Exposiciones

Eugenia Orozco, presenta su exposición titulada “Disrupción” en la Bolsa Mexicana de Valores en la Ciudad de México desde el 27 de noviembre. The post Eugenia Orozco inaugura expo en la Bolsa Mexicana de Valores appeared first on Open: Únete a la conversación y rompe tus prejuicios..

Revista Open

Tuxtla Gutiérrez, Chiapas.– En el Auditorio General y en la Galería de Arte Contemporáneodel Centro Cultural de Chiapas “Jaime Sabines”, se llevó a cabo la premiación einauguración del Salón de la Plástica Chiapaneca 2025, destacando la producción artísticaen las disciplinas de pintura, grabado y escultura, las cuales reflejan la vitalidad del artecontemporáneo en la entidad. […] La entrada Coneculta realiza la inauguración y premiación del Salón de la Plástica Chiapaneca 2025 se publicó primero en DESDE EL SUR NOTICIAS.

Desde el Sur

El grabado Vasos comunicantes, de Diego Rivera, que presenta un gran rostro con vasos oculares que están en conexión a través del flujo sanguíneo que recorre las venas-raíces de un cerebro-árbol que, a su vez, oculta en su ramaje un cuerpo femenino y uno masculino, es la idea central de la muestra que albergará la Galería de Arte Mexicano para celebrar su 90 aniversario.

La Jornada

María Félix revive en la Cineteca Chapultepec con la exposición Una diosa para una diosa. 58 fotos en gran formato que retratan su vida y legado en el cine mexicano. La entrada Una diosa para una diosa: la exposición de María Félix llega a la Cineteca Chapultepec aparece primero en Dónde Ir: Guía de México y CDMX ¿qué hacer hoy?.

Dónde Ir: Guía de México y CDMX

C. González/ AFPEL CAIRO. Una versión monumental del Tercer paraíso, obra más conocida del artista italiano Michelangelo Pistoletto, fue develada al público ayer al pie de las pirámides de Giza, cerca de El Cairo, para el festival de arte contemporáneo Forever is now. Para esta nueva versión de la instalación emblemática ya expuesta “más de 2 mil veces en el mundo”, el artista icono del Arte Povera (arte pobre), de 92 años, utilizó bloque de calcáreo, piedra usada en la época de los faraones para construir las pirámides. Un obelisco de tres metros de alto, con paredes recubiertas espejo metálico, completa la obra de 28 metros de largo formando el signo del infinito sobre la arena de Giza. El artista franco-beninés King Houndekpinkou presenta por su parte una columna compuesta de fragmentos de cerámica recuperados en una fábrica manufacturera de El Cairo. “Es una oportunidad de conversar con 4 mil 500 años o más de historia”, dijo el ceramista acerca de su obra Totem blanco de luz. El artista sudcoreano Jongkyu Park utilizó las medidas de la pirámide de Keops para la creación de las estructuras geométricas de su instalación Código de lo eterno especialmente concebida para Egipto. Mil pequeños espejos cilíndricos en acrílico plantados en la arena componen un poema en Morse que imagina un diálogo entre Tangun, fundador legendario del primer reino coreano, y el faraón egipcio. El portugués Alexandre Farto, “recolectó puertas en El Cairo y otras partes en el mundo” para su instalación destinada a evocar “el proceso arqueológico”. Contenidos Relacionados: El público abarrota el Gran Museo de Egipto; exhiben dos féretros momificadosPresentan arte que teje nexos entre cuerpo y árbol en el Museo de Arte Moderno Museo Nacional de San Carlos: Trazos que invocan el beso de la muerte

Excélsior

Virginia BautistaUna cascada de fibras textiles blancas y de nylon, pies de barro de migrantes que caminan, piezas de lana teñida, yute o fibras de trigo que evocan a la figura humana, hojas, ramas, montículos de tierra, el ojo, la mano. La artista catalana-mexicana Marta Palau (1934-2022) “evoca la magia y la historia” a través de materiales sorprendentes. Esto se aprecia en la retrospectiva Marta Palau. Mis caminos son terrestres, que se inaugurará este sábado 15 de noviembre a mediodía en el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), estructurada a partir de tres ejes temáticos: la migración, la memoria y la tierra. Curada por Imma Prieto, directora del Museu Tàpies de Barcelona, ésta es la primera gran exposición a nivel internacional de la creadora después de su muerte. Después de tres años de investigación, la muestra revalora el mundo de Palau, quien nació en Albesa, provincia catalana de Lleida, y llegó a México a los seis años, cuando sus padres se exiliaron huyendo de la dictadura franquista; además de la capital mexicana, vivió en la ciudad fronteriza de Tijuana, Baja California. En entrevista, Imma Prieto explica las razones por las que sigue vigente la obra de esta artista pionera en revalorar el tapiz y el textil como técnicas creativas. “Palau se adelantó a su tiempo. Hay varios motivos de su vigencia: una cuestión sociopolítica y otra histórica. Pero, sobre todo, creo que es el propio binomio que estructura esta exposición: la unión de magia e historia”, afirma. “Cuando Marta habla de historia hace referencia al tiempo histórico. Es decir, un tiempo que no es lineal, motivo por el que esta muestra no es cronológica, aunque sea retrospectiva. El tiempo para Marta es cíclico”, agrega. La exposición, que reúne unas 58 obras, echa luz sobre la propuesta multidisciplinaria de Marta Palau: pintura, dibujo e instalaciones textiles. “Pude proponer una nueva tesis curatorial gracias al acceso que nos ha dado la familia a sus diarios personales, a sus archivos, cosa que nunca se ha hecho. Sí se conocía su obra, pero no esa parte más profunda de su pensamiento”, añade Prieto. “Mis caminos son terrestres no es un título que hayamos puesto nosotras, sino que ella lo utilizó en una exposición que realizó en 1985, en el Museo del Palacio de Bellas Artes. Curiosamente, ese año escribe su Diario de un fracaso y en él reconoce que seguramente la magia siempre ha estado presente en su trabajo, pero ella no era consciente. “Esa parte espiritual no es un más allá, sino un más aquí que obliga al individuo a saberse partícipe de un colectivo, que también alberga lo natural”, indica. “La idea de la tierra vinculada al exilio y a la acogida, entendida como herida y cicatriz; y la idea del cuerpo, que representa el dolor del migrante y la pérdida, pero también la sanación y la posibilidad de generar vida. Esto permea su propuesta”, destaca la especialista. “Sin duda que es vigente políticamente. Cuando hablamos de un cuerpo, es un cuerpo que sabe del peso de la memoria, que se sabe exiliado. Por vivir en Tijuana, el concepto frontera está muy presente en su trabajo. Hay piezas de la exposición que, para mí, son una respuesta directa al presidente estadunidense Donald Trump y a las políticas imperialistas que está albergando el mundo”. En la muestra se exhiben dos piezas clave en la trayectoria de la artista: Cascada (1978) e Ilerda V (1973), un tapiz tejido en telar que lleva el nombre romano de su ciudad natal. El Centro de Documentación Arkheia del Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) resguarda el Fondo Marta Palau, del cual se suman a la exposición algunos materiales documentales que se exhibirán por primera vez. Y, como eco a esta retrospectiva, el Museo Universitario del Chopo restaura, tras 20 años de resguardo, la obra Quetzalcoatlus, que produjo Palau en 2003. Prieto destaca que, tras la exhibición en Barcelona, el gobierno catalán adquirió dos piezas de la creadora para la colección nacional, las primeras en patrimonio que hay en Europa. Marta Palau. Mis caminos son terrestres, de la que se publicará un libro, se exhibirá en el MUAC hasta el 3 mayo de 2026. Contenidos Relacionados: MUAC remueve obras polémicas de Ana GallardoDevelan instalaciones al pie de pirámides egipcias; arte global en el desiertoAna Gallardo presenta en el MUAC recorrido por 20 años de explorar la violencia y la vejez

Excélsior

La artista veracruzana presenta en Xalapa la exposición integrada por 25 piezas elaboradas con arcilla y materiales piroclásticos recolectados en los volcanes del centro de Veracruz

Diario de Xalapa

El escultor nayarita Fernando Escalante Romo fue el creador de la escultura de cuerpo completo del poeta Amado Nervo, pieza develada durante la presentación de la cartelera de actividades del Festival Amado Nervo 2025, realizada en las instalaciones del Museo de los Cinco Pueblos. En entrevista con Meridiano de Nayarit, Escalante Romo compartió que, además […]

Meridiano MX

La plataforma 'La Bestia. Arte en resistencia' se presentará el sábado 15 de noviembre en la Galería José María Velasco.

Aristegui Noticias

Redacción Veracruz, Ver., martes 11 de noviembre de 2025.- Como parte de las actividades conmemorativas por el 33.° aniversario del Aquarium del Puerto de Veracruz, este martes se llevó a cabo la develación del mural Los Colores del Golfo de México, que celebra la riqueza natural y la diversidad marina del estado. La obra, realizada […] La entrada Inauguran mural Los Colores del Golfo de México, en el 33.° aniversario del Aquarium se publicó primero en Hora Cero.

Hora Cero

ComunidadCuernavaca, Mor.- La Universidad Autónoma del Estado de Morelos (UAEM), a través de la Secretaría de Extensión Universitaria y la Dirección de Cultura, inauguró el Cierre de Talleres correspondiente al semestre agosto–diciembre 2025, un evento que marca la culminación de las actividades culturales impartidas durante el periodo. La arquitecta Karina Castillo Sigüenza, directora de Cultura de la UAEM, informó que el programa contempla 50 talleres activos, cuyas presentaciones y exposiciones se llevarán a cabo todo el mes de noviembre, como parte del compromiso de la universidad por fomentar la formación artística e integral de su comunidad estudiantil. Exhibición de talento universitario Los trabajos exhibidos fueron elaborados por estudiantes de diversas facultades y escuelas de la UAEM, quienes participaron en los talleres impartidos por la Dirección de Cultura. Castillo Sigüenza destacó que este espacio busca reconocer el esfuerzo y la creatividad de los jóvenes, así como impulsar su desarrollo personal y profesional a través de la expresión artística. Entre las actividades inauguradas se encuentran los talleres de artes plásticas, música celta y locución, con una muestra de esculturas, pinturas, dibujos, joyería y otras piezas elaboradas con diferentes materiales. La exposición se lleva a cabo en la Biblioteca Galería Miguel Salinas, donde el público podrá disfrutar de las exhibiciones y presentaciones de música y danza de manera gratuita. Presencias destacadas Durante la ceremonia de apertura estuvieron presentes autoridades y profesores responsables de los talleres, entre ellos: Lic. Ise Salgado Rodríguez, coordinadora de la Biblioteca Galería Miguel Salinas. Mtra. Flor Molina Medina, profesora del Taller de Moldeado en Barro y representante de la Red Latinoamericana de Mujeres Afrodescendientes. Prof. Uriel Uriza, del Taller de Pintura Acrílica. Arq. Fernanda Araujo, del Taller de Joyería. Lic. Carlos Díaz, del Taller de Locución y Desenvolvimiento Escénico. Así como los docentes de Artes Plásticas: Fernanda de Shamps, Belem Sánchez, Gerardo Pérez y Nadia Altamirano. El Cierre de Talleres UAEM 2025 representa un escaparate del talento artístico universitario y una oportunidad para que los estudiantes compartan con la comunidad el resultado de su aprendizaje, creatividad y pasión por el arte.

Diario de Morelos

En medio del vértigo de la Fórmula 1, donde la precisión mecánica y la emoción humana confluyen en una danza de tecnología y adrenalina, surge una propuesta que trasciende los límites del automovilismo: El Arte del Gran Premio. Concebida por Colectivo ADN, esta plataforma cultural se ha posicionado como una de las iniciativas más ambiciosas y sofisticadas en la intersección entre el arte contemporáneo, la cultura mexicana y el fenómeno global del deporte motor.El proyecto busca reconfigurar la manera en que el público se relaciona con el arte, trasladándolo a escenarios donde la estética del movimiento, la innovación y la emoción convergen. Más que una exposición, El Arte del Gran Premio es un circuito cultural que acompaña el calendario de la Fórmula 1, integrando galerías, espacios públicos y recintos emblemáticos en una narrativa visual de alto impacto.Un inicio en el corazón de la ciudadEl 22 de octubre, el Hotel Sofitel Mexico City Reforma se convirtió en el epicentro de esta experiencia multidisciplinaria. En un ambiente que combinó elegancia, energía creativa y visión cosmopolita, se presentó la gala inaugural, a la que asistieron figuras destacadas de la sociedad mexicana, coleccionistas, empresarios y artistas de diversas disciplinas.El evento abrió con performances en vivo de Reivaj, Speh Salas, Arantxart, Mach One y José GOMSEG, artistas que exploraron la relación entre cuerpo, velocidad y creación plástica. Paralelamente, María Bernal, Ragazzi, Bogard y Jennifer Rojo ofrecieron presentaciones musicales que dotaron al encuentro de una atmósfera de sofisticación y vitalidad.La velada también fue escenario para la presentación de la colección F1 2025 de la fotógrafa Johanna Elías, una serie de imágenes que capturan la intensidad emocional y la estética mecánica del automovilismo desde una mirada artística. Su obra, elegante y precisa, logra convertir la velocidad en contemplación, y la pista en una metáfora del espíritu humano.Un circuito artístico en expansiónEl Arte del Gran Premio no se limita a una sola sede. Su programa se extiende por distintos puntos de la Ciudad de México, creando un recorrido cultural paralelo al calendario de la Fórmula 1. En Casa Prunes, se inauguró una muestra colectiva con obras de Japane, Fausto VI y Gabriela Ortiz de Ora, abierta al público hasta el 15 de diciembre de 2025. La exposición propone una reflexión visual sobre la identidad, el movimiento y la temporalidad, desde lenguajes plásticos diversos que dialogan con el espíritu del evento.Durante el fin de semana del Gran Premio de México, el arte se trasladó directamente a la pista: una exposición monumental en el Paddock y Paddock Club integró más de 100 piezas y esculturas de gran formato, transformando los espacios de hospitalidad y competencia en una galería viva. En un entorno usualmente reservado a la velocidad y la tecnología, el arte irrumpió como presencia poética, aportando una dimensión estética a la experiencia del automovilismo.De forma paralela, la Galería Oscar Román alberga la exposición individual del maestro Pedro Friedeberg, artista invitado especial de esta edición, cuya obra —un símbolo del surrealismo y la imaginación en México— permanecerá abierta hasta el 24 de noviembre. Friedeberg encarna la esencia del proyecto: la conjunción de rigor conceptual, lujo, ironía y arte como experiencia sensorial total.El ciclo cerró el 28 de octubre con un coctel de artistas y coleccionistas en la Galería Consigna IO (Kepler, Anzures), donde se exhibieron piezas seleccionadas del circuito y obras que estuvieron presentes en la pista. Esta muestra permanecerá hasta el 14 de noviembre, marcando el cierre simbólico de una temporada que unió lo mejor del arte, la innovación y el espíritu deportivo.Arte, lujo y futuroCon una red de más de 50 patrocinadores, entre los que destacan Maserati, Telcel, Coca-Cola, Sofitel, Capital.com, Rentable, Tequila Agabem, Vinos Casa Miguel Hernández, Gin Imagine , Fundación Francisco Gabilondo Soler Cri-Cri, Massive Agency y la marca de moda de alto lujo Tarsa 1989, la plataforma se consolida como un modelo de colaboración entre cultura, iniciativa privada y mecenazgo contemporáneo.Para Colectivo ADN, liderado por un equipo con amplia trayectoria en gestión cultural, muralismo y producción artística, este proyecto representa la evolución natural de más de una década de trabajo conectando arte, espacio público y responsabilidad social. Con antecedentes en exposiciones como Proyecto 17, Fuerza México, Batalla por los Murosy Art2Space, el colectivo ha demostrado que el arte puede ser, a la vez, un vehículo de transformación social y un producto cultural de clase mundial.El Arte del Gran Premio 2025 confirma que la cultura no está al margen de los grandes eventos globales, sino que puede integrarse con ellos, dialogar con su energía y ofrecer una mirada crítica y estética a la velocidad contemporánea. En tiempos donde la experiencia y la emoción son la nueva forma de lujo, el arte se vuelve el combustible más poderoso.

Milenio

El arte chiapaneco vuelve a tener un espacio de encuentro y reconocimiento. Después de varios años de pausa, regresa el Salón de la Plástica Chiapaneca, un esfuerzo que busca visibilizar, […]

Alerta Chiapas

Con la exposición Ritual de llamamiento La entrada Impulsan arte local con exposición en la Casona del Pardo en Zamora aparece primero en Quadratín Michoacán.

Quadratín

Una obra única y singular en la trayectoria de Diego Rivera, el grabado Vasos comunicantes, que pintó en 1938 para ilustrar el firmado junto a André Bretón y León Trotsky, es el epicentro de la exposición con la que la Galería de Arte Mexicano (GAM) conmemoración sus 90 años de existencia.Enrique Giner de los Ríos, curador de esta muestra que retoma la obra de Rivera, destaca cómo esta pieza icónica se convirtió en la ventana para explorar complejidades históricas, políticas y artísticas que han marcado no solo una época sino el espíritu mismo de la galería y sus artistas asociados.Giner comparte que la fascinación por este grabado, xilografía sobre papel de 88.5 centímetros por 64 centímetros, radica en su fuerza plástica, en el mosaico de historias y en sus capas conceptuales, y que establecerá un diálogo con las creaciones de artistas contemporáneos invitados así como con las piezas del archivo de la galería.“El grabado de Rivera genera una gran inquietud y deseos profundos de explorarla por todo lo que genera entre los artistas que la vieron y se inspiraron en ella para hacer una obra para esta exposición”, comenta.El proyecto que da vida a la exhibición Vasos comunicantes reúne archivos históricos de Diego Rivera, José Clemente Orozco y figuras del neomexicanismo para combinar el legado de la galería con la mirada fresca de artistas contemporáneos tanto de la casa como externos, un total de 49 creadores que dialogan entre sí a partir de ese concepto.Interpretaciones diversas“Este encuentro artístico desafía y revisita el surrealismo, la influencia de Bretón y las tensiones políticas y culturales de aquel momento, incluidas críticas como la homofobia de Bretón y su inflexibilidad estética, elementos que algunos artistas plasman. “En la exposición se pueden encontrar desde reinterpretaciones viscerales y plásticas del grabado hasta obras que reflejan su fuerza emocional y conceptual para crear una experiencia multisensorial que sorprende por su diversidad y profundidad”, explica el curador.Giner destaca la riqueza de trabajar con un archivo tan vasto, con piezas históricas inéditas y la alegría de mezclar generaciones dentro de un espacio donde convergen grandes figuras mexicanas como Pedro Reyes y Miguel Calderón junto a jóvenes talentos e invitados internacionales: “Es un ejercicio de voces múltiples que convergen para renovar la historia con nuevas miradas”.Para él, esta exposición es más que un homenaje, es una exploración que enlaza pasado, presente y futuro, que construye vasos comunicantes que permiten entender de manera vivaz y plural el arte y la sociedad que nos rodea.El curador resalta que la exposición no solo revisa archivos históricos, también invita a artistas actuales a dialogar con esa historia. La muestra reúne a 49 creadores, entre ellos figuras como Pedro Reyes y Miguel Calderón, con el propósito de explorar el concepto vasos comunicantes desde distintas perspectivas, políticas, plásticas, surrealistas y emocionales.Uno de los aspectos que subraya es la diversidad de interpretaciones que emergen en la exposición, desde las más visceralmente plásticas hasta las más intelectuales y emocionales.“Algunos artistas se relacionan con la fuerza visual del grabado, mientras otros se adentran en las entrañas del significado, en esa relación visceral que propone Rivera”.Piezas impactantesLa muestra aborda, además, una tensión inherente en el trabajo de Rivera y Bretón, una fascinación compartida por el surrealismo y, al mismo tiempo, una crítica latente hacia ciertas tendencias, como la homofobia de este último, que provoca opiniones encontradas entre los artistas.“Es un privilegio consultar el archivo de la GAM, una riqueza que nos permite entender la evolución del arte en México y la influencia de estos movimientos en las nuevas generaciones. La exposición se estructura en tres partes: una que concentra la relación con el archivo y la historia de la galería, otra que refleja las interpretaciones de los artistas internos, y una última que presenta a creadores externos que aportan una mirada fresca y diversa.“Es un ejercicio que nos invita a entender que el arte permanece vivo cuando dialoga con su contexto, y eso es justamente lo que buscamos con esta exposición”.Entre las obras más llamativas, el curador menciona las que enfatizan los ojos y las miradas, en donde Rivera y otros artistas utilizan la figura del retrato para profundizar en la percepción y la identidad.“Hay piezas como un retrato de Rivera con un suéter gigante y botones que resulta impactante, o un grabado que refleja la fuerza del surrealismo y que sigue siendo muy vigente hoy en día. Además, la exposición incluye obras que abordan temas como la sexualidad y lo visceral, reflejando la amplitud de interpretaciones para un mismo símbolo”.Para Giner, uno de los aspectos más enriquecedores de este proyecto ha sido la oportunidad de colaborar con artistas de diferentes edades y orígenes, y de trabajar con un archivo que, a pesar de su riqueza, todavía guarda muchas sorpresas.“Encontrar piezas raras o desconocidas, esas que a veces parecen lados B de pintores, nos permite salir de la narrativa oficial y explorar lados desconocidos de la historia artística mexicana”.Dice que la muestra representa un acto de relectura y confrontación, en el que el grabado de Rivera se convierte en un espejo que refleja no solo la historia del arte mexicano sino las inquietudes y tensiones actuales.La exposición colectiva Vasos Comunicantes se inaugurará el jueves 13 de noviembre y permanecerá hasta el 16 de enero en la GAM, Gobernador Rafael Rebollar 43, San Miguel Chapultepec.​​hc

Milenio

Una versión monumental del "Tercer paraíso",fue revelada al público al pie de las pirámides de Guiza, cerca de El Cairo, Egipto.

24 Horas

Subraya que es una galería abierta a los distintos tipos de artes visuales, desde pintura, escultura, grabado, dibujo y gráfica.

El Porvenir

Revive la nostalgia ochentera en la exposición gratuita de Transformers en CDMX con figuras, coleccionables y proyecciones especiales. The post Transformers llega a CDMX con una exposición gratuita para fans de todas las edades appeared first on Chilango.

Chilango

El artista mexicano Ermilo Espinosa presenta su nueva exposición hiperrealista ‘Símbolos del Infinito’, que invita a una experiencia activa en la que el artista no solo expone, sino que “dialoga y vive el arte” junto con los asistentes.

UDG TV

Espacio Tolsá presenta la exposición “Fantasmas Memorables” que reflexiona sobre la muerte desde la perspectiva de 40 artistas.

UDG TV

Virginia Bautista / virginia.bautista@gimm.com.mxLa migración, la memoria y la tierra son los ejes temáticos centrales que estructuran la retrospectiva “Marta Palau. Mis caminos son terrestres”, que se inaugurará este sábado 15 de noviembre en el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC). Curada por Imma Prieto, directora del Museu Tàpies, de Barcelona, ésta es la primera gran exposición a nivel internacional de la artista visual catalana-mexicana después de su muerte, en 2022. Tras tres años de investigación, la muestra revalora el mundo multidisciplinario de Palau, nacida en Albesa, Lleida, 1934, pero que se exilió en México y decidió vivir en Tijuana: se incluye dibujo, pintura y algunas de sus grandes instalaciones textiles. En entrevista, Prieto explica las razones por las que sigue vigente la obra de la pionera en revalorar en América Latina el textil como creación artística. “Marta Palau es una artista que se adelantó a su tiempo. Y considero que hay varios motivos. Hay una cuestión sociopolítica, hay una cuestión histórica. Pero, sobre todo, creo que es el propio binomio que estructura esta exposición, es la unión de magia e historia”, afirma. “Cuando Marta habla de historia hace referencia al tiempo histórico. Es decir, un tiempo que no es lineal, motivo por el que esta exposición no es cronológica, aunque sea retrospectiva. El tiempo para Marta es cíclico”, agrega. Prieto dice que “hablo de una nueva tesis curatorial gracias al acceso que nos ha dado la familia a sus diarios personales, a sus archivos, cosa que nunca se ha hecho. Sí se conocía la obra, pero no esa parte más profunda de su pensamiento”. En la muestra se exhiben dos piezas clave en la trayectoria de la artista: “Cascada” (1978) e “Ilerda V” (1973), un tapiz tejido en telar que lleva el nombre romano de la ciudad de Lleida, a la que Palau vinculaba su interés por este soporte. El Centro de Documentación Arkheia del MUAC resguarda el Fondo Marta Palau, del cual se suman a la exposición algunos materiales documentales que se exhibirán por primera vez. Y, como eco a esta retrospectiva, el Museo Universitario del Chopo restaura, tras 20 años de resguardo, la obra “Quetzalcoatlus”, que produjo Palau en 2003.“Marta Palau. Mis caminos son terrestres” se exhibirá en el MUAC hasta el 3 mayo de 2026.       Contenidos Relacionados: Frida Kahlo, el musical: La vida de la pintora llega a los escenarios Gabriela Aguirre evoca desde el color las huellas interiores; la pintora exhibe 66 obrasMuseo Frida Kahlo desmiente a Madonna tras presumir fotos con pertenencias de la pintora

Excélsior

El festival de arte contemporáneo 'Forever is now' reúne a diez artistas que despliegan su obra en diálogo con las pirámides de Giza.

Reforma

Forbes México. Colección de arte de un multimillonario de la industria cosmética, valorada en 500 mdd, sale a subasta e incluye obras de Van Gogh, Klimt y Mattise Más de 50 obras de arte de la colección del fallecido magnate de la cosmética, Leonard Lauder, serán subastadas la próxima semana por Sotheby's. Colección de arte de un multimillonario de la industria cosmética, valorada en 500 mdd, sale a subasta e incluye obras de Van Gogh, Klimt y Mattise Mary Whitfill Roeloffs

Forbes México

Vince Gilligan, el visionario detrás de dos de las series más influyentes de la televisión moderna, ha regresado con un proyecto que rompe con su pasado criminal, pero mantiene su ambición narrativa.Gilligan, cuyo nombre se convirtió en sinónimo de la Era Dorada de la Televisión gracias a la intensa y aclamada historia de Walter White en Breaking Bad y el profundo desarrollo del antihéroe Saul Goodman en el spin-off Better Call Saul, ahora incursiona en el thriller de ciencia ficción con 'PLURIBUS' en Apple TV+.​Gilligan se reinventa con la ciencia ficción: ¿De qué trataPLURIBUS?Vince Gilligan, reconocido por sus antihéroes Walter White y Saul Goodman, incursiona ahora en el thriller de ciencia ficción con PLURIBUS en Apple TV+.Tras más de una década explorando mundos criminales, el creador se enfoca en historias que exploran el costo emocional de eliminar el conflicto humano.“La persona más miserable de la Tierra debe salvar al mundo de la felicidad.”La serie se filmó en locaciones globales, incluyendo España y las Islas Canarias, con un presupuesto de hasta $15 millones por episodio, lo que marca un nivel de producción superior a cualquier proyecto previo de Gilligan.Protagonista y colaboración creativa: ¿Tendrá cuatro temporadas?Rhea Seehorn, reconocida por su papel en Better Call Saul, lidera la serie como protagonista.Gilligan ha señalado que la duración final de la serie dependerá también de la disposición de Seehorn, aunque su intención es mantener un arco de cuatro temporadas para asegurar una narrativa concisa y bien planificada.“Me encantaría ver PLURIBUS ir tan largo como Rhea quiera… Quizás 4 temporadas, quién diablos sabe”, comentó Gilligan.El estreno de la serie en Apple TV+ alcanzó un 100% en Rotten Tomatoes, consolidándose como uno de los debuts más aclamados de la plataforma. La crítica la describe como “una obra maestra de la ciencia ficción moderna que combina filosofía y comedia oscura”.Gracias al impacto positivo, Apple TV+ confirmó la renovación para una segunda temporada antes de concluir la emisión de la primera, mostrando plena confianza en la visión del creador.La firma de Gilligan en cada proyectoAunque PLURIBUS se aleja del drama criminal, mantiene el sello de Gilligan: personajes complejos, narrativa intensa y atención al detalle emocional. Esta nueva serie refleja su evolución como narrador y su capacidad para explorar nuevos géneros sin perder su estilo característico.A pesar de su historial con series que superaron las cinco temporadas, Gilligan se ha mantenido firme en la intención de darle a PLURIBUS una duración limitada, priorizando la calidad narrativa sobre la extensión.

Milenio

La participación de Mar Contreras en la gira de “Mentiras: El Musical” se ha convertido en el más reciente foco de controversia en el teatro mexicano.La actriz, quien recientemente ganó popularidad tras su paso por un reality show, debutó como Daniela, pero su actuación ha generado una ola de críticas en redes sociales, que la han llevado a un gesto inaudito: ofrecer un reembolso a un fanático decepcionado.El desempeño de Mar Contreras cuestionadoTras las funciones especiales en Monterrey, diversas grabaciones y comentarios circularon en plataformas como TikTok, donde la audiencia no dudó en señalar fallas en el desempeño vocal de Contreras.La principal queja esgrimida por los espectadores se centró en la falta de afinación y la percepción de que su voz no cumplía con la potencia y el nivel técnico requeridos para el exigente repertorio de la obra.Las críticas se volvieron más severas al contrastar su interpretación con la de Belinda, quien en su aclamada aparición en el spin-off "Mentiras All Stars" fue ovacionada por su carisma y calidad vocal en el mismo papel. Para muchos, la vara de comparación fue demasiado alta.La polémica escaló cuando una usuaria de TikTok, visiblemente insatisfecho, se quejó directamente contra Mar Contreras por haber gastado en su boleto para ver el show. La respuesta de la actriz fue directa y sorpresiva:"Fuiste a la obraaaa? En serio pagaste para ir a verme??? Pase la foto del boleto y videito de donde estuviste sentada y con gusto te devuelvo lo que pagaste".Este ofrecimiento de reembolsar el dinero del boleto se ha interpretado de diversas maneras: algunos lo ven como un acto defensivo y un desafío a los haters, mientras que otros lo consideran una confirmación implícita de que su actuación pudo no haber estado a la altura de las expectativas del público."Se adelantó machin"."Mar lo hizo ver súper barato"."El castigo karmico por haber ninguneado a Belinda fue que le dieran el mismo papel y que quedara muy por abajo de ella, Mar se equivocó de obra en actuación parece Glinda no Daniela, el tempo se lo pasó por el arco del triunfo y las notas no las alcanzó, pusieron a Elaine a hacerle armonías en las notas altas para poder darle cuerpo al sonido"."No es que la cante mal, siento que simplemente no se ve dulce, me da vibras de villana como la de Rapunzel entonces pues no le queda el personaje y no convence"."Ahora entiendo el porqué de las caras de María leon en otro video"."Las que dicen que Mar rompió se ve que no han visto la obra con verdaderas cantantes. Está muy por debajo de la calidad, ve como desafina al final"."Mar mala actriz, sobreactuada, y canta re feoooo nada q ver no es para teatro Mar ! Que decepción"."Se adelantó horrible mar"."Porque le dieron ese papel a Mar? Si ella es mayor para ese personaje"."Razón por la cual Mar nunca ha protagonizado una telenovela".¿Fue precipitada su entrada al musical?La actriz ha admitido en entrevistas previas que su incorporación al elenco fue acelerada, contando con un tiempo limitado para montar el complejo papel, un detalle que el equipo de producción ha justificado como parte del reto de la gira.Sin embargo, esta limitación de tiempo no ha sido suficiente para mitigar la insatisfacción de los asistentes, quienes esperan un estándar de calidad constante en la producción teatral.Se espera que Mar Contreras continúe en el elenco en próximas fechas, y queda por ver si las críticas influirán en su preparación o en la recepción del público en las siguientes plazas de la gira.Mira aquí las críticas en contra de Mar Contreras @karlalanegra De color de rosa ???? #mentiras #musical #elaine #marcontreras @Elaine Haro @MARCONTRERASOF ♬ sonido original - la negra KVS​

Milenio

Montan exposición en honor de fotógrafa con discapacidad que falleció en junio

El Diario MX

La artista María Sosa (Morelia, 1985) ha llevado el telar de cintura al Museo de Arte Moderno (MAM) en forma de intervención escultórica. Las ancestras que tejen, hablan y caminan, nueva pieza temporal del jardín escultórico, es una instalación de seis urdimbres de hilo rojo e igual número de mecapales de ixtle, cuyo soporte son los árboles de la llamada “sexta sala” del recinto. En su realización colaboró la maestra tejedora María Hernández (Ciudad de México, 1988).

La Jornada

Con más de cuatro décadas de trayectoria, Fernando Garrido presenta una serie de piezas donde sabios, caminantes e inventores encarnan la búsqueda interior

El Informador

La exposición The Blue Noise Spectrum (Una centella en el cielo del norte) de Néstor Jiménez llegará a Rusia de la mano de la Erarta Foundation, presentada en el Erarta Museum of Contemporary Art.La exhibición, que se desarrollará del 24 de abril al 23 de agosto de 2026 en la quinta planta del ala de exposiciones del museo, ofrece una oportunidad única para que el público internacional conozca el trabajo del artista mexicano, cuya obra combina memoria histórica, mitología y reflexión sobre los efectos de la tecnología en la vida cotidiana.El artista desarrolló durante su estancia en la temporada 10 de Rondo Residency un cuerpo de trabajo titulado Una centella en el cielo del norte, inspirado en el accidente radiológico por cobalto-60 ocurrido en Ciudad Juárez en 1983. Esta serie, que combina muralismo monumental, referencias arquitectónicas y elementos mitológicos, reinterpreta uno de los episodios más inquietantes de la historia reciente de México para transformarlo en un relato visual sobre memoria, modernidad fallida y responsabilidad colectiva. “Cuando conocí la historia del accidente de cobalto-60 en Ciudad Juárez, me impactó cómo un descuido administrativo podía afectar a miles de personas. En este proyecto quise transformar esa tragedia en un relato visual que hablara de memoria, responsabilidad y de cómo la tecnología, sin control, puede entrar en los espacios más cotidianos de nuestras vidas”, comparte Néstor.El gran mural Resplandeciente Sol de Canícula, pieza central de la serie Una centella en el cielo del norte mide 600 x 366 x 4.5 cm. Está realizado en concreto, piroxilina, óleo, esmalte, pigmentos de cobalto y cadmio sobre triplay. En él, Jiménez plantea una variación arquitectónica de la vivienda popular mexicana, integrando referencias a los desarrollos de interés social y subrayando cómo la radiactividad penetró en los espacios domésticos a través de materiales de construcción contaminados, en alusión al accidente con cobalto-60 ocurrido en México en la década de los 80.“Dios otorga siempre las herramientas a las manos equivocadas”, lema que Jiménez usa en los bocetos de la serie, sintetiza la tensión entre lo tecnológico, lo institucional y lo humano en esta tragedia. Los koboltJunto a su mural, Jiménez desarrolló una serie de piezas que incorporan a los duendes kobolt, personajes de la mitología germana asociados a la extracción de cobalto, que según la tradición maldecían a los mineros de plata. En su reinterpretación, los kobolt funcionan como alegoría del envenenamiento por cobalto y como metáfora de Víctor Sotelo, el intendente responsable del accidente de cobalto-60. Representados en dinámicas secuencias de baile con una estética inspirada en el juguete popular mexicano “Rompecabezas”, estos personajes se convierten en una crítica al desplazamiento industrial y cultural, así como a las nuevas nociones de seguridad material surgidas tras el Tratado de Libre Comercio. “Los Kobolt en mi serie funcionan como metáfora del envenenamiento invisible: son pequeños, traviesos, pero letales. Me interesaba conectar mito y realidad, mostrando cómo lo industrial y lo humano se cruzan, y cómo nuestra memoria colectiva puede aprender de los errores del pasado”.El color azul se convierte en un eje conceptual dentro de toda la serie. Más allá de lo cromático y su presencia simbólica en la historia de la pintura, remite al isótopo de cobalto y su simbología química, evocando lo industrial, lo frío, lo tóxico y lo misterioso. En este sentido, el azul articula mito, accidente y memoria colectiva, transformándose en un signo que trasciende lo decorativo y se integra al mensaje crítico de la obra.Néstor Jiménez trabaja actualmente en una comisión de mural para un nuevo hospital del IMSS en Ciudad Juárez, ampliando su interés por los temas de memoria y responsabilidad social en contextos de infraestructura pública.La tragediaDe acuerdo con la narración de Néstor, la inspiración de esta serie va referida al “Chernóbil mexicano” que comenzó con una alarma inesperada en el Laboratorio Nacional de Los Álamos, en Nuevo México. Lo que parecía un incidente aislado reveló que toneladas de varilla de construcción en México habían sido contaminadas con cobalto-60, un material radiactivo con vida activa de hasta 35 años. El origen estaba en Ciudad Juárez, donde un equipo médico abandonado en un hospital sin permisos ni personal capacitado terminó en manos de Vicente Sotelo Alardín, un trabajador que lo llevó a un yonke de chatarra sin sospechar el riesgo mortal que transportaba.La perforación y traslado de aquel cilindro liberó miles de diminutos gránulos radiactivos que se esparcieron por calles, vehículos, fundiciones y materiales de construcción vendidos en 17 estados del país. El impacto fue enorme: más de 6,600 toneladas de acero contaminado, 814 edificios demolidos y alrededor de 4,000 personas con algún grado de exposición. Sin embargo, nunca se realizó un seguimiento sanitario suficiente para conocer las secuelas reales en la salud de los afectados. El gobierno mexicano enterró la chatarra radiactiva, junto con la camioneta usada por Sotelo, en un improvisado depósito en el desierto conocido como La Pedrera. Con el paso del tiempo, aquel cementerio nuclear quedó en el abandono, a pesar de que en su momento representaba un foco serio de contaminación. Aunque la degradación natural del cobalto-60 ha reducido el riesgo actual, la lección de Ciudad Juárez sigue vigente: un error administrativo, la falta de capacitación y la ausencia de protocolos pueden transformar un desecho médico en una amenaza nacional. El caso recuerda que toda fuente radiactiva debe estar bajo control estricto, certificada y con un responsable claro. De lo contrario, como ocurrió en 1984, un descuido puede marcar la vida de miles de personas sin que ellas siquiera lo sepan.Y ademásSu trayectoriaNéstor es un artista visual egresado de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda. Su obra explora la relación entre la construcción de la memoria histórica y política. Realiza pinturas sobre materiales reciclados provenientes de viviendas populares y desechos urbanos. Su práctica artística abarca principalmente pintura, dibujo, video e instalación.

Milenio

Madrid. El espíritu de la exposición tiene analogías musicales: “Pablo Picasso es una gran sinfonía y Paul Klee es música de cámara”. Bajo ese manto metafórico, el museo Thyssen-Bornemisza de Madrid inauguró la muestra Picasso y Klee en la colección de Heinz Berggruen, una de las colecciones privadas más completas y exquisitas de ambos pintores, que a la postre se convirtieron en sus “dos artistas favoritos”, según relató uno de sus hijos, Olivier Berggruen, durante la presentación en la capital española.

La Jornada

Juan Carlos TalaveraEl Taller Coreográfico de la UNAM (TCUNAM) celebró ayer 55 años de existencia con la apertura de la exposición fotográfica Paulina Lavista. Homenaje al Taller Coreográfico de la UNAM, en el vestíbulo de la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario, con 30 imágenes inéditas de la fotógrafa mexicana Paulina Lavista, quien recientemente cumplió 80 años de vida.  En la muestra se detalla que, en la década de 1970, Lavista tuvo la oportunidad de asistir a las funciones del TCUNAM, cuando Gloria Contreras (1934-2015), fundadora y directora de la compañía, aún bailaba. Dichas instantáneas dan fe del trabajo en escenario y camerinos, así como de las reuniones con el equipo técnico y artístico en el Teatro de Ciudad Universitaria, que después cambió su nombre a Teatro Arq. Carlos Lazo y que hoy es conocido como Teatro Estefanía Chávez Barragán, de la Facultad de Arquitectura, lugar que ha sido la casa del TCUNAM por más de medio siglo, detalló la UNAM en un comunicado. La muestra busca reconocer el trabajo de Paulina Lavista, una de las figuras nacionales que, con su lente, registró el pulso cultural y artístico de México desde hace más de 50 años. Y también se recuerda el legado de Gloria Contreras, dentro de su décimo aniversario luctuoso. Además, se informó que los materiales que componen la exhibición serán donados por su autora a la UNAM. La exposición permanecerá abierta del 9 al 16 de noviembre en el vestíbulo de la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario.   TRANSFORMAN EL RECHAZO EN CREACIÓN Y RESISTENCIA Obras de al menos 150 artistas modernos y contemporáneos, como Tina Modotti, Lola Álvarez Bravo, Tamiji Kitagawa, Alfredo Jaar, Shilpa Gupta y Marlene Dumas se exhiben en el Museo de la Ciudad de México en la exposición Columna Rota, que explora cómo transformar el rechazo en creación, resistencia y comunidad. La muestra —que incluye óleos, esculturas, material multimedia e intervenciones efímeras— contó con la curaduría de Francisco Berzunza y está inspirada en el Boceto preparatorio para La columna rota (1944), de Frida Kahlo. Es importante que la gente sepa que existen otras maneras de pensar y de ver el mundo y Columna Rota propone justamente eso: abrir un espacio donde el arte nos ayude a mirar de nuevo lo que creíamos roto”, detalló Francisco Berzunza, curador de la exposición. La muestra, que incluye instalaciones monumentales, piezas históricas y performances en vivo,  invita a recorrer un espacio donde el arte se transforma en un acto de sanación y encuentro. Foto: Cortesía SC de la CDMX El recorrido inicia con la pieza A Logo for America de Alfredo Jaar, que busca repensar los símbolos del poder y la identidad, y destacan piezas como Dos burros, del artista japonés Tamiji Kitagawa, y Distance Between Two Tears, de Shilpa Gupta, una instalación minimalista y conceptual que reflexiona sobre la pérdida, el duelo colectivo y las fronteras. Berzunza también detalló que, en el patio del recinto, el colectivo teatral Lagartijas Tiradas al Sol presentará distintos performances que sumergirán al visitante en un diálogo vivo entre cuerpo y memoria. Además, el proyecto estará acompañado de una publicación concebida como guion colectivo, que reúne textos de autores como Chloe Aridjis, Rubén Gallo, María Minera y Mauricio Tenorio, entre otros, “quienes reflexionan sobre el rechazo, la creación y la amistad como motores del arte contemporáneo”, expuso el curador.   cva   Contenidos Relacionados: Exposición ‘México en Blanco y Negro: Fotografía, Arte y Tradición’ llega a MadridExposición fotográfica de Juan Gabriel llega a la CDMX ¡Gratis!Preparan apertura de exposiciones del INAH en España

Excélsior

Imma Prieto descubrió, casi por casualidad, que una de las grandes artistas españolas era desconocida en su país, ya que había desarrollado la totalidad de su obra en México al salir de España durante el franquismo.En entrevista con MILENIO, la curadora y directora del museo Tàpies en Barcelona, habla de Marta Palau. Mis caminos son terrestres, una retrospectiva de la artista que se realizó en coproducción con el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) de la UNAM.La historia detrás de la exposición es interesante y germinó hace tres años. “He estado en México varias veces, y tengo un libro que se llama La era de la discrepancia. Lo revisaba durante la pandemia y me llamó la atención el apellido de Palau, por ser catalán, y comencé a buscar; fue como jalar el hilo y descubrir toda la historia”, relata.Así, Imma Prieto comenzó a investigar sobre Marta Palau. (Albesa, Lleida, 1934), buscó en el directorio y encontró a la hija de la artista, una ginecóloga.“Ella estaba súper sorprendida de que la llamara para saber y conocer la obra de su madre. Por la pandemia tardé en cruzar el Atlántico, y cuando fui, el curador Cuauhtémoc Medina me dijo que Amanda de la Garza, directora del MUAC en aquel momento, quería hacer algo, porque Marta Palau acababa de fallecer".La artista catalana, pero con nacionalidad mexicana, murió en 2022 en México. En nuestro país tuvo tres exhibiciones individuales en el Palacio de Bellas Artes en 1974, 1985 (con el título Mis caminos son terrestres, que ahora se retoma) y en 2012.“Entonces me fui a Tijuana, donde la artista vivió, a buscar más información. Hablé con la hija y fue donde conocí mucho de su historia; les encantó la idea de la retrospectiva y nos prestaron piezas exclusivas para la exposición”.Imma Prieto y Amanda de la Garza, entonces directora del MUAC, comenzaron a desarrollar la exposición. Aunque ambas cambiaron de trabajo (De la Garza trabaja en el Museo Reina Sofía), el proyecto continuó y ahora, por fin, ve la luz.Marta Palau fue una artista española que se exilió a raíz de la dictadura franquista junto con su familia. Gracias a la apertura de fronteras del presidente Lázaro Cárdenas, llegó a México, vivió un tiempo en la Ciudad de México, se casó y se fue a radicar a Tijuana. En España la artista no era conocida y es ahora cuando se le está revalorando gracias a esta exposición que se presentó previamente con éxito en el Museo Tàpies de Barcelona.“Hace años hubo una exposición previa en Zaragoza, pero no pasó mucho, no está representada en nuestras colecciones. En México sí la conocen, aunque en su país tardaron en reconocerla. En Latinoamérica, los primeros lugares que lo hicieron fueron Brasil y Cuba”, comenta Prieto.Magia y exilioPara la curadora, la retrospectiva de la artista “es quizá la exposición más amplia que se ha hecho hasta la fecha sobre ella, porque no solo presentamos obra, sino también material documental, objetos personales y material de archivo, gracias a que la familia nos dio acceso a todo ello. Y no es cronológica precisamente por la tesis de la exposición”.Las creaciones multidisciplinarias de Marta Palau transitan entre lenguajes diversos mediante los cuales fusiona técnicas artísticas y ancestrales, y plantean cuestiones ligadas al territorio, el exilio o la migración que acentúan su importancia por ser, por un lado, autobiográficas, y por otro, conflictos presentes en nuestros días.Prieto agrega: “La obra de Marta Palau es totalmente vigente. De hecho, veremos también cómo hay piezas que parecen ser una respuesta directa a las políticas de Donald Trump, sobre todo en el tema de las fronteras o el famoso muro, por ejemplo”.A Marta Palau se le identificó como feminista por trabajar con vaginas gigantes o una cascada de espermatozoides “porque no es lo habitual, pero simbolizan o apelan a la vida”, dice la curadora durante un recorrido con MILENIO en Barcelona.El Museo Tàpies exploró la obra de la artista con una perspectiva distinta al relato cronológico-biográfico, al establecer temas y campos de interés como exilio, textil, cuerpo, magia, América Latina, naualli y migración.“Marta Palau trabajó en una multitud de medios, desde la gráfica y la pintura hasta la cerámica y la instalación, pero su obra se reconoce principalmente como pionera del arte de la escultura textil en Latinoamérica, donde destaca su interés por la materialidad de fibras naturales y los campos de la magia indígena y europea, así como su orientación anticolonial”, difundió el MUAC.Tijuana fue muy importante para la artista con conceptos como migración y exilio “por cómo se suceden y por cómo nos afectan a todas y todos como ciudadanos, porque todos somos responsables de las situaciones que vivimos hoy día. Como digo, esta idea de cuerpo y tierra, entendidos desde sus contrarios, es una idea de cuerpo que conoce el peso de la memoria, que es consciente, también conoce el exilio, pero también un cuerpo que da la vida”, dice la directora del Museo Tàpies.La exposición que se presentará en el MUAC incluye dibujo, pintura y algunas de sus grandes instalaciones textiles en diálogo con objetos y materiales de su archivo personal que nunca se habían expuesto; incluidas dos obras clave Cascada (1978) e Ilerda V (1973).Marta Palau. Mis caminos son terrestres ocupará dos salas del MUAC, donde se añadirán otras piezas que no estuvieron en la exposición de Barcelona.La inauguración será el 15 de noviembre a las 12:00 horas. Habrá una charla de apertura con Imma Prieto, Amanda de la Garza y Tatiana Cuevas en el Auditorio del MUAC.

Milenio

"Zoé: Vivencias Espaciales" reúne más de 20 fotografías de la banda mexicana tomadas en las últimas 2 décadas por Toni François. The post Una expo imperdible para los seguidores de Zoé y cuesta sólo una entrada al metro first appeared on SinEmbargo MX.Leer el texto completo en sinembargo.mx

SinEmbargo

El artista tapatío presenta su obra en la exposición “Universos Compartidos”, consolidando una etapa de madurez creativa y proyección internacional

El Informador

En las obras que se expnen en el museo del artista oaxaqueño, hay arte figurativo y abstracto, representaciones oníricas y de denuncia social

El Sol de México

Virginia Bautista La intervención escultórica Las ancestras que tejen, hablan y caminan, de María Sosa, un proyecto que rinde homenaje a las mujeres que preservan la técnica milenaria del telar de cintura, se inauguró ayer en el Museo de Arte Moderno. La intervención consiste en una instalación de urdimbres de hilos rojos, elaborada en colaboración con la tejedora María Hernández, maestra de Sosa. La inauguración de la pieza tuvo como preámbulo el conversatorio Voces ancestrales del territorio: prácticas artísticas y curatoriales, en el que la artista contó las motivaciones en torno a la instalación. Sosa explicó que usar la técnica del telar fue una forma de hilar sus años de práctica artística, “en la que se van tejiendo acompañamientos, personas, experiencias, conocimientos y pláticas (…). Hay muchas posibilidades en un telar de cintura; pues, aunque sí importa el objeto, importa más el caminar de ese objeto y las relaciones que genera con las personas”.  Para la artista, la pieza es un homenaje a las tejedoras y tejedores que resisten y preservan la técnica del telar de cintura, que “tiene un conocimiento artístico, cosmogónico e inexplorado que tiene mucho que ofrecernos”. Sobre el proceso creativo, Sosa detalló que requirió un arduo trabajo, pues fue “bastante largo y complicado, que requiere del cuerpo, de la atención y de la presencia”. Contó cómo la técnica del telar emula poéticamente la creación cósmica, en la que la trama de hilos forma de manera transversal la figura del ollin, símbolo náhuatl del movimiento entre complementarios para la creación de la vida. La obra plantea que “el telar de cintura implica la conexión del cuerpo de quien teje –desde el centro anímico de su ombligo– con el árbol al que se amarra, lo cual genera una relación más profunda entre el ser humano y la naturaleza”. Dice que desea “acompañar a esta lucha por la vida, por el conocimiento, por las personas que están resistiendo en esta entidad que es el telar de cintura”. Sosa invitó a los visitantes a reflexionar sobre la riqueza que envuelve a los saberes ancestrales.    cva   Contenidos Relacionados: Wifredo Lam debuta en el Museo de Arte Moderno con obras inéditas Centro de Documentación del Museo de Arte Popular, un cúmulo de raíces y tradicionesExplorando lo invisible: El Museo de Arte Moderno presenta una nueva exposición

Excélsior

Virginia Bautista El campo es un elemento clave al que hay que prestar atención, en lugar de simplemente ignorarlo, como hemos hecho”, afirma tajante el arquitecto neerlandés Rem Koolhaas (1944), quien desde hace 10 años trabaja en un proyecto que cuestiona la urbanización y replantea el significado del campo. Dirigida por Koolhaas y Samir Bantal, esta iniciativa establece un laboratorio para reimaginar la vida rural, en el que participan un centenar de arquitectos de distintos países, que es apoyado actualmente por Qatar Museums, el Fondo de Qatar para el Desarrollo y otras instituciones con sede en este país árabe. Proponemos un enfoque real de las ciudades. Hace unos 15 años empezamos a observar que las urbes están creciendo. Es evidente que hay un enorme movimiento demográfico del campo a la ciudad. Pero las ciudades simplemente están creciendo y volviéndose más densas”, explica el teórico de la arquitectura. Por lo tanto, creemos que el campo es quizás una zona más interesante para explorar, porque se está vaciando debido a esta atracción hacia las metrópolis. Y se está utilizando para elementos constantemente nuevos. Hay muchos elementos en la era digital actual que son demasiado grandes para realizarse en las ciudades y se están construyendo en el campo”, detalla durante un recorrido por la Escuela Preparatoria de Qatar, donde se exhibe la exposición Countryside: A Place to Live, Not to Leave (El campo: un lugar para vivir, no para abandonar). El urbanista y profesor de la Universidad de Harvard presentó por primera vez este proyecto en el Museo Guggenheim de Nueva York en 2020. “Se examina una región históricamente conectada, que se extiende desde África, pasando por Oriente Medio y Asia Central, hasta Mongolia y China. A pesar de representar el 80 por ciento de la población mundial, este vasto arco geográfico sigue estando densamente poblado; pero sin grandes ciudades, lo que ofrece una alternativa atractiva a la vida urbana. Mostramos 15 condiciones extremas para que podamos comprender lo que está sucediendo en la agricultura mundial”, señala. En una segunda etapa, explica, “nos fijamos en un solo arco que va desde Sudáfrica, pasando por Doha, en Oriente Medio, hasta China. Es un arco que apenas está afectado por el mar, en el que hay muy pocas ciudades. Así que es casi un sol naciente de la agricultura”, agrega. Miramos los cambios radicales en el mundo y en el campo. Hay que pensar en nuevas formas de vida. Vemos que hay cosas que antes eran regresivas, como el pastoreo, que ahora están en auge debido a la constante y acelerada evolución. Digamos que el modo de vida moderno y capitalista no ha cumplido sus promesas”, añade. El urbanista destaca que, en esta era digital, “pueblos que antes estaban profundamente aislados ahora están conectados. Hemos visto una combinación de potencial y crisis. Debemos aprovechar el potencial que ofrece el campo”. Ante pregunta expresa, indicó que aún no tienen conclusiones de esta investigación. “Vamos caso por caso, región por región. Observamos y proponemos mejoras. Los proyectos tardan en realizarse y en dar resultados. Pero vamos por buen camino: descongestionando las grandes ciudades. La idea es mostrar diversos zooms globales que revelen el estado de los actores, las prácticas, los paisajes, las tecnologías, el clima y la biodiversidad para proponer soluciones urgentes para crear un nuevo mundo rural”, aclara. El Premio Pritzker 2000 dice que, por ejemplo, en la Escuela Preparatoria de Qatar, construida en 1963 y actualmente en remodelación, que forma parte del patrimonio de Doha, se está creando un campo agrícola a su alrededor, en el que se cultivan diferentes legumbres con la participación de los vecinos y el uso de la inteligencia artificial para mejorar los procesos. Los organizadores informan que la Escuela Preparatoria de Qatar será el primer plantel profesional donde se estudien carreras relacionadas con las industrias creativas del país.   cva   Contenidos Relacionados: Huella arquitectónica: una Casa Blanca ‘chic’, el otro capricho de Trump ¿Quién es Max Martin? El ‘arquitecto’ musical detrás del nuevo disco de Taylor SwiftApuestan por la esencia de habitar en colectivo en el Festival de Arquitectura y Ciudad Mextrópoli

Excélsior

DOMINGA.– El día de la inauguración vi a lo lejos a Manuela Solano frente a sus pinturas en el Museo Tamayo, vestida de rojo, con el pelo recogido y un collar de perlas. Estaba junto a su asistente y a su madre, sentada en una silla de ruedas. Madre e hija lloraron un poco, ofreciendo sin querer un momento fuera de ese personaje público que se construyó: la persona andrógina de aspecto rockero de la escena contracultural de la Ciudad de México en los años 2010. Ahora, veo aManuela Solano endurecida por un doble proceso que la pudo haber dejado a la orilla del camino: perdió la vista en 2014 debido a una complicación causada por el VIHy, casi al mismo tiempo, inició sutransición de género.“Me siento muy abrazada, conmovida para con mi madre, mi hermano, mi asistente, la gente que me vio casi morirme”, dice Solano. “Me siento muy orgullosa de exponer en el lugar que yo quería. Y por otro lado me siento un poco estúpida por haber dudado de que podía lograrlo”.La exposición “Alien Queen/Paraíso Extraño” representa un deseo largamente manoseado, desde el tiempo en que Manuela apenas se imaginaba que podía tener un futuro como pintora. Pero también es un triunfo de la voluntad de la artista visual que se quedó sin mirada y que ahora cuenta sólo con su memoria.¿Cómo mirar esos retratos de Jar Jar Binks, el personaje torpe pero bien intencionado de Star Wars, o el deMónica Naranjo, la popular cantante española de los noventa? ¿Y eso qué tiene que ver con la doble condición de artista queery ciega? De verdad todos estos colores y estas imágenes del cine, de los videos musicales y de las series de la televisión, ¿pertenecen al universo delMuseo Tamayo? O ¿se trata de algún tipo de provocación?, son algunas de las preguntas que genera la exposición.“Podría parecer un gesto irreverente poner un retrato de Úrsula de La Sirenitaen el Tamayo. Pero yo no lo veo así. A primera vista, estas pinturas tienen una cara muy leve, incluso divertida, pero también se les puede dar una lectura más profunda, por la manera en que esos personajes moldean nuestros estándares de belleza, nuestros códigos morales, frustraciones socioeconómicas, nuestras expectativas de género”.Por un lado, la serie de 36 cuadros en el Tamayo representan el universo pop de las clases medias de las grandes ciudades. “Esta estética pop aparece como una ruta de escape, un refugio para aquellos que resisten las estructuras patriarcales e hiper masculinas”, agrega Pablo León de la Barra, curador de arte latinoamericano del Museo Guggenheim. Es el universo al que muchas personas LGBT+ acudieron en su infancia, adolescencia y primera juventud, frente a la hegemonía del futbol, el box, y cantantes como Maná, Carlos Vives o Arjona. Pero, de acuerdo con De la Barra, el trabajo de Solano también puede verse como un puente entre dos momentos en la historia del VIH en México; uno, el de los noventa y dos mil, cuando el VIH segó la vida de numerosos artistas; y el otro, posterior a 2018 cuando se introdujo en México laprofilaxis preexposición PrEP que reduce enormemente el riesgo de contraer VIH.Manuela se quedó en medio y es el testimonio de una epidemia que la alcanzó pero no la mató. Con ella es interesante observar cómo una nueva generación visibiliza a través de la práctica artística su relación con el VIH.Manuela Solano, la artista que no se dejó borrar del mapaManuela Solano nació en 1987 en el municipio de Naucalpan, Estado de México. Creció en Satélite en los años noventa, el proyecto urbano concebido en los cincuenta como una ciudad autosuficiente cerca de la capital, pero que ya había sucumbido al caos, el tráfico y el esmog del resto de la mancha urbana. Creció en ese mundo aparte, en el que la gente pasaba su tiempo libre en los centros comerciales, o encerrada en el auto y gastaba su dinero en productos americanos. Una parte del universo estético de Solano se ha nutrido de esa infancia y adolescencia en los suburbios, de sus gustos culturales y sus prácticas de consumo.Solano decidió estudiar artes plásticas en la Escuela Nacional de Escultura, Pintura y Grabado “La Esmeralda”. Entró en 2008 y salió en 2012, una época que recuerda con algo de horror. Tenía que salir muy temprano en la mañana para llegar a las clases que comenzaban a las nueve. “En el taller de dibujo había 12 socketspara focos, pero sólo tres focos. Se robaban las cosas. Tuvimos una profesora que de 36 sesiones sólo fue a seis”. Con todo, tuvo oportunidad de experimentar con varios medios y así separar lo que le gustaba de lo que no y de entrar en contacto con otros profesores que genuinamente estaban interesados en el trabajo de sus alumnos.Cuando salió de la escuela, tuvo una exposición en la ciudad de Guatemala y estuvo un rato trabajando en la tienda de una diseñadora de modas, desde donde aprovechaba para hacerse videos, autorretratos con diferentes outfits, pero eso terminó pronto porque su salud colapsó a causa de una baja de defensas de su sistema inmune, provocada por una infección de VIH. Luego de una infección gastrointestinal presentó otra infección en la piel causada por una bacteria y esa bacteria se pasó a los ojos. En cuestión de unas semanas, había perdido la vista.Las pocas opciones que el mundo le ofrecía a una persona invidenteManuela Solano ha contado en múltiples ocasiones por qué a pesar de quedarse ciega decidió seguir pintando. “Al principio cuando perdí la vista no tenía dónde refugiarme”, dice Solano en una entrevista para la revista digital ‘4UMAG’ de 2015. “Trataba de escuchar música pero no podía dejar de pensar en esto. Sé que suena romántico, cursi y horrible, pero pintar me ha ayudado a desahogarme, más que desahogarme, a distraerme, porque no hay manera de sacar lo que siento”.Pero también seguir pintando tenía una consideración de dignidad, de supervivencia personal. “Se me dijo que tenía que borrarme”, dice Solano. “Chequé algunas instancias para invidentes para entender qué futuro me esperaba, qué podía hacer. Salía de esos lugares, me subía al coche y me ponía a llorar”.El panorama que le presentaban era estudiar el sistema de escritura Braille por varios años. “Y si todo salía bien, aprender a ser panadera o masajista”, dice Solano. Le explicaron que desde hace algunos años había un programa especial de Coca-Cola y Bonafont que se llamaba Tarimas, una capacitación para ayudar a las personas invidentes a identificar las botellas y otros productos de comida chatarra. Luego les conseguían el permiso de montar una tarima y venderlos en el metro de la Ciudad de México. “Ahí fue que dije ‘de lleno con la pintura’. O sea, de por si ya estaba volcada en la pintura, a partir de ese momento lo hice así, con el acelerador… y no parar hasta que sienta que tengo una oportunidad mejor que el metro”.Manuela Solano comenzó a desarrollar un sistema de trabajo de manera intuitiva. “Pasé poco a poco de usar el sentido de la vista a la memoria”, dice. “Por ejemplo, sentir los bordes del papel y acordarme que estaba agarrando pintura negra, que es la que está a la izquierda”. Pero sobre todo, se dio cuenta de que debía de superar de una vez el prejuicio que iba a dominar la percepción de su obra: ¿cómo hacer que la gente no mirara sólo a la ciega pintando, sino que se concentrara en la pintura? “Tenía muy claro –dice Solano– que, si bien la ceguera tenía el riesgo de ser una caja o una jaula, también era algo completamente único y que iba a generar mucha curiosidad. Entonces sabía que lo que tenía que hacer era usar el interés que yo pudiera recibir para llamar la atención de que soy muy buen artista”. Una artista “ciega, transgénero con sida” en la trienal del New Museum de NYSolano produjo una primera serie de pinturas crudas e intuitivas sobre papel, que llamó, nada más y nada menos, Blind Transgender with AIDS(Ciega, transgénero con sida). Algunas pinturas abordan su universo musical por medio de retratos de artistas como Alanis Morrisette o Cher, otras tratan de su familia o son escenas banales en un balneario; y otras más son una meditación conceptual sobre el sida y una representación cruda sobre los efectos de la enfermedad en su cuerpo.En 2014, poco tiempo después de comenzar a pintar ciega, Solano tuvo su primera exposición en el espacio de dos amigos, Deborah Delmar y Andrew Birk, que estaban haciendo exhibiciones en la terraza de su departamento en la Ciudad de México. Luego, 2015 fue un año especial. En primer lugar, la galerista Karen Huber, que tiene un ojo especial para la pintura joven, le abrió las puertas de su espacio para mostrar una selección de la serie Blind Transgender with Aids.Al mismo tiempo, Solano presentó un performance titulado Sigourney Weaveren el espacio de arte alternativo Bikini Wax: ella se imaginó como la cantante de una banda de rock llamada Sigourney Weaver e interpretó canciones melancólicas y pesadas en un salón iluminado por un neón con el nombre del grupo.Poco después, el cofundador del Bikini Wax, Daniel Ruvalcaba, le llamó para pedirle que fuera esa tarde al espacio de exposiciones con su computadora porque un curador de Nueva York estaba interesado en ver su obra. Un mes más tarde ese mismo curador y otro más contactaron a Karen Huber para ver otras piezas de Solano. Gary Carrion-Murayari y Alex Gartenfeld estaban preparando la trienal del prestigioso New Museum de Nueva York, que se llamó Songs of Sabotage, una reflexión sobre cómo los artistas se relacionan con sus contextos locales y crean piezas usando la idea del sabotaje como método de producción. La trienal del New Museum de 2018 le dio a Solano una extraordinaria plataforma internacional. “Fue allí que el mundo comenzó a fijarse más en mí, pero pasaron muchas cosas muy rápido”.Manuela Solano llegó a Berlín, luego Seúl, Londres, Sao Paulo y Lisboa Desde 2015, Solano tenía muy claro que no se podía quedar en México. “O sea, quedarme en México significaba siempre depender de mi madre, de mi familia. Yo sabía que mi pintura tenía mucho valor, no sólo económico, sino cultural, y que la podía utilizar para salir de esta situación”.A partir de la exposición en The New Museum, se le acercó una galería de Estados Unidos para representarla. La condición de Solano para trabajar con ellos fue que le consiguieran una visa. “Se supone que contrataron a un abogado migratorio que iba a solicitar una visa de artista para que me pudiera mudar a Estados Unidos”. Pero el galerista vendió las piezas y desapareció con el dinero. “Y entonces me volví a quedar en el sótano de mi mamá, en quiebra”.Solano entró en contacto con la galería Peres Projects con sede en Berlín. Peres Projects había sido fundada por Javier Peres, un abogado convertido en una de las voces más influyentes en arte emergente internacional. Le ofrecieron la residencia anhelada en Berlín y la ayudaron a cimentar su carrera global. La primera exposición en Peres Projects fue en 2019, una serie de retratos de distintas personas con las que se identifica Solano, que hablan de las fases cambiantes de la identidad.Peres Projects le dio a Manuela Solano una meteórica carrera con exposiciones en galerías, museos y centros culturales del mundo como Seúl, Londres, Sao Paulo o Lisboa. Pero aquello tenía un costo. A cambio de esa plataforma, Javier Peres sometía a sus artistas a sistemas de trabajo muy pesados. “Si ellos por cualquier razón querían que yo hiciera equis cosa, no había límites de decencia, o de horarios, o de formas de presión”, dice Solano. La galería ejercía una especie de extorsión sobre los artistas, haciéndoles ver cuánto dependía su carrera a cambio de múltiples demandas para complacer los caprichos y apetitos del mercado. Con el tiempo, se descubrió que Javier Peres también inflaba los precios de las piezas y les decía a los artistas que las había vendido por menos dinero. En medio de un cúmulo de rumores, la galería dejó de existir en febrero de 2025. Una corte de Berlín la declaró insolvente. Los periodistas del mundo del arte han buscado a Javier Peres para una explicación, pero no han tenido suerte.A pesar del colapso de la galería, Solano sigue viviendo en Berlín donde hay una enorme infraestructura, tanto para los artistas como para los invidentes. “Si yo necesito ir a algún lado, hay un teléfono del gobierno de la ciudad al cual llamo y digo a donde necesito ir. El día anterior me hablan para confirmar la cita y luego alguien pasa por mi y me lleva a donde quiero, sin cobrarme un peso”, dice Solano.También es una ciudad muy amistosa para las personas que les gusta la vida nocturna o explorar una sexualidad sin prejuicios. “Si quiero estar sola, sé estar sola y me meto a bailar yo sola. Y si quiero ligar, también puedo hacerlo. Berlín es una ciudad muy libre. Me encanta que puedo estar literalmente desnuda en un antro”.La aventura de Manuela Solano en el Museo TamayoActualmente Manuela Solano está representada por la reputada galería española Travesía Cuatro, que tiene sede en Madrid, Guadalajara y Ciudad de México. “Vimos su trabajo en la trienal del New Museum y me impactaron muchísimo tres pinturas, tres retratos”, dice Silvia Ortiz, cofundadora, junto con Inés López-Quesada, de Travesía Cuatro.“No tenía ni la menor idea de quién era Manuela Solano en ese momento, ni de su ceguera, ni de su proceso. Pero desde entonces queríamos trabajar con ella. Me parecía que le añadía a la galería un punto de vista distinto, algo que no teníamos”.Fueron precisamente estas galeristas quienes iniciaron las conversaciones para que Solano exhibiera en el Museo Tamayo. “Ella no quería venir a México a exponer en ningún sitio que no fuera el Tamayo”, dice Silvia Ortiz. “Y verla ahora regresar, después de todo lo que ha pasado, con toda la carga de su situación médica y personal, después de todos estos años que ha vivido en Berlín, es muy emotivo”.Esta exhibición de 36 piezas tuvo su origen en una confluencia de elementos dispares: Sobreviviré, una canción de Mónica Naranjo en la que aparece la frase “Paraíso Extraño”; y el deseo de hacer una pintura sobre la Reina Alien, de la franquicia de terror Alien. Al principio se trataba de dos exposiciones separadas: Paraíso extraño y Alien Queen; una tendría que haberse abierto en Berlín, y la otra en Ciudad de México, pero al final no se pudo y toda la obra se reunió en el Tamayo. De ahí la gran cantidad de trabajo que ha sido recibido con un paulatino reconocimiento.La noche de la apertura, el pasado 9 de octubre, estaba Silvia Ortiz sentada en una barandilla, a la entrada del museo. Los invitados comenzaban a llenar el salón donde se iba a dar un cóctel. Yo no podía sino pensar en lo que Solano podría estar percibiendo de ese momento. Le pregunté a Ortiz sobre la importancia de la ceguera en la consideración de su obra. “En realidad yo al principio le quitaba peso a que fuera ciega”, dice. “No sé por qué. Pero luego, con el tiempo, empecé a preguntarme desde qué misterio ella crea. Es un lugar en el que las personas que vemos no lo vamos a saber nunca. Y a mí ese misterio, ese mundo interior que sabe poner, me parece extraordinario”.GSC

Milenio

La tercera temporada de Euphoria no solo ha dado un salto narrativo impactante, sino que también ha mostrado un cambio radical en el proceso creativo de sus protagonistas.Jacob Elordi, quien interpreta a Nate Jacobs, confesó a Entertainment Weekly que esta temporada fue la más libre y experimental de su carrera en la serie.La libertad de improvisarElordi explicó que, a diferencia de temporadas anteriores, no tuvo un guion completo ni ensayos prolongados. Todo era más instintivo y espontáneo, un proceso que lo obligó a conectarse profundamente con su personaje y con las emociones de cada escena.“Normalmente me gusta obsesionarme con lo que estoy haciendo, entender lo que está pasando y tener tiempo para armar cada elemento. Esta vez no tuve tiempo para prepararme. No tenía scripts en ningún sentido completo. Solo tenía conversaciones creativas con Sam [Levinson], así que no tuve opción”, reveló.Esta dinámica le permitió actuar a ciegas, sin guías estrictas, confiando únicamente en su instinto y en la interacción con los demás actores. Jacob lo describió como un experimento constante:“Era como lanzar cosas a la pared y ver qué pegaba. Y luego, de repente, algunas cosas sí pegaban. Eso fue liberador porque normalmente tengo todo planeado. Esta vez, no había plan, solo reacción pura”.El proceso no estuvo exento de retos. Sin la estructura habitual, Elordi debía confiar en su conocimiento previo del personaje y en la dirección puntual de Sam Levinson. Esto, según él, fomentó un nivel de autenticidad único en cada escena.“Solo podía ir día a día. Solo podía hacer lo que me daban ese día y luego intentar inventar algo basado en lo que conozco del personaje y lo que veo en el set frente a mí”, explicó Jacob.Este enfoque también lo ayudó a explorar la complejidad de Nate, especialmente frente a las tensiones crecientes de la narrativa adulta de la tercera temporada. La ausencia de un guion estricto permitió que las emociones fluyeran de manera más natural y cruda, un efecto que tanto fans como críticos han notado en pantalla.La evolución del actor: Los beneficios de poder confiar en él mismoPara Elordi, esta temporada representó una madurez actoral que va más allá de memorizar líneas. Aprender a actuar sin seguridad, sin red de guion, lo puso en un terreno desconocido pero altamente enriquecedor.“Aprendí a confiar en mi instinto y en la historia que ya conozco. No hay tiempo de preocuparse por lo que va a pasar después, solo reaccionar y vivir el momento”.El actor destacó que este método también fortaleció su relación con el equipo y los coprotagonistas, generando una química más auténtica y palpable en pantalla.Con la temporada 3 de Euphoria, Elordi se consolida como un actor dispuesto a romper moldes y experimentar con cada escena, una filosofía que, según él, seguirá aplicando en futuros proyectos.Aunque no reveló detalles de la temporada, su enfoque demuestra que está abierto a arriesgarse y reinventarse continuamente.“Actuar así es aterrador y emocionante al mismo tiempo. Es un balance delicado entre perderte en el personaje y mantener el control de la historia. Pero si logras eso, es increíblemente gratificante”, concluyó.La tercera temporada de Euphoria no solo expone los conflictos de sus personajes, sino que también muestra el crecimiento y la audacia actoral de Jacob Elordi, quien sigue sorprendiendo con su capacidad de adaptarse a un proceso creativo sin límites ni guion rígido.

Milenio

La historia del arte está poblada de figuras cuya vida resulta tan fascinante como su obra. Tina Modotti es una de ellas. Fotógrafa, activista, actriz de cine mudo y musa involuntaria de su tiempo, su trayectoria se extiende más allá de las imágenes que capturó. Es en ese cruce de biografía, mito y política donde se sitúa The Tiger’s Coat, proyecto curado por Rodrigo Ortiz Monasterio, actualmente expuesto en el Museo Jumex de la Ciudad de México, que toma su título de la cinta muda que Modotti protagonizó en Hollywood en 1920, como si la ficción temprana de su vida anunciara ya la tensión entre realidad y leyenda que la acompañaría siempre.Nacida en Udine, Italia, Modotti emigró a Estados Unidos y luego llegó a México, país donde produciría gran parte de su obra fotográfica y donde entabló amistad con algunos de los artistas más influyentes de la época: Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros, Frida Kahlo o Nahui Olin. Olimpo del arte mexicano. Sus imágenes, cargadas de una sensibilidad política y estética a la vez, documentaron la transformación social del país posrevolucionario y, al mismo tiempo, ofrecieron un lenguaje visual que fundía lo íntimo con lo colectivo.Pero Modotti fue también protagonista de una narrativa marcada por el exilio, la sospecha y la clandestinidad. En 1930, acosada por la represión anticomunista, fue expulsada de México. Años después regresó bajo una identidad falsa, como si el misterio se hubiera vuelto su segunda piel. Su biografía es, en cierto modo, un espejo de los dilemas del siglo XX: el compromiso político, la persecución ideológica, la tensión entre pertenencia y desarraigo, la terquedad del querer ser pese a la censura.La exposición no se limita a mostrar fotografías. Reúne obras de artistas como Danh Vo, Edward Weston, Pati Hill y Rodrigo Hernández, además de documentos históricos y piezas contemporáneas que permiten leer a Modotti no solo como creadora, sino como figura de influencia, como nodo de conexiones estéticas y políticas que aún hoy siguen resonando.Hablar de ella es hablar de un legado que desafía la linealidad: sus imágenes de trabajadores, de flores, de objetos cotidianos, no solo registran un tiempo, sino que inscriben una sensibilidad que se resiste al olvido. Entre el mito y la memoria, entre la política y la poesía, su obra y su vida recuerdan que el arte también es un campo de resistencia y de preguntas.Tina Modotti, más allá de ser una fotógrafa, fue un relato en movimiento. Un relato que aún hoy continúa escribiéndose, y que nos obliga a pensar en el arte no como un registro pasivo del pasado, sino como un territorio donde la historia, la ficción y la vida se entrelazan en un mismo gesto.

Milenio

Virginia BautistaComo “un laboratorio de pensamiento visual”, en el que se da prioridad a la crítica social, a la libertad creativa, y a que el arte sea accesible para todos. Ésta es la apuesta de Aguafuerte Galería, que festeja sus 20 años de vida con una exposición colectiva y una subasta que rematará unas 200 obras. TE RECOMENDAMOS: Art Basel Qatar 2026: Buscan consolidar un ecosistema artístico Israel Alvarado, director y curador del recinto, afirma en entrevista que, aunque venden al año entre 310 y 350 piezas de diversos precios y en la muestra de aniversario participan unos 23 artistas, no considera que el espacio esté consolidado. Los proyectos siempre se pueden mejorar, están en constante transformación, por eso no podemos decir que ya alcanzamos la meta”, comenta. AGUAFUERTE SE CONCIBIÓ PARA APOYAR A CREADORES JÓVENES Y MANTIENE ESE ESPÍRITU El administrador de empresas que desde 2018 se dedica de tiempo completo a la promoción del arte explica que Aguafuerte “se concibió para apoyar a los artistas emergentes, a los que comenzaban sus carreras y no tenían un espacio donde exhibir”. Destaca que “lleva 20 años sin perder ese espíritu de apoyar a los creadores jóvenes. Con el paso del tiempo, algunos de los artistas han ido proyectándose a nivel nacional e internacional. Eso ha sido muy satisfactorio”. El sello distintivo de la galería, señala, es “su enfoque en temáticas sociales, políticas y culturales que trascienden lo estético: obras que dialogan con el feminismo, la diversidad sexual, la migración y la crítica al poder. Más que un espacio comercial, es un laboratorio de pensamiento visual donde el arte genera conversación y conciencia. Un lugar en el que no sólo exhibimos obra abstracta, figurativa, escultórica, gráfica, sino que recreamos temas de interés social tres o cuatro veces al año. Este 2025 abordamos el imperialismo y otras calamidades, lo que tiene que ver con la política del presidente estadunidense Donald Trump y las guerras”, agrega. Con sedes en la colonia Roma (Ciudad de México) y Val’Quirico (Tlaxcala), Aguafuerte ha impulsado la carrera de varios artistas que hoy gozan de reconocimiento internacional, como Francesca Dalla Benetta, Héctor Massiel, Francisco Soriano o Fabián Cháirez, quienes dieron sus primeros pasos expositivos en la galería. Hemos trabajado también con creadores reconocidos, como Pedro Friedeberg, Beatriz Zamora, Jazzamoart y Demián Flores. Y ponemos a la venta obra de grandes como Francisco Toledo, Vicente Rojo, José Luis Cuevas, Leonora Carrington o Rufino Tamayo. Es decir, son propuestas de artistas reconocidos y emergentes que conviven en las dos sedes de la galería”, añade. UN 95 POR CIENTO DE LOS ARTISTAS Y COLECCIONISTAS DE LA GALERÍA ES NACIONAL El gestor cultural detalla que les ha ido bien en su sede de Tlaxcala, que abrieron hace ocho años. “Llega gente que viene de otros estados y no quiere entrar a la Ciudad de México. Incluso, coleccionistas de la zona de Interlomas o Lomas de Chapultepec, que prefieren ir hacia Puebla o Tlaxcala que venir a la metrópoli, han mostrado interés constante”. Alvarado indica que una de las preocupaciones fuertes que han manifestado los artistas es que su obra se venda. “Por eso busco ofrecer obras de tamaño mediano, no de gran formato, porque es más difícil colocarlas. Nuestro lema es ‘Arte para todos’ y contemplamos diversos presupuestos, desde una gráfica pequeña de mil 200 pesos hasta algo grande y caro. Queremos que los coleccionistas se acerquen. Un 95 por ciento de nuestros artistas son nacionales, al contrario de otras galerías. Nos dedicamos al talento nacional. Se piensa que no hay coleccionistas en México, pero más del 90 por ciento de nuestras piezas las adquieren mexicanos. Sí consumen arte, les gusta y lo adquieren”, señala. EL PROGRAMA DE ANIVERSARIO DE AGUAFUERTE GALERÍA El programa de aniversario incluye, además de la colectiva que se exhibirá hasta el 6 de diciembre próximo, una subasta especial que rematará el 20 de noviembre, a las 19:00 horas, unas 200 obras emblemáticas “que reflejan el espíritu provocador y diverso de Aguafuerte”. El galerista expresa su deseo de empezar a participar más en ferias de arte, tanto nacionales como internacionales. “Tenemos artistas, obras y propuestas de primera. México siempre ha sido referencia internacional en el arte. Y nos acompaña una rica tradición cultural”, concluye. CONSULTA AQUÍ LAS NOTICIAS DE ÚLTIMA HORA *mcam   Contenidos Relacionados: Revitalizan legado artístico de Ariosto Otero en la exposición Trazos Y PasionesMaría José Romero (1970): Rituales para atravesar el fuegoLeopoldo Méndez, en la mira del séptimo arte en el Museo Nacional de la Estampa

Excélsior

Virginia BautistaEl Museo Tamayo presenta la exposición de la XX Bienal Rufino Tamayo, que celebra la innovación y la experimentación pictórica contemporánea en México. Las 40 obras seleccionadas por el jurado revelan a la pintura “como un campo para abordar memorias personales y colectivas, paisajes transformados, tensiones históricas, problemáticas sociales y ecológicas; así como exploraciones formales que oscilan entre lo figurativo y lo abstracto”, informó el INBA en un comunicado. TE RECOMENDAMOS: Revitalizan legado artístico de Ariosto Otero en la exposición Trazos Y Pasiones La Bienal nos confirma que la pintura no solo persiste, sino que se reinventa, se expande y dialoga con otras disciplinas, soportes y maneras de mirar. Este esfuerzo nos demuestra que la pintura sigue siendo un espacio de libertad, de exploración y de reflexión visual”, explicó la directora general del INBA, Alejandra de la Paz Nájera. Durante la inauguración de la colectiva en el Museo de Arte Contemporáneo y de las Culturas Oaxaqueñas, realizada en agosto pasado, se dieron a conocer los nombres de los ganadores de los premios de adquisición y de quienes obtuvieron menciones honoríficas. Ahora, el conjunto de obras llega al Museo Tamayo, en la Ciudad de México, donde podrá visitarse hasta el 7 de diciembre del año en curso. La Bienal Rufino Tamayo es uno de los certámenes más longevos del panorama artístico mexicano. Rufino Tamayo instituyó este concurso con el propósito de mostrar el estado de la pintura y conformar una colección para su estado natal. UN ESPACIO RELEVANTE PARA LA CREACIÓN PICTÓRICA CONTEMPORÁNEA EN MÉXICO A lo largo de más de cuatro décadas, este encuentro se ha consolidado como un espacio relevante para la creación pictórica contemporánea en México. De la extensa lista de artistas que han participado desde 1982, varios han alcanzado una destacada proyección internacional, en sintonía con la visión de Tamayo, quien buscó construir un legado con alcance global. Volvemos al origen de una idea visionaria, la de un artista que entendió que el arte debía trascender los límites del centro y que el talento debía de buscarse también en los estados, en las comunidades y en las múltiples expresiones que dan forma a la identidad de México”, expresó Alejandra de la Paz, directora del INBA. LOS GANADORES DE LA XX BIENAL RUFINO TAMAYO El jurado de la vigésima edición estuvo integrado por los curadores Paulina Ascencio, Tobias Ostrander y Víctor Palacios, así como por las artistas Berta Kolteniuk y Lucía Vidales, quienes establecieron un diálogo intergeneracional que celebró la innovación y la experimentación en las obras seleccionadas. Seleccionaron como ganadores de esta edición a Othiana Roffiel Sánchez, José Gonzalo García Muñoz y Javier Peláez Gómez. Además de los ganadores, recibieron menciones honoríficas Daniela Ramírez González, Francisco Muñoz Pérez, Urmeer, Laura Meza Orozco y Octavio Moctezuma. CONSULTA AQUÍ LAS NOTICIAS DE ÚLTIMA HORA *mcam  Contenidos Relacionados: Arte con espíritu crítico; 20 años de Aguafuerte GaleríaGrabado de Rivera detona vasos comunicantes; Galería de Arte MexicanoMaría José Romero (1970): Rituales para atravesar el fuego

Excélsior

Carlos Zorrilla Netflix ha agregado recientemente a su catálogo la miniserie Muerte por un rayo (Death by Lightning), una producción histórica que rescata del olvido la figura de James A. Garfield, vigésimo presidente de los Estados Unidos y el segundo mandatario asesinado durante mientras ejercía la presidencia. La serie, compuesta por cuatro episodios, ya se ha posicionado entre las más vistas en la plataforma en diversos países, ocupando un lugar en el top 10 y en México ya se encuentra disponible a partir de este fin de semana. TE RECOMENDAMOS: ¡Escalofriante! La miniserie de Netflix basada en una historia real que está aterrando a todos ¿De qué trata Muerte por un rayo? La miniserie se adentra en la vida paralela de Garfield y de su asesino, Charles J. Guiteau, interpretados magistralmente por Michael Shannon (The End) y Matthew Macfadyen (Succession). Ambos actores ofrecen un retrato profundo y humano de dos hombres opuestos: uno, un político íntegro que asciende casi por accidente a la presidencia; el otro, un personaje inestable y delirante que se convence de ser pieza clave en el destino del país. Ambientada en el siglo XIX, Muerte por un rayo adapta la novela Destiny of the Republic: A Tale of Madness, Medicine and the Murder of a President (2011) de la escritora estadunidense, Candice Millard. La historia arranca en 1880, durante la convención republicana de Chicago, donde Garfield, quien es un académico brillante, héroe de la Guerra Civil y congresista respetado, es elegido candidato casi contra su voluntad tras un discurso que conmueve a las bases del partido. Su mandato, sin embargo, sería efímero: apenas 200 días después de asumir la presidencia, su vida se ve truncada por el disparo de Guiteau en la estación de ferrocarril de Baltimore y Potomac. TE RECOMENDAMOS: Los Diarios de la Boticaria anuncia fecha de su tercera temporada y una película original Reparto y directores de Muerte por un rayo La serie, dirigida por Matt Ross (Captain Fantastic) y escrita por Mike Makowsky (Bad Education), cuenta con la producción ejecutiva de David Benioff y D. B. Weiss, creadores de Juego de tronos. Con su sello característico, los productores buscan iluminar un episodio casi ausente en la cultura popular estadounidense, combinando rigor histórico con una narrativa intensa y emocional. El reparto incluye también a Nick Offerman como el vicepresidente Chester A. Arthur, Betty Gilpin como Lucretia Garfield, Bradley Whitford y Shea Whigham como los congresistas James Blaine y Roscoe Conkling, respectivamente. Paula Malcomson interpreta a la hermana de Guiteau, y el elenco se completa con Tuppence Middleton, Željko Ivanek y Kyle Soller. Muerte por un rayo no solo reconstruye el magnicidio, sino que examina el contexto político y social de una nación dividida entre conservadores y liberales, marcada por la corrupción y los conflictos internos tras la Guerra Civil. La trama muestra la obsesión de Guiteau por obtener reconocimiento político y la tragedia que deriva de su desequilibrio mental, mientras Garfield representa la esperanza frustrada de una reforma moral en el poder. La serie ha sido aclamada por la crítica: cuenta con un 88 % de aprobación en Rotten Tomatoes y una puntuación de 80/100 en Metacritic. IndieWire la describe como “trepidante, mordaz y melancólica”, y The Guardian destaca la actuación de Macfadyen como “inolvidable”. Contenidos Relacionados: ¿A qué hora se estrena Frankenstein de Guillermo del Toro en Netflix?Senado aprueba cambios en Netflix y otras plataformas: así serán las cancelacionesNuevas películas navideñas 2025: los estrenos de Netflix que no te puedes perder

Excélsior

Entre luces, música y color, la Perla Tapatía ofrece un fin de semana lleno de arte, diversión y emociones para todas las personas

El Informador

Resultado de la colaboracióndel Museo Franz Mayer con diChroma photography y el Estate of Rodney Smith, se presenta Surreal. Rodney Smith, la primera exposición en Latinoamérica dedicada a este celebre, vanguardista y visionario fotógrafo estadunidense.Bajo la curaduría de Anne Morin, directora de diChroma photography, esta muestra reúne más de 40 imágenes que proyectan un universo donde lo real y lo imaginario se entrelazan en composiciones cuidadosamente diseñadas. El recorrido destaca el uso de la proporción, la composición y la ironía en las obras de Smith y cada fotografía revela el espíritu lúdico, perfeccionista y profundamente poético del artista.Rodney Smith (Nueva York, 1947–2016) formó su visión artística a partir de estudios en Literatura Inglesa en la Universidad de Virginia y Estudios Religiosos en Yale. Influenciado por Walker Evans, uno de los grandes de la fotografía documental estadunidense, desarrolló un estilo caracterizado por la armonía, el equilibrio y un sutil humor visual. Desde la década de 1990, su obra conquistó el mundo editorial y de la moda, colaborando con The New York Times, Vanity FairoW Magazine, así como con marcas como Ralph Lauren y Neiman Marcus. A través de sus imágenes —en blanco y negro y sin retoques—, Smith construyó escenas donde lo cotidiano se convierte en algo inesperado: personajes, objetos y paisajes que parecen salir de un sueño cuidadosamente diseñado. Su sentido del humor visual y su precisión formal han sido comparados con la obra de René Magritte, pues ambos reinventaron la realidad a través del juego y la sutileza.Además del viaje por su obra, los jardines del claustro del Museo Franz Mayer acogerán una instalación de espejos, algunos con frases de Smith, invitando a los visitantes a explorar efectos visuales para crear imágenes únicas, tal como hacía el fotógrafo en el jardín de su casa.La exposición Surreal. Rodney Smith podrá visitarse hasta el 15 de marzo de 2026 en el Museo Franz Mayer, de martes a domingo 10:00 a 17:00 horas. El costo de la entrada es de 120 pesos (INAPAM, estudiantes y profesores pagan 90 pesos) y puede adquirirse en la taquilla del recinto o a través de la página del museo.AMS

Milenio

Virginia BautistaEn 1938, el pintor mexicano Diego Rivera ilustró con la xilografía sobre papel Vasos comunicantes el Manifiesto por un arte revolucionario independiente, que firmó junto con el poeta francés André Breton, uno de los fundadores del surrealismo. El título de la obra, de 88.5 x 64 centímetros, hacía referencia directa al libro homónimo de Breton, de 1932, en el que los flujos entre sueño y vigilia, arte y política, se comparaban con los principios físicos de conexión entre líquidos. La imagen, explica en entrevista Enrique Giner de los Ríos, reapareció en 1940 en la Exposición Internacional del Surrealismo, organizada por Breton, Wolfgang Paalen y César Moro, en la Galería de Arte Mexicano (GAM). Por esta razón, en el marco del 90 aniversario de la galería, los directivos idearon la exposición colectiva Vasos comunicantes, que reúne 60 obras de 49 artistas de distintas generaciones y estilos. Giner, cocurador de la muestra que se inaugurará el 13 de noviembre, a las 17:00 horas, comenta que la idea fue invitar a dialogar a creadores contemporáneos con el grabado de Rivera. “Es una pieza que quizá para Rivera en ese momento no representaba más que una ilustración, una rareza. Pero hoy tiene mucha importancia. Ha estado en la galería siempre, aunque al principio estaba en los archivos. “Como espectador, la obra se me hacía fascinante, aunque no estuviera exhibida. Fue a partir de esta fascinación y de descubrir la cantidad de significado y de capas que tiene, que quise ponerla a ‘dialogar’ con el arte actual”, destaca. El promotor detalla que “una tercera parte de la colectiva es obra del acervo de la GAM, piezas inusuales de grandes nombres; una segunda parte se compone por artistas vivos de la galería, que hicieron piezas ex profeso, y la última parte son creadores que no pertenecen a la galería, pero accedieron a participar”. Dice que la muestra recrea desde las nociones de Breton sobre lo irracional, el sueño y el inconsciente, hasta el contexto político y social que dio origen al manifiesto, y sus ecos en México y el mundo. Admite que “hay un reclamo histórico a Breton y su homofobia. No todos lo celebran. Unos se levantan en contra de él. Esto es muy interesante. Hay muchos autorretratos. La política no es muy socorrida, pero varios aún se pronuncian”. El especialista concluye que “la potencia formal del grabado provoca nuevas lecturas visuales, a veces alejadas del estilo de Rivera, insinuando otras voces, tiempos y sensibilidades”. Vasos comunicantes, que sorprenderá con obras poco vistas de Gunther Gerzso, Joy Laville, Ricardo Martínez, Rufino Tamayo o Francisco Toledo, y de contemporáneos como Miguel Calderón, Pia Camil y Pablo Soler Frost, se exhibirá en la GAM hasta el 16 de enero de 2026. Contenidos Relacionados: 53 Festival Internacional Cervantino: Atisban los imaginarios de Diego RiveraINBAL incumple con registro de obras de Diego Rivera y Frida Kahlo en el Museo Dolores OlmedoCulmina restauración de mural de Diego Rivera en la Universidad de Chapingo

Excélsior

El trabajo de Delcy Morelos (Tierralta, Colombia, 1967), que inició como un ejercicio pictórico a partir de experiencias con la tierra, el color de la piel y la violencia en Colombia, y que eran presentadas en formatos más o menos convencionales, se ha desbordado en instalaciones y obras de sitio específico que plantean una reflexión sobre el arraigo y la experiencia del territorio.Su obra reciente ha derivado en intervenciones volumétricas de sitio específico en una suerte de giro del land art y del minimalismo. Sus instalaciones de gran formato son realizadas con materiales que obtiene de los lugares que visita y se configuran a partir de la lectura que hace del lugar de exposición. El resultado es una experiencia que muchas veces involucra la vista, el olfato, el oído y el tacto, provocando en los espectadores una experiencia tanto sensorial como mística y trascendente.¿Qué es El espacio vientre?El espacio vientre, proyecto que se expone en el Museo Universitario Arte Contemporáneo, MUAC, desde el 18 de octubre de 2025 al 7 de junio de 2026, con la curaduría de Alejandra Labastida y Daniel Montero, inaugura una nueva línea de obras comisionadas para la sala 9 del museo.A partir de algunas visitas que la artista realizó a la Ciudad de México, a Oaxaca y a Chiapas, planteó una instalación que abarca la totalidad de la sala. La obra es una estructura circular de terrazas que se eleva hasta el techo de la sala, cuya altura varía entre los 6 y los 12 metros.Delcy Morelos lleva un tiempo investigando distintas relaciones con la tierra, el alimento, la magia y mitologías que han cambiado sus concepciones sobre las relaciones sociales y con la naturaleza. Para ella, como para muchos pueblos originarios, la tierra es un ente femenino, sobre todo en relación con la fertilidad y la alimentación; lo que han hecho históricamente los seres humanos es generar tecnologías que les permiten establecer relaciones con esa entidad. Estas técnicas de alimentación no dependen sólo de formas de producción y de consumo, sino que se sustentan en relaciones posibles entre lo divino, lo mágico, lo natural y lo social.Morelos entiende la tierra como una divinidad que engloba los ciclos de vida y muerte, pero también que ha estado siempre en el centro de los ciclos de explotación, guerra y violencia. Es por ello que sus obras buscan replantear nuestra relación con la tierra para recuperar su relevancia y producir asombro ante su vitalidad.Inversión de relaciones y de conexionesLas múltiples referencias de la obra que presenta Delcy Morelos en la sala 9 del MUAC se nutren de las estructuras circulares producidas por diversas culturas prehispánicas, como el sitio arqueológico de Caral, Perú, Ciudad Perdida, Colombia o los Baños de Nezahualcóyotl en el Estado de México, las tumbas de tiro, el land art, el arte minimal, el arte povera y la arquitectura moderna, entre muchas otras.Pero particularmente se vincula con la pirámide de Cuicuilco y al Espacio Escultórico de la UNAM, ambos ubicados en las cercanías del MUAC. Morelos plantea en esta obra una inversión de relaciones y de conexiones circunscritas en esas dos estructuras.El Espacio Escultórico es una construcción circular de 120 metros de diámetro y 34 prismas triangulares; en el centro está la piedra volcánica de la erupción del volcán del Xitle, y afuera está la reserva natural de la UNAM.La obra de Delcy Morelos pone en relación el espacio exterior y el interior en una tensión más bien horizontal. La intención de Morelos es invertir esa relación hacia una tensión vertical, haciendo alusión a la tierra como un vientre y al espacio como un lugar de protección maternal.Si el Espacio Escultórico refiere a una convención de la mirada y a la experiencia occidental al operar principalmente como el marco de un paisaje, el visitante de El espacio vientre de Morelos deja de ser espectador, deviene huésped en ese lugar de protección e introspección. Desde una mirada hacia arriba y hacia adentro, se hace presente en el cuerpo la potencia mágica de la acumulación masiva de tierra de la instalación.Una vez dentro, la experiencia espacial y volumétrica de la obra, así como la sensorial a través de los olores y vacíos sonoros, crea unas condiciones en donde la posición de la distancia, el exterior y la perspectiva no están disponibles. Morelos no está interesada en generar una mirada sino un estado, o en todo caso un horizonte interno.Una parte de la tierra que conforma esta obra proviene de campos de cultivo de maíz, y el aroma de la sala remite a este pilar de la cultura local.Todos los materiales usados en esta instalación son reciclados y tendrán una siguiente vida de uso después de la exposición. La tierra fue tomada del municipio de Otumba en el Estado de México y será regresada al mismo lugar. El despacho de arquitectos ASPJ con el que trabajó Delcy Morelos este proyecto se especializa en bioconstrucción y permacultura. View this post on Instagram ​¿Quién es Delcy Morelos?Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Cartagena. Vive y trabaja en Bogotá. Su práctica está arraigada en la cosmovisión ancestral andina y en la estética del arte minimalista. Las obras abstractas de Morelos, con sus formidables evocaciones, inspiran una reflexión sobre la interacción entre los seres humanos y la tierra, el cuerpo humano y la materialidad.Algunos de sus proyectos recientes son: Profundis, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (caac), Sevilla, España (2024); Interwoven, Pulitzer Arts Foundation, St. Louis, MO (2024); El abrazo, Dia Chelsea, New York (2023); El lugar del alma, Museo Moderno, Buenos Aires, Argentina; Enie, Fundación NC-Arte, Bogotá (2018).hc​

Milenio

La artista mexicana Toni Francois presenta una exposición producto de su relación creativa de más de 20 años con la banda

El Sol de México

En un momento donde las disciplinas artísticas se reinventan constantemente y las fronteras entre lo digital y lo manual se borran, la XX Bienal Rufino Tamayo irrumpe como una poderosa afirmación de que la pintura en México está más viva y dinámica que nunca. Lejos de ser un vestigio del pasado, el medio pictórico emerge aquí como un espacio vibrante de experimentación, diálogos conceptuales profundos, y una explosión de diversidad técnica y temática, aseguró Tobias Ostrander, curador e integrante del jurado de la XX Bienal Rufino Tamayo.Previo a la apertura de la exposición en el Museo Rufino Tamayo, Ostrander dijo que esta edición además de celebrar la calidad de las 40 obras creadas por 38 artistas que representan a 12 estados, muestra cómo la pintura sigue siendo un vehículo insustituible para comprender las tensiones sociales, políticas y emocionales del México contemporáneo.Los ganadores de la bienal son Othiana Roffiel Sánchez, Jorge González Velázquez y Javier Peláez Gómez.De las obras galardonadas, Ostrander aportó una reflexión sobre la conjunción fundamental entre la manufactura y el concepto: “Se evaluó no solamente la manera que están hechas, que son sofisticadas en su uso de la pintura, pero conceptualmente los tres ganadores tienen un camino distinto, evidenciando que cada obra dialoga con perspectivas muy variadas: desde lo psicoanalítico y emocional hasta la problemática política, como las drogas en México, la relación con la naturaleza y otras problemáticas sociales y estéticas. Este cruce, entre la técnica depurada y la profundidad conceptual, da cuenta de una calidad artística sobresaliente en las obras seleccionadas”.Como jurado hizo hincapié en la fuerte influencia y conexión internacional que poseen los artistas mexicanos: “Tienen formaciones muy fuertes, están viendo pintura de todas partes del mundo, pero tienen profesores muy fuertes también en México”.Esta fusión de influencias globales y locales contribuye a la vitalidad inédita de la pintura mexicana actual, que no vive estancada en tradiciones nostálgicas, sino que está en constante diálogo con la contemporaneidad y las nuevas tendencias internacionales.Para Ostrander, la XX Bienal Rufino Tamayo marca un momento de resurgimiento para la pintura en México, mucho más activo y relevante que hace 15 años.“Vivimos una época donde la pintura está muy viva en México, la pintura tiene una energía nueva. La pintura ya no es un medio relegado, sino que forma parte integral de las discusiones artísticas contemporáneas, dialogando con otros lenguajes como la fotografía, el objeto y el video, medios que vivieron una época de predominancia en años recientes”.Energía y diversidadOstrander comentó que la exposición se presenta como un espacio emblemático donde la pintura contemporánea mexicana despliega su energía y diversidad. La exhibición viene de presentarse en el Museo de Arte Contemporáneo y de las Culturas Oaxaqueñas y para el especialista devela una vibrante escena artística donde la pintura no es un vestigio del pasado, sino un medio en plena actualización e interacción con las fracturas sociales, los avances digitales y las múltiples tradiciones estéticas que atraviesan el país.Ostrander describió esta edición de la Bienal como un reflejo de la pluralidad expresiva en el México de hoy. “La pintura no es un medio del pasado, es un medio de hoy con una amplia interpretación en su uso, por eso vemos a artistas trabajando con óleo, acrílico, textil y cerámica, pero dentro de un lenguaje pictórico”.Dejó claro que la pintura contemporánea mexicana se renueva permanentemente y dialoga tanto con el mundo digital como con diversas técnicas y temas.El curador argumentó que, el gran interés por la convocatoria se percibe en los números: “Había como 650 participantes, queremos más, pero la convocatoria resultó un éxito, tanto por la respuesta como por la calidad de las obras participantes”.Hubo una vigorosa participación de artistas provenientes de Guadalajara, Monterrey, Ciudad de México, y entidades como Baja California, Tlaxcala y Puebla, entre otros. Este mapa diverso, agregó, es un claro indicador del eco que tiene la pintura en el país y la amplitud del espectro temático y técnico que los artistas están explorando.Realidades complejasUn fenómeno particularmente sugerente es que se ha vuelto a lo manual y a lo tangible, en contraste con la globalización artística previa, donde las obras podían existir simultáneamente en múltiples lugares como piezas digitales o reproducidas. Ostrander consideró que ahora hay un interés renovado en la unicidad: “La pintura es única, es un cuerpo que tú necesitas guardar, cuidar, dar toda su vida. Este retorno a lo físico y táctil da a la pintura una dimensión distinta, un nuevo valor en el presente mexicano y global”.Por ello considera que la Bienal Rufino Tamayo evidencia que con 40 obras cuidadosamente seleccionadas y premiadas a través de un riguroso proceso, la pintura contemporánea mexicana está en un momento de efervescencia y reconfiguración donde lo conceptual, lo técnico, lo histórico y lo contemporáneo se fusionan para dar voz a las complejas realidades sociales y culturales del país. De acuerdo con el curador, la exposición se presenta como una plataforma privilegiada para asomarse a un medio que, aunque antiguo, se renueva con la misma fuerza y relevancia en el México contemporáneo.Las obras de la XX Bienal Rufino Tamayo se podrán apreciar del 5 de noviembre al 7 de diciembre de 2025 en el Museo Rufino Tamayo, Paseo de la Reforma 51, Bosque de Chapultepec.BSMM

Milenio

Jonás López Los fotoperiodistas de Excélsior, Elizabeth Velázquez y Eduardo Jiménez, aportaron imágenes para una exposición de la vida cotidiana del Centro Histórico, como parte de las celebraciones por los 700 años de la fundación de Tenochtitlán. Este miércoles fue inaugurada la exposición en las vitrinas de la salida norte de la estación México Tenochtitlán de la Línea 2 del Metro. En el lugar se exhiben 22 fotografías de diferentes autores, entre ellos de Velázquez y Jiménez. La exposición, organizada por el Fideicomiso del Centro Histórico, exhibe fotografías de la vida cotidiana de esta zona patrimonial. Hoy, nuestra titular, la Mtra. Loredana Montes, junto con Lizbeth Ramíez; Dir. del @mafcultura, así como de Cultura del @MetroCDMX, Trabajo Comunitario de la @ach_CDMX y fotógrafos a la inauguración de la exposición "Tenochtitlan a 700 años de su fundación. Memoria Fotográfica". pic.twitter.com/XDMeOoSs2c — Fideicomiso Centro Histórico de Ciudad de México (@Centro_CDMX) November 5, 2025   El objetivo del proyecto fue generar una memoria visual para las futuras generaciones, la exposición se realizó en colaboración con 12 fotoperiodistas que han retratado los últimos 20 años de tradiciones, barrios, festivales, ceremonias, personajes y vida cotidiana del Centro Histórico de la Ciudad de México. Elizabeth Velázquez Ramírez, a nombre de sus colegas, reconoció la apertura de espacios para mostrar su trabajo que ahora se convierte en historia. Celebran cambios y avances Loredana Montes, directora general del Fideicomiso Centro Histórico, afirmó que la exhibición democratizo el acceso a la cultura, de ahí la importancia que esté en un lugar como el Metro de la capital. Democratizar la cultura, es una obligación moral, gracias a las y los expertos de la lente que lograron captar momentos inolvidables, que retratan este riquísimo Centro Histórico, así es Tenochtitlan hoy. Con esta inauguración estamos celebrando los cambios, los avances y las formas en que hemos vivido porque eso somos, es una fiesta que lo que exhibamos en este lugar”. Muestra permanecerá hasta inicio de 2026 La directora del Museo Archivo de la Fotografía, Lizbeth Ramírez Chávez, dijo que el trabajo de los fotoperiodistas es una base para la documentación histórica. Que nos lleva a saber qué está pasando en el día a día, bueno o malo, hay un antecedente, son fuentes de primera mano”. La exposición permanecerá hasta el 22 de enero de 2026. *DRR* Contenidos Relacionados: Muertos vivientes toman Centro Histórico en Marcha Zombie 2025Brugada anuncia incremento a presupuesto del Centro Histórico de la CDMXPor segunda ocasión, llega bazar de lucha libre al Centro Histórico

Excélsior

En el corazón del Polyforum Cultural Siqueiros, bajo la mirada imponente de La marcha de la humanidad (1967‑1971) de David Alfaro Siqueiros, se vivió un diálogo único entre pasado y presente. Frente a la sinfonía de figuras humanas, máquinas y planetas, el arquitecto mexicano Michel Rojkind ofreció una reflexión sobre la ciudad, la cultura y la arquitectura como narrativa viva durante el Foro 70 Voces.En la entrevista al respecto con MILENIO, el arquitecto explicó que cada proyecto busca generar ecosistemas de significado: “Cuando diseñamos, pensamos en el espacio como un organismo que respira, que dialoga con la ciudad y con la gente que lo habita”.Rojkind también resaltó la dimensión formativa de su trabajo con jóvenes arquitectos: “Que los jóvenes tengan una voz, que la usen. Estudiamos arquitectura para ser arquitectos en el mundo, no solo en México”Rojkind profundizó en la práctica de la arquitectura como acto de generosidad y comunidad. Recordó la transformación que llevó a cabo en la Cineteca Nacional, donde no se trató únicamente de diseñar salas de cine, sino de devolver algo a la comunidad mediante plazas, jardines y espacios abiertos para aprendizaje y cultura. Asimismo, compartió experiencias internacionales. Destacó el proyecto Faith Park en Albania, realizado en colaboración con arquitectos locales y con la participación del primer ministro, también artista, Edi Rama. Este proyecto fue concebido para integrar la arquitectura con la vida de la comunidad, revitalizar la zona industrial y, al mismo tiempo, respetar la identidad y cultura local.Cada proyecto, afirmó, es un ejercicio de empatía, integridad y compromiso que requiere tiempo y presencia consciente: “Aprender a pausar me parece fundamental”.Cultura y vida colectivaEl acto de imaginar, según Rojkind, no tiene límites y se convierte en el núcleo del oficio arquitectónico. Conecta la música, el ritmo y la creatividad con la construcción de entornos significativos, recordando que “imaginarnos, escapar, es volver a mirar el mundo con profundidad. En una cultura que confunde ruido con relevancia y velocidad con progreso, imaginar se vuelve el acto más importante de resistencia”.En este sentido, la arquitectura emerge como un puente entre lo tangible y lo simbólico, donde cada diseño cuenta una historia que integra memoria, cultura y humanidad.En suma, la mirada de Rojkind, en el crisol del Polyforum, es un llamado a la arquitectura esencial, aquella que se niega a ser mero background estético y exige ser un agente de transformación social. En palabras del arquitecto, la arquitectura no solo define el espacio, sino que también modela la cultura y la vida colectiva, recordándonos que imaginar es, al mismo tiempo, un acto de creación, resistencia y transformación social. View this post on Instagram Estética vacíaLa conferencia de Rojkind en el Foro 70 Voces de la Universidad Iberoamericana, combinó la riqueza simbólica del mural con su experiencia profesional, generando un encuentro que fue más que un intercambio de ideas: fue un ejercicio de imaginación y profundidad que resonó con la historia del espacio y con la marcha interior de la humanidad que Siqueiros plasmó en su obra.Rojkind destacó la necesidad de rescatar la profundidad y el sentido en la práctica arquitectónica contemporánea, cuestionando la estética vacía que predomina en muchos proyectos actuales. “Hoy vemos edificios que son bellos en la foto, pero vacíos en la experiencia; la arquitectura debe ser emoción y pensamiento a la vez”, dijo. Asimismo, remarcó que la arquitectura no es solo funcional, sino que debe resonar con lo humano y la comunidad: “Si un proyecto no devuelve algo a la ciudad, estamos haciendo las cosas mal”. La espiritualidad, la pausa y la conciencia en el diseño se convierten así en herramientas esenciales para crear espacios que dialoguen con las personas, la ciudad y el tiempo, considera.A partir de la conferencia que dio el arquitecto, se planea hacer un pequeño filme en relación al diálogo entre Siqueiros y él.hc​

Milenio

Londres. El Palacio de Buckingham acogerá, entre abril y octubre de 2026, una exposición sin precedentes que destacará el legado de moda dejado por la difunta monarca Isabel II en sus 70 años de reinado.

La Jornada

El Cairo. Multitudes de visitantes acudieron ayer al Gran Museo Egipcio (GME) de El Cairo para descubrir la colección casi completa de los tesoros de Tutankamón, expuesta al público por primera vez.

La Jornada

Virginia BautistaCon un precio de salida de entre 17 y 18 millones de pesos, el óleo Retrato de Olga, pintado por Rufino Tamayo (1899-1991) en 1945, en el que inmortaliza a su musa, promotora y compañera de vida, Olga Flores Rivas, es el lote estrella de la Subasta de Arte Latinoamericano de la casa Morton. El remate, que ofrecerá 94 obras, entre pintura, escultura y dibujo, de 65 artistas mexicanos y latinoamericanos, se realizará mañana, 6 de noviembre, a las 17:00 horas en Monte Athos 179, Lomas de Chapultepec, sede de la subastadora. La subasta, una de las más esperadas de la casa mexicana, presentará además piezas de autores como Diego Rivera, Rodolfo Morales, Juan Soriano, Olga Costa, Angelina Beloff, Ricardo Martínez, Luis Nishizawa, José Chávez Morado, Alfredo Zalce, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros, Francisco Corzas, Ángel Zárraga, Miguel Covarrubias y Jorge González Camarena,entre otros. La obra revela la maestría técnica y la sensibilidad del pintor oaxaqueño, al tiempo que nos acerca a su universo personal”, explicó ayer Ana Fernanda Segoviano, especialista del Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo de Morton. Tamayo, uno de los pintores mexicanos más reconocidos a nivel mundial, pintó más de mil 300 óleos, entre los que se encuentran los 20 retratos de su esposa Olga, lo que hace que esta pieza sea tan especial”, agregó. Fernanda Serrano, gerente del citado departamento, comentó que Tamayo “es un nicho importante, pues ha tenido cotizaciones más altas en el mercado internacional. Unas 5 mil subastas han presentado su obra. El mercado más alto de su obra es Estados Unidos, porque, al no ser Monumento Artístico, puede salir del país. Japón es el tercer país que compra Tamayos”, añadió en rueda de prensa. La gestora dijo que es un artista que gusta mucho porque, más allá de la temática social o política, él se centró en “el manejo del color y lo prehispánico. El 90% de sus ventas es obra pictórica. Hizo muchas por encargo, pero se ve poco. Por eso, es un honor compartir este óleo”. Las organizadoras destacaron también el Codex Laud, de Miguel Covarrubias, “resultado de su profundo interés por las culturas originarias y su capacidad para reinterpretarlas desde una visión moderna que conjuga investigación y creación. Además, la escuela oaxaqueña de pintura tiene un lugar especial con obras de Rodolfo Morales, Sergio Hernández y Francisco Toledo, figuras esenciales en la construcción de la identidad plástica mexicana”, señalaron. El códice de Covarrubias tiene un precio de salida de entre 3 millones y 4.5 millones de pesos. Para Serrano, “el arte latinoamericano se ha configurado como un fenómeno complejo que se construye a partir de múltiples perspectivas, geografías y contextos culturales. En los últimos años, la pintura y escultura de la región han alcanzado un reconocimiento internacional que se sostiene con ferias, bienales y subastas, en las cuales se puede medir de manera más precisa al mercado. En tiempos de transformación global, la obra latinoamericana mantiene una fuerte vitalidad que impacta a todo tipo de público y de colecciones”, indicó. El arte contemporáneo latinoamericano se hace presente con obras de Armando Romero, Amador Montes y Miguel Castro Leñero; junto a destacados creadores del continente como Ana Mercedes Hoyos, Alfredo Alcalde García y Edgar Negret, “cuyas propuestas evidencian la pluralidad de lenguajes, materiales y enfoques que caracterizan a la región”. Morton es una empresa con más de 36 años de experiencia, en los cuales ha formado un importante prestigio que la ha convertido en la casa de subastas más importante de Latinoamérica, explicaron las críticas de arte. Durante este tiempo ha sido la plataforma perfecta para que coleccionistas pongan a la venta y adquieran importantes obras dignas de las mejores colecciones. Es la única casa de subastas en México que maneja divisiones especializadas”, concluyeron. TE RECOMENDAMOS: Rufino Tamayo: 5 obras imprescindibles del gran maestro oaxaqueño cva   Contenidos Relacionados: Resignifican la colección semilla de Rufino Tamayo en exposición Digitalizan discurso de Rufino Tamayo; 30 aniversario luctuosoSe celebrará 'Noche de las ideas' en Museo Rufino Tamayo

Excélsior

El primero de noviembre se inauguró el Gran Museo Egipcio, considerado como "el más grande del mundo", pero ¿grande exactamente en qué? Cuenta con más de 10 mil piezas de miles de años de historia y en MILENIO te contamos sobre este.Su importancia es tal que decenas de jefes de Estado asistieron a la ceremonia de inauguración, pues también es considerado como un instrumento de paz y una puerta para el dialogo en medio de las tensiones que hay en el país.¿Por qué el Gran Muse Egipcio es "el más grande el mundo"?El presidente de Egipto, Abdel Fatah al Sisi, lo describió como "el mayor museo del mundo dedicado a una sola civilización". Esto lo distingue de otros grandes museos universales que albergan colecciones de múltiples culturas.Alberga una cantidad impresionante de más de 100 mil piezas arqueológicas, lo que lo convierte en el depósito más grande de artefactos de la civilización del Antiguo Egipto.Un factor clave que atrae la atención es que el Gran Museo Egipcio es el primer lugar donde se expone por primera vez el tesoro completo de Tutankamón en un mismo espacio.¿Qué hay en el Gran Museo Egipcio?El Gran Museo Egipcio ubicado en Guiza, inaugurado completamente al público tras más de dos décadas de obras, es una monumental joya arquitectónica y un centro de preservación cultural que marca una nueva era para la exhibición del legado faraónico.Se encuentra estratégicamente situado cerca de las pirámides de Guiza, ofreciendo a los visitantes vistas inigualables de estos colosos desde su interior.El museo se distingue por una gran fachada de alabastro que le otorga una presencia majestuosa bajo el sol del desierto. La arquitectura y el diseño interior utilizan una luz naranja suave que resalta la belleza de los objetos, y crea un ambiente que envuelve las salas dentro de la historia.Así es el Gran Museo Egipcio:Allí se alberganmás de 100 mil piezas arqueológicasque cubren 7 mil años de historia, desde elEgipto predinásticohasta el periodo grecorromano.Los visitantes son recibidos en el vestíbulo por la monumental figura del faraón Ramsés II, una estatua de 11 metros de altura, 83 toneladas de peso y más de 3 mil 200 años de antigüedad, según informa EFE.El recorrido inicial lleva a los visitantes a subir por unas escaleras que conducen a un gran ventanal con vistas directas a las pirámides,.Hay una gran escalinata que está flanqueado por más de 80 estatuas de faraones, colosos, sarcófagos y estelas del Antiguo Egipto, ascendiendo hacia las galerías principales.La Colección de TutankamónLa Colección de Tutankamón es uno de los mayores atractivos, ya que el Gran Museo de Egipto exhibe por primera vez la totalidad del ajuar funerario de Tutankamón, que consta de casi 6 mil piezas reunidas desde su hallazgo en 1922.Colección de Tutankamón:La pieza que acapara la atención por excelencia es la icónica máscara de oro del joven faraón. Además, se exhiben por primera vez algunas piezas inéditas, como los fetos pertenecientes a las hijas de la reina Hatshepsut, el ataúd de madera y el oro encontrado en el recinto.Es así que, el Gran Museo Egipcio no solo impresiona por su arquitectura monumental, sino también por la magnitud y la belleza de sus colecciones.¿Cómo fue la inauguración del Gran Museo Egipcio?Entre música, juegos artificiales, luces y figurantes, decenas de personalidades famosas asistieron a la inauguración del Gran Museo Egipcio el primero de noviembre.Entre los asistentes se encontraban 80 jefes de Estado, según las autoridades egipcias, entre ellos destacaba el rey de España, Felipe VI y el presidente de Colombia, Gustavo Petro.Se hizo un recorrido visual por las exhibiciones y lo que alberga el museo, guiado por la figura de un niño, presentando la grandeza de Ramsés II, las barcas de Keops y las máscara de Tutankamón.La ceremonia finalizó con el presidente de Egipto poniendo la última piedra de la construcción, misma que encendió.YRH

Milenio

Mauricio Alvarado / EditorCon motivo del 450 aniversario del nacimiento del pintor flamenco Peter Paul Rubens en 2027, los Museos Estatales de Arte de la ciudad alemana de Dresde (SKD) preparan una gran exposición especial en la Galería de Pinturas de los Maestros Antiguos. El foco estará puesto en la importante colección de obras de Rubens que posee la institución, informó el Ministerio de Cultura del estado federado de Sajonia. TE RECOMENDAMOS: Revitalizan legado artístico de Ariosto Otero en la exposición Trazos Y Pasiones En el marco de la conmemoración, Dresde trabaja en estrecha colaboración con la ciudad belga de Amberes, donde el artista flamenco vivió durante muchos años. EL PROYECTO RUBENS El llamado Proyecto Rubens es una cooperación entre la Galería de los Maestros Antiguos, el Museo Real de Bellas Artes de Amberes y la Academia de Bellas Artes de Dresde. El proyecto abarca la investigación y catalogación de unas 80 obras pertenecientes a ambos museos. Como punto culminante de esta colaboración, tanto en Dresde como en Amberes se presentarán exposiciones especiales dedicadas a la obra de Rubens durante el año jubilar 2027. El aniversario de Peter Paul Rubens en 2027 será otro gran hito cultural y turístico para Sajonia. Los Museos Estatales de Arte de Dresde preparan esta exposición con gran intensidad y compromiso”, declaró ayer la ministra estatal de Cultura, Barbara Klepsch. ¿QUIÉN FUE PETER PAUL RUBENS? Peter Paul Rubens (1577-1640) fue el pintor favorito del rey Felipe IV de España, su principal cliente, que le encargó decenas de obras para decorar sus palacios. A la muerte del artista, Felipe VI fue el mayor comprador de los bienes del pintor. Como consecuencia de esto, una robusta colección de obras de Rubens se conserva hoy en el Museo del Prado, con unos 90 cuadros. Nacido en Siegen (actual Alemania) y fallecido en Amberes (actual Bélgica), Rubens, provenía de una familia de origen anverso: su padre, Jan Rubens, fue abogado y huido político por motivos religiosos, y su madre, Maria Pypelinckx, lo crio en Amberes tras la muerte del padre Recibió educación humanística y a partir de 1591 ingresó en el mundo artístico como aprendiz de Tobias Verhaecht, Adam van Noort y Otto van Veen, en Amberes. En 1600 partió hacia Italia, donde absorbió las lecciones de los maestros venecianos y de la antigüedad clásica; a su regreso se convirtió en pintor de corte para los gobernantes españoles de Flandes, lo que le permitió desarrollar un taller de gran escala en Amberes. Sus obras abarcan múltiples géneros —retablos, mitología, historia, retrato y paisaje— y se caracterizan por su dinamismo, brillante colorido y exuberancia sensorial, rasgos emblemáticos del arte barroco. Entre sus encargos destacan los ciclos para la reina madre María de Médicis en París, y su labor diplomática al servicio de la Corona española y la inglesa, siendo incluso condecorado por el rey Felipe IV de España y el rey Carlos I de Inglaterra. Durante las décadas finales de su vida, adquirió una finca en Elewijt llamada Het Steen y exploró el paisaje como tema, a la vez que su taller operaba en toda Europa. Rubens dejó un legado artístico y una influencia que se extendería durante siglos, moldeando la estética del barroco y más allá. Con información de DPA. CONSULTA AQUÍ LAS NOTICIAS DE ÚLTIMA HORA *mcam   Contenidos Relacionados: Restauran pintura vandalizada de Colón en el Museo Naval, EspañaMaría José Romero (1970): Rituales para atravesar el fuegoErnesto Cabrera Valdivieso exhibe el rostro universal de la violencia

Excélsior

En una conversación que fusiona la crítica social, la memoria pictórica y la esencia del arte, José Luis Sánchez Rull (México, 1964) invita a explorar su reciente exposición Jugular Veins. Desde su mirada, el arte no solo es un acto de creación, sino un vehículo para cuestionar la superficie de lo visible y lo banal, adentrándose en un universo donde lo popular y lo culto se entrelazan en un diálogo profundo y provocador.Sánchez Rull revela cómo su trabajo, influenciado tanto por la historia del arte como por su pasión por los monstruos y la caricatura, desafía las ideas convencionales sobre belleza, pureza y el papel del artista en la sociedad.En entrevista, ofrece un recorrido por su pensamiento, técnica y los proyectos que aún le quedan por explorar en su singular universo creativo.Dice que su exposición, en Lancaster 29, colonia Juárez, reúne dos polípticos recientes, Jugular Veins y El duro deseo de durar, acompañados por la serie de grabados Suite San Loco y una selección de pinturas que forman un recorrido por su trayectoria.“El título Jugular Veins hace referencia a las venas yugulares, pero también es un juego de palabras inspirado en una caricatura de la revista Mad, que usa el humor cáustico para hablar de la cultura popular y la condición humana. Este humor sirve como un vehículo para la crítica política y social desde un lugar de aparente vacío, que en realidad está lleno del potencial del espíritu del artista y del espectador”.La muestra está compuesta por 11 pinturas, de las cuales un políptico está integrado por cinco piezas que constituyen una unidad temática. Además, incluye grabados y dibujos policromados que complementan el recorrido visual y conceptual.¿Cuál es el enfoque o estilo artístico que predomina en tu obra?Trabajo con la idea de llevar la pintura al “punto cero”, despojándola de lo superfluo para explorar su esencia como acto. Mi obra se apoya en una pureza que remite a la abstracción, un recorrido que va desde la segunda mitad del siglo XIII hasta el expresionismo abstracto de mediados del siglo XX. Pero no se trata de una pureza formal sin más, sino de una revisión a fondo de esas ideas."Mi trabajo incorpora elementos de humor negro, arquetipos de horror, referencias míticas, y también la inmadurez y los sueños infantiles, todo ello como crítica a la idea moderna del progreso y la pureza absoluta del arte".¿Cómo influye la historia del arte en tu trabajo y qué aportes quieres hacer?La historia del arte para mí no es una línea progresiva sino una especie de entramado donde lo culto y lo popular se mezclan. En mi práctica conviven referencias a El Greco, series animadas de televisión infantil y elementos de caricatura popular. Esto genera un nuevo enunciado para ampliar el registro de lo que significa ser humano. Mi propuesta es absolutamente democrática, sin elitismos; abro espacio para que convivan lo elevado y lo aparentemente banal, explorando lo oculto y lo manifiesto.¿Cómo describes la evolución de tu obra desde los inicios hasta hoy?Desde pequeño tuve fascinación por los monstruos y la caricatura que veía en televisión, algo que me marcó profundamente. En mi juventud, durante mis estudios en Pratt Institute en Brooklyn, me acerqué al formalismo y al expresionismo abstracto. Sin embargo, con el tiempo regresé a mis raíces infantiles y populares, entendiendo que ignorar esa parte sería una limitación. Al integrar una sólida formación en historia del arte, logré construir una obra donde dialogan mis referencias, desde los grandes maestros hasta lo cotidiano y popular.¿Qué importancia otorgas a las técnicas tradicionales sobre las nuevas tecnologías digitales en tu obra?La técnica es simplemente el medio, no el fin. Ya sea una pintura de una cueva prehistórica o una instalación digital, lo esencial es cómo se transmite la idea o emoción. Lo que busco es una técnica que sirva plenamente a lo que la obra quiere expresar. Por supuesto, la técnica debe dominarse a la perfección para que no sea un obstáculo, pero no tengo preferencia estricta por los medios; lo útil y expresivo es lo que cuenta.¿Cuáles son tus proyectos?Estoy interesado en seguir explorando la caricatura, pero orientada hacia el esperpento, esa idea de Valle-Inclán que mezcla lo grotesco y lo absurdo, para abordar temas políticos y sociales desde una mirada crítica, usando figuras como monstruos, idiotas o juguetes populares. También planeo trabajar pintura, dibujo y grabado, proyectos que ya han sido aprobados por el Sistema Nacional de Creadores y para los cuales recibí beca.¿Qué tipo de experiencias esperas que viva el público visite la exhibición?Quiero que las obras provoquen una experiencia estética intensa, casi fisiológica, que conmueva el sistema nervioso del espectador. No se trata de crear “belleza” tradicional sino una sensación que incluya lo inquietante o perturbador, lo que Freud llamaba lo siniestro. La pieza puede tener momentos de “hermosura” o sublimidad, como ante una catarata, pero lo importante es que mueva emociones difíciles de definir, que deje una impresión profunda.¿Cuánto tiempo estará abierta la exposición?Estará abierta hasta principios de enero, aprovechando el periodo vacacional para que el público pueda disfrutarla durante estas fechas.Considerando que eres maestro de historia del arte y tallerista en La Esmeralda, ¿cómo influye esa labor en tu producción artística?Llevo casi 30 años enseñando historia del arte y talleres de producción, lo que me mantiene en constante reflexión y actualización. Preparar clases me obliga a repensar mi trabajo y tener muy claro desde dónde hablo como maestro y artista. Además, el contacto con estudiantes es vital para mantener frescas las ideas y tener un pulso actualizado sobre qué está pasando en el arte contemporáneo, sin dejarse llevar por modas pasajeras sino por el espíritu de nuestros tiempos.BSMM

Milenio

El hotel ubicado en una de las avenidas más emblemáticas de la ciudad inauguró la exposición "Inspiración de vida" del artista César Menchaca, donde se fusionan el arte huichol y la innovación.

Expansión

Nao León El exitoso reality ¿Quién es la Máscara? 2025 ya presentó a todos los participantes de su nueva temporada y, hasta el momento, solo tres celebridades han sido desenmascaradas, gracias a que el botón de salvación ha sido utilizado en tres ocasiones. Esta dinámica ha incrementado la emoción entre los fans, que esperan con ansias cada gala. A partir de ahora, los duelos entre los personajes favoritos comienzan a definir quién permanecerá en competencia. ¿Quién fue el eliminado? En el cuarto episodio de ¿Quién es la Máscara? 2025, ocho concursantes subieron al escenario para sorprender al público con su talento y personalidad. Durante el primer enfrentamiento, el uso del botón “Sálvame” evitó que alguien abandonara la competencia. El personaje que debía quitarse la máscara era Capi Bara, pero fue Anahí quien decidió salvarlo. En esa ronda, los investigadores eligieron a Maestro Bops, mientras que Federico García y Sonny Hamster fueron rescatados por el voto del público. Sin embargo, en el segundo duelo sí hubo eliminación: Monsqueeze y tuvo que revelar su identidad. Detrás del colorido personaje se encontraba nada menos que Jesús Ochoa, el juez que acertó en su predicción fue Carlos Rivera.  ¿Quién es Jesús Ochoa? Jesús Ochoa es un reconocido actor mexicano originario de Hermosillo, Sonora, nacido el 24 de diciembre de 1959. A lo largo de su trayectoria ha brillado en cine, teatro y televisión, participando en producciones como ¿Qué culpa tiene el niño?, Man on Fire y Atrapen al gringo. Además de su trabajo frente a cámara, Ochoa ha destacado en el doblaje, dando voz a personajes entrañables, entre ellos Manny, el mamut de la exitosa saga animada La Era del Hielo, uno de los papeles más recordados de su carrera. Contenidos Relacionados: Eliminados de ‘¿Quién es la Máscara?’: ellos estaban detrás de Sonaja, Bebé y ChupónShiba Moon, la primera eliminada de '¿Quién es la máscara?' 2025; ¿qué famosa era?

Excélsior

La tercera eliminación de La Granja VIP mantiene a los granjeros y a los fans del programa al filo de la emoción.Las votaciones comienzan a revelar las primeras tendencias, aunque la competencia sigue abierta y cualquier giro podría cambiar el rumbo de la eliminación.En MILENIO te contamos cómo van los votos según las encuestas que circulan en redes sociales.¿Quiénes son los nominados de esta semana en La Granja VIP?Esta semana, las nominaciones en La Granja VIP estuvieron llenas de giros inesperados. Desde el lunes, Lis Vega se convirtió en la primera nominada tras recibir el “legado” de Sandra Itzel, quedando en riesgo desde el inicio.Luego, en el duelo de nominación, Sergio Mayer Mori perdió frente a Jawy Méndez, sumándose a la lista de nominados. Más tarde, durante el miércoles de asamblea, Eleazar Gómez y Manola Díez también fueron nominados cara a cara, dejando a cuatro granjeros al borde de la eliminación.Sin embargo, la dinámica del jueves de salvación y el viernes de traición cambió todo. Sergio Mayer Mori ganó la salvación, pero la producción limitó su poder de nominar a granjeros, permitiéndole solo nominar a peones.Mayer Mori salvó a Manola Díez, mientras que los peones Omahi y Kike Mayagoitia fueron agregados a la placa como sanción de la producción luego de que Sergio retara a Adal Ramones en vivo.Finalmente, los nominados de esta semana son:Lis VegaEleazar GómezKike MayagoitiaOmahiCon esta configuración, el público tendrá la decisión final sobre quién seguirá en la competencia y quién podría convertirse en el próximo eliminado.¿Cómo van los votos de La Granja VIP?La tercera eliminación de La Granja VIP ya empieza a generar expectativas entre los fans, y en redes sociales se comienza a perfilar quién podría ser el primer eliminado.Uno de los sondeos más comentados es el de la página Vaya Vaya, reconocida por la precisión de sus pronósticos en temporadas anteriores.En la encuesta publicada el 31 de octubre, los seguidores podían votar por quién querían que permaneciera en la competencia, eligiendo entre los nominados.Hasta el momento, con 24,489 votos contabilizados, la tendencia está bastante reñida:Lis Vega: 33%Kike Mayagoitia: 29%Eleazar Gómez: 34%Omahi: 4%Los números muestran que Eleazar Gómez lidera ligeramente, seguido de cerca por Lis Vega, mientras que Omahi se mantiene con una mínima participación en los votos. Los seguidores del reality continúan comentando y compartiendo sus preferencias, haciendo de esta primera semana un arranque emocionante para la competencia.Mira el video de los votos aquí:Omahi sigue bajo en votos #lagranjavip #encuestavayavaya pic.twitter.com/xiDvt1rp8T— Vaya Vaya (@vayavayatv) November 2, 2025 ​

Milenio

Patricia Azan considera desafortunado que el asesinato de Charlie Kirk, activista y ferviente seguidor de Donald Trump, haya ocurrido a menos de un mes del estreno del episodio dos de la temporada 27 de South Park

El Diario MX

Fotografías, pinturas y esculturas conviven en el Encuentro Cultural por el Día de los Fieles Difuntos

El Diario MX

El paisajista mexicano era un activo apasionado de la ciencia y la botánica; se exhiben por primera obras y objetos del artista

El Sol de México

Inaugura dos muestras que retratan su importancia en el cine y parte de su trabajo en México

El Sol de México

Virginia Bautista/ EnviadaDOHA, Qatar. Visión global. Los qataríes rinden tributo lo mismo al pintor modernista indio Maqbool Fida Husain (1915-2011), que al arquitecto chino-estadunidense Ieoh Ming Pei (1917-2019). Ambos creadores, de quienes se exhiben sendas exposiciones individuales que revisan su vida y obra en diferentes recintos, tienen algo en común: vivieron y trabajaron en Doha. Aquí dejaronsu legado. Qatar es receptivo y abierto al arte internacional. Por lo que ha decidido apostar por la calidad: Ming Pei (autor de la pirámide del Museo del Louvre de París) diseñó en 2008 el Museo de Arte Islámico, el arquitecto neerlandés Kem Koolhaas (Premio Pritzker 2000) proyectó la Biblioteca Nacional de Qatar en 2018 y el francés Jean Nouvel (Premio Pritzker 2008) creó en 2019 la nueva sede del Museo Nacional de Qatar. Hace dos décadas, con la creación de Qatar Museos, una especie de Secretaría de Cultura del estado árabe que posee una población de unos 3 millones de habitantes, se aceleró la creación de la infraestructura necesaria para desarrollar el arte y la cultura. “Este otoño, nos reunimos en una encrucijada notable de nuestra historia para celebrar el 50 aniversario del Museo Nacional de Qatar, los 20 años de Museos Qatar, los 15 del Museo Árabe de Arte Moderno (Mathaf), del Instituto de Cine de Doha, la Villa Cultural Katara y Al Riwaq, el décimo aniversario de la Estación de Bomberos (hoy galería); además de la inminente inauguración de nuestro pabellón nacional en Venecia”, comentó la jequesa Sheikha Al Mayassa Bint Hamad bin Khalifa Al Thani. En la presentación del programa Evolution Nation, la timonel de Museos Qatar comentó que “lo más importante de todo es que estamos celebrando nuestro talento: los creativos de este ecosistema que nos ha permitido crecer año tras año, cada vez con más fuerza”, agregó. “El sistema cultural es vasto y complejo. Y durante las últimas dos décadas hemos podido invertir tanto en nuestro hardware como en nuestro software: el primero son los edificios y el segundo son las personas con talento que hacen realidad nuestros sueños. Estos aniversarios no son simples fechas. Son como una constelación de estrellas que nos conectan en un universo que no sólo nos rodea, sino que nos une al resto del mundo”, añadió. El país asiático se ha convertido en un puente entre geografías. Y esto le ganó ser la sede, a partir de 2026, de la Bienal Art Basel Qatar, que echará luz al arte del sur de Asia, el norte de África, la India y Arabia. Es el quinto país en organizar la feria más importante de arte moderno y contemporáneo, después de Basilea, Miami, Hong Kong y París. La jequesa anunció además que 2026 será el Año de la Cultura Qatar-México-Canadá, y en 2027 seguirán Egipto y Grecia. Además de la realización de una cuatrienal, Rubaiya Catar, en noviembre del próximo año. Por todo esto, el gobierno qatarí invitó a medios de comunicación de varias naciones a visitar la infraestructura cultural que ha permitido que el arte árabe milenario cohabite con el moderno y el contemporáneo. Entre las exposiciones destaca la inmersiva dedicada a Husain, que se presenta en The Rooted Nomad, en colaboración con el Museo de Arte Kiran Nadar de Nueva Delhi (India). El visitante recorre los paisajes que el artista recreó en sus pinturas: la selva, el mar y las montañas de su país natal. Literalmente se traslada a ellos, siente que se moja. La vida, las pasiones y el espíritu nómada del creador se narran con imágenes en movimiento. Sobresale también I. M. Pei: La vida es arquitectura, la primera retrospectiva a gran escala del proyectista. Con dibujos, bocetos, maquetas y material de archivo, la muestra que se puede ver en Al Riwaq explora la práctica de Pei a través de seis áreas de interés que sitúan sus proyectos arquitectónicos en diálogo con trayectorias sociales, culturales. De manera paralela a los homenajes a los grandes artistas, fluye el arte contemporáneo, el arte vivo que recrea los temas que preocupan a la sociedad qatarí, como los refugiados; lo que se puede apreciar en la colectiva We refuse. “La cultura es inseparable de nuestro desarrollo social, económico y medioambiental y, sobre todo, una fuerza que enriquece la vida de nuestro pueblo. Es el corazón de nuestra nación, que une a nuestras diversas comunidades”, concluyó la jequesa. Contenidos Relacionados: Preparan apertura de exposiciones del INAH en EspañaFondo de Cultura Económica regalará 2.5 millones de libros a jóvenesLanzan programa '25 para el 25' para regalar 2.5 millones de libros a jóvenes

Excélsior

Cuenta con impresionantes elementos que recrean un ambiente único en el que se disfruta y preserva unas de las tradiciones más significativas de México

El Diario MX

Se exhiben 435 piezas arqueológicas y etnográficas en cuatro sedes madrileñas: la Casa de México en España, el Instituto Cervantes, el Museo Arqueológico Nacional y el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

El Sol de México

Madrid. La mitad del mundo: La mujer en el México indígena se inauguró ayer en Madrid, convirtiéndose en la mayor muestra de arte precolombino jamás visto en Europa, con una cuidada y exquisita selección de 435 piezas que intentan explicar el inmenso legado de los pueblos originarios en 30 siglos de historia, sobre todo el papel y la importancia de la mujer.

La Jornada

Virginia BautistaDOHA, Qatar.- Un horno enmedio del parque, un dedo gigante en una plaza, sillones de cemento, una piedra sobre otra, gusanos que parecen de goma, torres, sombras o la recreación del número 7, un símbolo especial para la cultura árabe. Obras de artistas de distintas nacionalidades y generaciones, reconocidos y emergentes, cohabitan en el espacio público de Doha (Qatar) cambiando con su presencia el ánimo de los transeúntes. Las diferentes autoridades culturales conciben al arte público como la mejor forma de democratizar la cultura, la más lúdica y directa; buscan que ésta llegue a las personas ahí donde realizan sus actividades cotidianas. Además de las dos esculturas que el estadunidense Richard Serra legó a Qatar, una en el desierto y otra junto al mar, el MIA Park integra el mayor número de piezas de arte público, tanto monumentales como de pequeño formato. Destaca la escultura Rock in Top of Another Rock, de Peter Fischli y David Weiss, de 5.5 metros de altura, integrada por dos rocas de granito en equilibrio aparentemente precario. Una de las más recientes es la instalación Sin pan ni cenizas, del artista tailandés Rirkrit Tiravanija. Me nació la idea de crear un horno público al que la gente pueda acudir para hacer su propio pan o lo que quiera. Que la comunidad lo pueda usar, pensando por supuesto en la economía”, comentó. El artista visual cuyo trabajo se encuentra en colecciones de la zona del Golfo Pérsico, como un conjunto de mesas de ping pong en Beirut, explicó que el horno “es un trabajo que trata mucho sobre la rutina diaria”. Sobre cómo concibe el arte público, destacó éste debe ser utilizable. “Preferiría que no se quedara ahí simplemente parado, sino que pudiera interactuar con la gente. Es difícil decir si eso es arte, porque en realidad es una cocina en funcionamiento. Así que es más bien una plataforma. Simplemente estoy creando el espacio para la convivencia”, añadió. En realidad, para mí se trata más de la gente que del arte. Las personas creando o estando juntas es donde surge el arte”, afirmó. Tiravanija destacó que “si la gente viene y lo usa, y se crea una comunidad a su alrededor, entonces tendrá una larga vida”. Esta pieza es uno de los símbolos de la ciudad. Y, para su inauguración, se invitó a dos chefs y el artista preparó unoscurrys para acompañar el pan, que hornearon diferentes cocineros. MIA Park cobra vida todas las tardes, cuando familias enteras llegan, se acercan, tocan, se suben, se sientan e interactúan con las obras de arte.   Aquí podrás acceder a noticias en tiempo real Conoce lo más viral en Facebook Trending  Lee a los columnistas de Excélsior Opinión   clm   Contenidos Relacionados: Biblioteca Nacional de Qatar, donde cabe todo, menos el silencioMuseo Nacional de Qatar: medio siglo de historia y transformacionesRichard Serra y su monumental escultura ‘East-West/West-East’ cautivan a visitantes en Qatar

Excélsior

Ana AlvarezLa tensión está al máximo en La Granja VIP 2025, el reality show que ha mantenido a millones de espectadores al borde del asiento. Este viernes 31 de octubre, se celebrará una de las dinámicas más polémicas del programa: el viernes de “La Traición”, un giro que puede redefinir por completo el destino de los participantes. En el ojo del huracán se encuentra Sergio Mayer Mori, quien esta semana tiene el poder de decidir a quién salvar y a quién traicionar, un privilegio que lo coloca en una posición estratégica, pero también peligrosa. Las redes ya hierven de teorías sobre su decisión, pues el hijo de Bárbara Mori se ha convertido en uno de los concursantes más observados y cuestionados del reality. Te recomendamos: ¡Adal Ramones en la cuerda floja! Revelan que podría ser reemplazado en 'La Granja VIP' ¿Qué es el viernes de la Traición? El “viernes de Traición” es una de las dinámicas más temidas por los granjeros. Cada semana, el participante salvado el jueves tiene la oportunidad de intercambiar a uno de los tres nominados por un compañero que nunca haya estado en riesgo, cambiando así las reglas del juego. La conductora Kristal Silva lo explicó durante la transmisión: El salvado del jueves tomará la decisión de intercambiar uno de los tres nominados (que no ganaron el juego) por uno de los granjeros que nunca estuvieron nominados. Esto significa que Sergio Mayer Mori puede sacar de la placa a un nominado y poner en su lugar a otro granjero que jamás imaginó estar en peligro. Una jugada que podría desatar conflictos, alianzas rotas y más de una discusión en el campo. Los nominados de la semana Hasta ahora, los nominados oficiales son: Lis Vega, enviada directamente por Sandra Itzel. Eleazar Gómez y Manola Díez, nominados tras la Asamblea del miércoles. Sin embargo, con “La Traición” en juego, todo podría cambiar. Sergio Mayer Mori tiene la posibilidad de salvar a uno de ellos y colocar en su lugar a otro de los 14 participantes restantes: Alfredo Adame, Jawy Méndez, Alberto del Río “El Patrón”, Omahi, Kim Shantal, Lolita Cortés, Fabiola Campomanes, César Doroteo “Teo”, La Bea o Kike Mayagoitia. Los rumores apuntan a que Sergio podría tomar una decisión inesperada, y nombres como Jawy o Teo ya suenan fuerte entre los posibles traicionados. ¿Dónde y cuándo ver la gala de traición? La esperada gala de La Traición se transmitirá este viernes a las 21:30 horas por Azteca Uno, y promete ser una de las más comentadas en redes sociales. Además, los seguidores del reality pueden disfrutar del contenido 24/7 a través de Disney+, con acceso exclusivo a momentos inéditos, reacciones y estrategias detrás de cámaras. Cómo votar por tu favorito Los fanáticos pueden salvar a su participante favorito hasta 10 veces al día siguiendo estos pasos: Ingresa a: tvazteca.com/aztecauno/la-granja-vip/vota Selecciona al granjero que quieras salvar. Da clic en “votar” y listo. Un detalle clave: si tu granjero es traicionado, heredará los votos del nominado que fue sustituido, lo que puede cambiar drásticamente los resultados de la eliminación. Con la decisión de Sergio Mayer Mori en el aire, la expectativa está por los cielos. Su jugada podría redefinir alianzas, desatar enemistades y marcar un antes y un después en La Granja VIP 2025. AAAT* Contenidos Relacionados: ¡Adal Ramones en la cuerda floja! Revelan que podría ser reemplazado en 'La Granja VIP'Morrissey cancela conciertos en México 2025: guía para pedir tu reembolso paso a paso¡Explosiva! Mauricio Castillo revela el temperamento de Manola Díez en 'Otro Rollo'

Excélsior