos por la promoción del filme; Mohammad Rasoulof, exiliado en Alemania; así como las activistas Narges Mohammadi, Premio Nobel de la Paz, y Nasrin Sotoudeh, ganadora del Premio Sájarov.It Was Just an Accident narra la historia de un ex preso político que contempla vengarse de su torturador. La cinta fue coescrita por Panahi, Mahmoudian, Nader Saeiver y Shadhmer Rastin. Es la primera película de Panahi desde que salió de prisión en Irán y ha sido reconocida con la Palma de Oro en el Festival de Cannes, además de obtener dos nominaciones al Óscar en las categorías de guion original y película internacional.Tras conocerse el arresto, Panahi emitió un comunicado en el que recordó que conoció a Mahmoudian en prisión. “Desde el primer día destacó no solo por su semblante tranquilo, sino por su excepcional sentido de la responsabilidad hacia los demás”, afirmó el cineasta. Añadió que sus nueve años encarcelado le otorgaron un conocimiento profundo del sistema judicial iraní y de la vida en prisión, experiencia que fue clave para el desarrollo del guion.Panahi, quien también fue condenado a prisión en diciembre pasado por motivos similares, ha asegurado que regresará a Irán una vez concluya la promoción internacional de la película.Con información de EFE / JCM

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El cineasta estadounidense se hace con el galardón en la categoría a mejor película musical por el documental ‘La música de John Williams’

El País

El fenómeno de animación de Netflix es una muestra más de cómo la cultura coreana “está en una fase de crecimiento a nivel global”, favoreciendo el aumento del turismo en Corea del Sur y funcionando como estrategia política hacia el exterior

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Pese a las críticas, el documental se estrena con una sólida taquilla

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Hace más de una década, el mundo del cine fue testigo de un fenómeno llamado 'Tropic Thunder' (Una Guerra de Película), una cinta que hoy es considerada una de las mejores comedias del siglo XXI. Ver más: https://www.elsiglodetorreon.com.mx/noticia/2026/hamnet-entre-la-historia-real-y-la-ficcion-sobre-el-hijo-de-shakespeare.html ¿De qué trata una Guerra de Película? La historia de Tropic Thunder nos presenta a un grupo de actores mimados y ensimismados que intentan rodar la película bélica más cara de la historia en el sudeste de Asia.  Para ello, las leyendas de Hollywood Tugg Speedman (Ben Stiller) y Kirk Lazarus (Robert Downey ... Más información -- Ben Stiller reunió a Robert Downey Jr., Jack Black y Tom Cruise para hacer una de las mejores comedias del siglo»

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Es el mejor fin de semana de estreno para un documental, excluyendo conciertos, en 14 años. Antes del fin de semana, las estimaciones oscilaban entre tres y cinco millones de dólares

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