Teatro

Con una vasta trayectoria cimentada en el Servicio Exterior y la difusión cultural, Gerardo Estrada llega a sus ochenta años con ánimo de seguir la fiesta, “aunque ya no pueda bailar”, dice. Para Gerardo Estrada no hay distancia entre trabajo y amistad, de tal modo que a su paso por distintos cargos logró crear una familia ampliada, entre amistades y colaboradores, que lo sigue acompañando. Su casa ha sido escenario de múltiples encuentros, desde fiestas de cumpleaños y posadas hasta reuniones con altos funcionarios de la cultura o la política. Allí, en esa estancia custodiada por el arte, se fraguaron proyectos y se tomaron decisiones trascendentales para la vida nacional. También se bailó.En esa casa, en Coyoacán, conversamos sobre sus pasiones, su cercanía con los jóvenes, la diplomacia, su labor en la UNAM, la música, los viajes. Cuando le pregunto ¿qué le ha aportado todo esto a su vida?, me responde: “Creo que privilegios, tener la posibilidad de recibir amigos queridos y gente que uno estima. Además, en un tiempo, esta casa se convirtió en una especie de oficina alterna de relaciones públicas, encuentro de personajes que han jugado un papel importante en la vida del país, como Jorge Castañeda y Juan Ramón de la Fuente. Rafael Tovar y de Teresa me pedía que reuniera gente aquí y, como siempre he sido una especie de ‘Suiza neutral’ ante los conflictos de la vida cultural y política, he tenido el gusto de asistir a grandes pláticas. Algunas decisiones importantes han tenido como escenario esta casa. Estoy acostumbrado a recibir gente, a mis colaboradores para diferentes festejos, desde el chofer, Isaías, que se distinguía por bailar muy bien, hasta jefes de departamento, todo mi equipo, mi entorno”.Es parte de tus pasiones, lo mismo que la música. Mi padre, que era médico y se había forjado a sí mismo, me enseñó a oír música. Nunca fuimos a Bellas Artes. Íbamos a la Lagunilla con los amigos a comprar discos, muy modestamente. Recuerdo que escuchaba las danzas húngaras de Brahms y la Quinta Sinfonía de Beethoven obsesivamente. No sé por qué no acabé estudiando música. Mi hermano lo hizo, pero yo no tuve la disciplina.Vives rodeado de obra de arte: Francisco Toledo, Juan Soriano, Mathias Goeritz, entre otros, conviven en estas paredes. Es otra de tus pasiones.Esa fue tardía. Tuve dos pasiones: la música y la literatura. Me acuerdo haber ido con mi padre a las primeras ferias del libro. Me tocó ir a la Ciudadela, comprar novelas de Salgari, de Julio Verne. Me gustaba el olor de los libros, la aventura de abrir la primera página. Las artes visuales me llegaron después. Creo que fue a partir de mi primera visita a Nueva York, al Museo Metropolitano. Era un estudiante de veinte o 21 años cuando descubrí la pintura. Estar frente al arte en vivo jamás será lo mismo que verlo en un libro. Recuerdo también mi primera visita al Museo del Louvre, a los 23 años. Regresé con mi hija cuatro décadas después y redescubrí las obras que había visto.La vida te llevó por caminos que te permitieron la cercanía con las artes, los jóvenes, la política cultural. Ahí está la esencia de tu trayectoria profesional.Quise actuar en la vida política del país y después se me presentó la oportunidad, gracias a Hugo Gutiérrez Vega, de trabajar en Difusión Cultural de la UNAM. Descubrí que era una alternativa a hacer política. La cultura es el espacio más natural donde la expresión, la crítica política, tienen más cabida y donde se dan los primeros pasos de un gran cambio. Los momentos iniciales de la Revolución cubana fueron muy llamativos porque se le dio mucha oportunidad al arte. Además, los primeros síntomas de una crisis social o política comienzan en el arte. Por eso surgen las vanguardias. En México, en los últimos años, hemos tenido una explosión de expresiones artísticas. Yo me precio de haber sido amigo de algunos personajes marginales. El más sociable de todos fue Carlos Monsiváis. Era, al mismo tiempo, marginal y no. Lo mismo Juan José Gurrola, gente cuyas opiniones y acciones influyeron en la sociedad de su tiempo. Yo estudié Sociología por esa curiosidad de saber más de la gente. Me acuerdo que me llamaba la atención esa incipiente pluralidad política que se daba en México en los años sesenta y setenta. Sabíamos que el PRI iba a ganar irremisiblemente. Desde entonces, pensé que hacía falta el diálogo y que el mejor terreno para dialogar políticamente era el de la cultura.Esta manera de acercarte al arte, a las vanguardias, y procurar que diversas corrientes confluyan, entona muy bien con tu trabajo diplomático. Primero dirigiendo la Casa de México en París y años después como director de asuntos culturales en la Secretaría de Relaciones Exteriores.Los diferentes momentos de la vida pública me permitieron tener este espíritu de conciliación. Eso me ha marcado, la idea de encontrar las afinidades más que las diferencias. Nunca sentí que trabajar fuera un problema. He gozado y ha sido una enorme alegría poderme parar cada día y tener algo que hacer.Recuerdo que causó revuelo en Relaciones Exteriores tu decisión de nombrar a creadores e intelectuales como agregados culturales en las embajadas.Eso representó algunas críticas, pero revolucionó la manera de entrar a la diplomacia a través de la cultura. Ha habido grandes personajes que han unido su vida intelectual con su vida diplomática. Por supuesto, Alfonso Reyes. Fue una decisión muy debatida. Es cierto que algunos se lo tomaran como años sabáticos o vacaciones, pero otros hicieron una labor estupenda.Si continuamos con tus pasiones, una de ellas ha sido la de enseñar en la Facultad de Ciencias Políticas de la UNAM.La mayor riqueza de mi vida ha sido dar clases. Son 56 años. No hay nada como los jóvenes y cada semestre es diferente, cada alumno es diferente. A mí me encanta discutir, provocarlos. La mezcla de clases sociales es una maravilla de la UNAM, un reflejo de lo que es el país. Me tocó una época gloriosa de la Universidad y de mi facultad, los años sesenta. Un día, en una mesa redonda, Rolando Cordera me criticó por haber dicho que el movimiento del 68, antes que otra cosa, era cultural. Él decía que la cosa era política. Otros miembros de la mesa argumentaban sobre el “2 de octubre no se olvida”. Está bien, no se olvida, por supuesto que no, pero lo que movió al 68 fue esencialmente la cultura. Eso y la píldora anticonceptiva detonaron movimientos estudiantiles simultáneos en todo el mundo. ¿Qué teníamos en común? La revolución sexual. Eso nos cambió la vida para siempre. Las mujeres descubrieron el sexo, luego se asustaron; los hombres descubrimos mujeres que no eran como nuestras mamás. Fue importantísimo y pasó en todo el mundo, fue una explosión de la cultura. Se comenzó a bailar de otra manera, a hacer un teatro diferente, fue la época del Cinema Novo de Brasil, la Nouvelle Vague en Francia. Las artes estaban en un fantástico momento creativo. Nosotros tuvimos una muestra de todo eso en la Olimpiada Cultural.¿Cómo viviste el movimiento del 68?Todo empezó porque soy curioso y metiche. Estuve en el movimiento desde el 26 de julio, el día que empezó, porque había ido al mitin de solidaridad con Cuba en el Hemiciclo a Juárez. Ahí nos avisan que les están poniendo una golpiza a los estudiantes del Poli que, a su vez, habían ido a protestar por la golpiza de la Ciudadela. De allí en adelante, mencióname cualquier día del 68 y ahí estuve. Fui testigo de primera mano. Me metí con los líderes, que eran conocidos y amigos. Me colé en las pláticas con los representantes del gobierno, Jorge de la Vega Domínguez, Andrés Caso, y, al final, fui de los pocos intermediarios, mientras el movimiento se iba disolviendo. Mi mayor frustración del 2 de octubre no fue el 2 de octubre mismo, sino el olvido de la sociedad mexicana.Tuviste oportunidad de reivindicar esa memoria al crear el Memorial del 68 en el Centro Cultural Universitario Tlatelolco.Esas instalaciones eran de la Secretaría de Relaciones Exteriores y cuando pasaron a la UNAM, lo primero que había que hacer era reivindicar la relación de la UNAM con Tlatelolco y el 2 de octubre. La intención del Memorial fue fantástica, daba una idea de lo que fue el movimiento. La primera versión que se hizo me gustaba museográficamente porque la sala quedó oscura, daba cierta sensación de duelo. Ahora tiene demasiada luz. Nunca ha habido demasiada luz sobre ningún hecho político en México. Todo es oscuro, tenebroso. La UNAM es el espacio más libre de México, sin duda. Hay quien no entiende eso, no entiende lo que es este país. Y los presidentes que han atacado a la universidad, de alguna manera rompen con la historia de México.En tu paso por Difusión Cultural de la UNAM se gestaron proyectos trascendentales: un canal de televisión, un museo de arte contemporáneo, en los que se conjuntó el esfuerzo de diversas instancias.He tenido jefes muy inteligentes, equipos que me siguieron. Ellos fueron los artífices. Muchas cosas no hubieran sido posibles ni en Bellas Artes ni en la UNAM sin la conjunción del esfuerzo privado y el público. He gozado todos mis trabajos y me da mucha emoción, cada vez que voy por la UNAM, saber que colaboré con eso.Crear espacios para la cultura y llevarla a públicos diversos ha sido uno de tus logros. Por ejemplo, se proyectaron, en la explanada del Palacio de Bellas Artes, conciertos y óperas para que cualquiera pudiera disfrutarlos.Metimos cámaras para que se proyectara afuera. Fue una maravilla. La gente comenzó a sentarse en la explanada. Algunos iban pasando con sus bolsas de compras y se detenían. El día que cantó Pavarotti se juntaron 8 mil personas. Para los artistas, fue fantástico salir a dar las gracias al balcón en lugar de hacerlo en el escenario. Cuando Pavarotti salió, fue muy emocionante. Quise probar que la gente afuera tiene la misma sensibilidad y capacidad intelectual que quienes están adentro. El problema de la cultura es de acceso económico, aunque en México es regalada.¿El arte, la cultura, pueden transformarnos, hacernos mejores seres humanos?Antes podía decir que nos hace mejores seres humanos, pero ya no estoy tan seguro. Ayuda, pero no es garantía. Hitler pintaba, le gustaba la música. Los nazis metían al horno a los judíos mientras escuchaban sonatas o cuartetos de Mozart. No es tan simple. La cultura debería hacernos mejores porque después de oír el Réquiem de Mozart uno no puede ser igual. Lo mismo si vas a Oaxaca, a la iglesia de Santo Domingo. ¿Cómo es posible que una obra como el Parthenón, después de siglos, siga emocionándonos? Esa es la magia.Esa sensibilidad, esa magia, has podido compartirla de muchas maneras a lo largo de tu gestión en la cultura.Yo he tenido ese privilegio y lo he compartido. Descubrí que era la mejor forma de lucha política.¿Cómo llegas a tus ochenta años luego de este largo trayecto?Aquí estoy, medio fregado. A veces, me siento insatisfecho, creo que no hice lo suficiente. Algunos me reprochan no haber escrito más. Quizá ya no me dé tiempo, pero trataré de remediarlo. Aunque, si soy honesto, debo reconocer que he vivido y he vivido bien. Como decía Pablo Neruda: “Confieso que he vivido”. No hay más.AQ / MCB

Milenio

Conciertos, obras de teatro, exposiciones y eventos deportivos marcan la agenda del fin de semana en Guadalajara y su zona metropolitana

El Informador

El Teatro Isauro Martínez fue escenario la noche del jueves 5 de febrero de la presentación de La Profesora, obra protagonizada por Sylvia Pasquel y Alberto Estrella, quienes ofrecieron una función que fue bien recibida por el público lagunero. La historia se centra en Ortiz y América, dos personajes adultos que, desde contextos marcados por diferencias familiares y desafíos personales, se ven obligados a enfrentar sus propias batallas emocionales. El montaje transforma el escenario en espacios cotidianos —una oficina escolar y un rincón del hogar— donde se desarrolla una trama que alterna momentos de comedia con otros de mayor profundidad. VER MÁS: Ovacionan a Sylvia Pasquel y Alberto Estrella en el TIM»

El siglo de Torréon

Han pasado varias horas desde la masacre del 2 de octubre de 1968, seis estudiantes se han refugiado en una habitación. En aquel espacio cerrado se desarrolla una asamblea involuntaria. Aquí no hay héroes o mártires, solo personas comunes que decidieron no callar, pero que ahora temen por sus decisiones. En aquel lugar conviven la memoria, el miedo, el amor,la rabia y la esperanza, así como las contradicciones que acompañan cualquier decisión política y humana.Creación original de Víctor Andrade, quien comparte la dramaturgia con Iván Sotelo, a su vez director del montaje, y con un elenco integrado por Begoña Ibarreche, Dafne García, Víctor Andrade, Diego Enríquez, Tannia Dávila, Lorenzo López, Luis Mario Peralta, Natalia Quiroz y Tomás Castro, Pase de lista, es el nuevo musical que estrena el Foro Shakespeare. La obra presenta un relato íntimo: mientras afuera se desata uno de los episodios más oscuros de la historia mexicana, aquí se busca dar voz a quienes estuvieron allí, a los desaparecidos y a quienes siguen diciendo “Presente”.La música original de la puesta toma referencias de los Beatles, la trova latinoamericana y, en general, el espectro rítmico de la época. Esto no solo ilustra la narrativa, sino que constituye el motor de la historia, conecta con la memoria colectiva y toca las fibras emocionales del público. El formato musical resalta la metáfora de alzar la voz, similar a lo que ocurre en marchas y luchas sociales, y hace que el mensaje resuene con mayor fuerza. Sotelo, director y co-dramaturgo, explica:“Aunque muchos de nosotros no vivimos ese momento histórico, esta obra surge de una necesidad de memoria, reflexión y entendimiento que trasciende el tiempo. Representa un acto de cuestionar y exigir cambios pendientes en nuestra sociedad(...) Esperamos que el público se vaya con preguntas, tocado, con ganas de más teatro e historia. Decir ‘Presente’ hoy significa resistir ausencias y violencias, y mantiene la historia abierta”.¿Cuánto y dónde?La obra musical Pase de lista podrá verse hasta el 27 de abril, los lunes a las 20:30 horas, en el Foro Shakespeare. El costo del boleto es de 550 pesos y puede adquirirse en taquilla o a través de la página del Foro.AMS

Milenio

Junto con Lope de Vega y Tirso de Molina, Pedro Calderón de la Barca es uno de los grandes dramaturgos del Siglo de Oro español. Si bien, su obra más conocida es La vida es sueño, La hija del aire es otro portentoso trabajo literario; una historia de ascensión que resignifica la profecía de Semíramis, donde se retrata la libertad, la megalomanía humana y la apoteosis del poder y como todo esto puede llevar a catástrofes irremediables. Ahora llega al Cenart una nueva adaptación, en el marco del 80 aniversario de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT).A cargo de la compañía Luna de Plata, Reflejos del Arte, la obra mantiene su esencia explorando el teatro en verso, al tiempo que se permite una mirada fresca y novedosa. Aquí los ecos del poder y la guerra resuenan e impactan en el texto, junto con las ansias de reafirmar hegemonías políticas para la resignificación de la vida humana en un mundo apocalíptico, un futuro atemporal, confuso y convulso, que cuestiona constantemente la libertad y donde los personajes sucumben a ilusiones y supuestos destinos.En un proceso creativo de trabajo corporal coral, esta primera parte de la obra de Calderón de la Barca encuentra la voz para cuestionar el presente en el que vivimos, donde la protagonista es el reflejo de la humanidad ante la ferocidad de la ascensión al poder y la oportunidad que va construyendo el libre albedrío en nuestro paso por la vida. La dirección, adaptación y musicalización son de Oscar Ulises Cancino.¿Cuánto y dónde?La puesta en escena La hija del aire ofrecerá funciones en el Foro Antonio López Mancera del Centro Nacional de las Artes, del 12 al 22 de febrero (excepto el viernes 13), con horario de jueves a sábados, a las 19:00 y domingos, a las 18:00 horas. El costo del boleto es de 180 pesos (descuentos habituales)ypuede obtenerse en taquilla o a través de la página Cenart.comprarboletos.AMS

Milenio

Esta historia comienza conJosé Pérez, un hombre común con sed de emociones nuevas, que llega al teatro para ver Moby Dick. En escena aparece una niña que le revela que, a través de los libros, es posible vivir historias extraordinarias. Juntos abren uno y la magia ocurre: los personajes emergen y José se convierte en Ismael, protagonista del relato de Melville, confirmando que cada texto encierra una vastedad de aventuras listas para ser descubiertas.Con autoría y dirección de Erika Méndez, quien adapta libremente la obra de Herman Melville, llega Moby Dick (Fomento a la lectura). Esta puesta en escena celebra el juego, laimaginación y la emoción de transformar la lectura en una experiencia escénica viva, física y compartida. La compañía Lagú Danza es la encargada de este proyecto multidisciplinario que combina teatro físico, comedia y títeres para conducir al público por la aventura de Ismael, el capitán Ahab y la ballena blanca: símbolo del indomable poder de la naturaleza frente al cual, inevitablemente, sucumbe el ser humano.Desde el lenguaje corporal, la obra construye una travesía marítima marcada por la intensidad y el vértigo: gestos y desplazamientos que evocan a la tripulación y al oleaje constante. Este pulso físico se equilibra con recursos de comedia, lo que desemboca en un encuentro teatral ágil, accesible y de resonancia emotiva.La narración, a cargo de Gabriel Pingarrón —reconocido por dar voz al director Skinner en Los Simpson y al Doctor Octopus en Spider-Man—, nos lleva por una divertida aventura familiar cuyo elenco está integrado por: Ángel Lara Martínez, Diego Martínez Villa, Frida Ríos Méndez, Carla Eugenia Rodríguez Torres, Lucio Jiménez Cacho Goded y César René Pérez Maldonado.¿Cuánto y dónde?La puesta en escena Moby Dick (Fomento a la lectura) tendrá temporada hasta el 1 de marzo, con funciones los sábados y domingos a las 13:00 horas en el Teatro Helénico. El costo del boleto es de 250 pesos (descuentos habituales) y puede adquirirse en taquilla o a través de la página del Helénico.AMS

Milenio

La obra “¿Duermen los peces?” aborda la muerte desde la mirada infantil y abre un espacio sensible de diálogo sobre la pérdida

El Informador

El Programa de Apoyo a la Infraestructura Cultural de los Estados (Paice) influyó para la construcción de sedes propias de entidades artísticas que continúan una labor incansable en sus comunidades. La reducción de su presupuesto de 600 millones de pesos con que contaba en 2018 a 20 millones de pesos en 2019 (con un leve incremento en siete años) ha dejado prácticamente sin oportunidades de soñar nuevos espacios escénicos desde las agrupaciones independientes. Y como en Paice entran por igual universidades, gobiernos estatales y municipales, la competencia para asociaciones civiles de cultura se evidencia como un piso nada parejo por no decir injusto. Urgente es repensar la convocatoria y separar por categorías con un monto asignado a cada una para que al menos sea claro a qué sí puede aspirar una organización de la sociedad civil (OSC) para no sufrir el desengaño de que algún día se podrá construir un teatro con la aportación gubernamental. Si los artistas o gestores culturales tienen que competir con gobiernos municipales seguramente van a perder. Si tienen que competir con instancias estatales o universidades, también. Separar por categorías con un monto asignado para el país sería un principio de equidad.En la convocatoria del Paice 2026 no se menciona el monto que destinará gobierno federal el presente año, pero si la tendencia continúa como en los últimos significará que se destinará un millón de pesos por entidad de la República si bien nos va. ¿Para qué alcanza eso: una barda, los cimientos, renovar el techo y que no caiga encima de los espectadores? En el sexenio pasado los materiales de construcción subieron de precio entre 100 y 400 por ciento. El acero subió de precio de manera insultante. De no haber interés —que debiera haberlo— de repensar el Paice, se debiera revisar la posibilidad de crear un estímulo parafiscal a manera de la Ley del Espectáculo Público (LEP) puesta en vigor desde 2011 y que ha permitido que las OSC compren predios, casas o bodegas, construyan, remodelen, equipen e incluso animen una programación con un impuesto a los grandes espectáculos (toros, gallos, carreras de autos, conciertos masivos y demás).TraspunteEl ejemplo de ColombiaDesde mi punto de vista, legislar una Ley del Espectáculo Público como la de Colombia se debiera trabajar en paralelo con un Paice renovado y fortalecido. Es necesario que la Secretaría de Cultura federal estudie cómo en 14 años esta LEP ha cambiado el rostro de la cultura escénica de esa nación hermana para bien de sus conciudadanos.

Milenio

Con lágrimas de emoción en los ojos de Alberto Estrella y la felicidad en el rostro de Sylvia Pasquel por haber logrado lleno total esta noche con la obra, La profesora, ambos atendieron a este diario en exclusiva. Alberto y Sylvia recibieron a El Siglo en sus camerinos para celebrar el éxito de su puesta en escena en el Teatro Isauro Martínez. Ambos, con las portadas de este diario en donde figuran con entrevistas previas que dieron sobre su visita externaron su felicidad. "¡Qué lindo público!, sold out. Siempre un teatro llenísimo gratifica mucho. Valió la pena todo lo que hicimos para venir", dijo la hija de Silvia Pinal y agradeció a Rosina Rojas, quien trajo la puesta en escena, su elección. "Ell... Más información -- "Gracias, Torreón, por este lleno total", dicen Sylvia Pasquel y Alberto Estrella»

El siglo de Torréon

La permanencia del proyecto no está descartada e incluso podría revisarse la posibilidad de renovar o readecuar la figura legal

El Diario MX

Una verdadera cátedra de actuación es la que darán hoy Alberto Estrella y Sylvia Pasquel en la Comarca Lagunera. Los primeros actores ofrecerán este jueves la obra La Profesora, en una única función. Será a las 19:00 horas en el Teatro Isauro Martínez y se espera que sea "sold out", ya que la venta va de maravilla. El pasado lunes, Alberto charló con El Siglo de Torreón de su visita y ahora hizo lo propio la integrante de la dinastía Pinal. Hace unos días, Stephanie Salas estuvo en el mismo recinto con una excelente audiencia y Sylvia espera igualar la hazaña. "Ya me dijo mi hija Stephanie que le dieron su boleto enorme de 'sold out', espero que a mí no me defraude mi público lagunero, que yo sé que me quiere bastante como yo los quiero a ust... Más información -- 'La profesora es una caricia al corazón': Sylvia Pasquel»

El siglo de Torréon

La programación incluye producciones impulsadas desde Cultura UdeG

El Informador

“No podemos aburrir al público, sino sacudirlo física y emocionalmente”, afirmó el director de teatro italiano Eugenio Barba (Galípoli, 1936), fundador del Odin Teatret y figura clave del teatro contemporáneo, durante la cátedra que dictó ayer en el aula magna de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México.

La Jornada

El Presidente-Rey es una sátira del presidente estadounidense Donald Trump

El Diario MX

¿Ya sabes que hacer este fin de semana? La ciudad de México siempre tiene actividades para todos los gustos, sólo es cuestión de buscar. The post Tamales, teatro y exposiciones para cerrar el primer mes del año en la CdMx first appeared on SinEmbargo MX.Leer el texto completo en sinembargo.mx

SinEmbargo

En un futuro distópico, unainminente catástrofe provocada por alteraciones en las órbitas planetarias amenaza con suspender la relación entre el Sol y la Tierra. El frío gobierna. Comprar la supervivencia para atravesar la noche eterna se vuelve lo único importante. No todos podrán salvarse. En un mundo oscuro, helado y al límite, donde la supervivencia redefine los vínculos y obliga a volver a mirar —con humor y con vértigo— aquello que nos hace humanos.Esto es lo que presenta la obra Un oso polar decapitado, escrita por David Gaitán,dirigida por Martín Acosta y con un elenco integrado por Verónica Bravo, Pablo Chemor, David Gaitán y Xóchitl Galindres; aquí se construye un inquietante universo para pensar el futuro ante la irrupción de la inteligencia artificial, donde el viaje hacia un porvenir comienza con un oso polar sin cabeza que camina por un planeta cubierto de hielo en busca de lo que perdió.En esta puesta encontramos un impulso creativo y un territorio conceptual donde las preguntas sobre el fin del planeta y la irrupción irreversible de la inteligencia artificial se abordan sin solemnidad, pero con una profundidad que resonará. A partir de ese punto de encuentro, el dramaturgo imaginó un mundo helado, al borde de La Noche Eterna, en el que los humanos comparten el último aliento civilizatorio con robots que, poco a poco, comienzan a necesitar cada vez menos a quienes los crearon. El director Acosta explica:“Es un espectáculo sobre el terror ante el futuro: un conjuro para la supervivencia. Trabajamos con la ingenuidad de la ciencia ficción de los años sesenta para volver a preguntarnos si nuestro paso por el planeta debió ser breve y atravesado por el sufrimiento. Es un montaje que habita la melancolía, el humor improbable y la extraña humanidad de las máquinas. Un sueño en blanco y negro del que solo se despierta para volver a caer”.¿Cuánto y dónde?La puesta en escena Un oso polar decapitado se presentará hasta el 15 de marzo en el Teatro El Galeón Abraham Oceransky, del Centro Cultural del Bosque, con funciones jueves y viernes a las 20:00, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas. El costo del boleto es de 250 pesos (descuentos habituales) y puede adquirirse en taquilla o a través de la página TeatroInbal.SistemaDeBoletos.AMS

Milenio

Es en el centro de la Ciudad de México, por donde nuestro protagonista camina, cuando comienza a encontrar imágenes que lo llevan a una constante búsqueda de aquello que ha perdido. Recorre la ciudad y al mismo tiempo recorre su propia herida, territorio cubierto de asfalto salpicado de nostalgia. Las calles con nombres de países, así como el pasado prehispánico que subyace, son la excusa para relatarnos esta historia de amor permeada por la inocencia, el paso la madurez y la profunda soledad de la ausencia. Se trata de un relato minuciosamente interpretado y saturado de emociones.Memoria en el asfalto, proyecto teatral unipersonal encabezado por la compañía Agreste Teatro, de la autoría de Aldo Martínez Sandoval, bajo la dirección de Daniela Parra y con la actuación de Carlos Ordóñez, es una puesta que nos invita a mirar de otro modo los vínculos y la memoria. A entender la vida de los demás, actuar con empatía, abrazar la transformación personal y aceptar aquello que ya no existe. En los que respecta al dramaturgo, éste nos cuenta:​“Viví en ese lugar muchos años de mi infancia, me protegió y curiosamente hasta el día de hoy, es un sitio al que siempre vuelvo. Es un lugar que me ha dado cobijo. Esta obra es un homenaje a esas sensaciones, a cómo podemos amar profundamente los lugares, a sus personas, a sus recuerdos… y cómo esos recuerdos, a pesar de ser hermosos pueden ser dolorosos”.La puesta en escena, que además estuvo nominada a los Premios Metropolitanos de Teatro 2024, como Mejor espectáculo unipersonal, se construyó desde una lógica colaborativa que atraviesa distintas áreas, impulsada en sus inicios por Carlos Ordóñez.¿Cuánto y dónde?El monólogo Memoria en el asfalto se presentará hasta el 15 de marzo con funciones los sábados y domingos a las 20:00 horas en el Foro Alternativo del Centro Cultural Helénico. El costo del boleto es de 250 pesos (descuentos habituales) y puede adquirirse en taquilla o a través de la página del Helénico.AMS

Milenio

El teatro es una de las artes más bellas, esto porque nos hace reflexionar o incluso recordar cosas de nuestra vida que son llegadoras y profundas, aunque estas sean cotidianas.Precisamente esta es la sensación que te genera La visita del Ángel, una puesta en escena que llega al Foro Lucerna, una obra magnífica que te hará reflexionar y aquí te contamos las razones por las que debes verla.La visita del Ángel, un recuerdo para apreciar el presenteEl teatro nos lleva a mundos reflexivos, a veces más cercanos a nosotros de lo que imaginamos, pues muchos fuimos a la casa de los abuelos y platicamos de mil cosas con ellos, recibimos sus alimentos y por ese breve momento todo el caos del mundo se volvió calma.Eso es lo que significa La visita del Ángel, una obra que nos retrata la cotidianeidad de una pareja de ancianos que, tras tantos años juntos, las palabras ya sobran y saben amarse desde el silencio, desde la calma.A pesar de lo que podría parecer indiferencia, en realidad es complicidad, ambos haciendo sus rituales, como leer el periódico o preparar la comida, un silencio que no es incómodo, pero que se ve abruptamente alejado por “el ángel”.Pero no hablamos de un ser religioso o sobrenatural, sino de la nieta de la pareja, que refleja la energía y la emoción de la juventud por vivir, pero también el respeto y el amor a la familia y los abuelos.La nieta les cuenta todo a los abuelos, quienes la escuchan e incluso se sorprenden por las aventuras de la joven universitaria.Crítica sutil en las historias de la nietaLa nieta cuenta un sinfín de historias y anécdotas de su vida que esconden crítica al machismo, al acoso e incluso a los peligros que actualmente se viven en el país.Pues habla de cómo una de sus familiares fue violentada, hasta que ella decidió dejarlo, aunque vivió un infierno; asimismo, habla del acoso que sufrió su amiga al salir de vacaciones, pero cómo también la pasaron muy bien con unos desconocidos extranjeros, reconociendo que actualmente no puedes exponerte así.La última pláticaAl final de la obra, cuando la nieta se va, la pareja regresa a su silencio cotidiano, pero esta vez algo pasa: al atender el teléfono, la mujer deja la cocina, justo el momento en que al hombre le da un ataque al corazón.Su último momento lo disfrutó con su nieta, escuchando sus historias y amándola, incluso diciendo que ella era el ángel que los visitó.¿Cuándo ver y qué precio tiene?La obra dará funciones los viernes 20:30 horas, sábado 19:00 horas y domingo 18:00 horas, y tiene una duración aproximada de 90 minutos con su intermedio.Los precios, por su parte, están en $500 y los puedes adquirir en las taquillas del Teatro Milán y Foro Lucerna.La dirección corre a cargo de Benjamín Cann y Miguel Santa Rita, mientras que el elenco está compuesto por Juan Carlos Colombo, Silvia Mariscal y Jesusa Ochoa Leñero.

Milenio

Carlos Ballarta se convierte en el primer standupero en presentarse en el Palacio de los Deportes, el 5 de septiembre, marcando un precedente.Aunque se ha presentado en diferentes ciudades de Europa y Latinoamérica, comentó sentirse nervioso ante este nuevo reto y espera llenar el recinto con Naco Ladino,su espectáculo.“Estoy muy contento, emocionado, nervioso y tengo mucho miedo, la verdad. Es la primera vez que estoy en un lugar tan grande, la última vez que estuve con tanta gente congregada fue en el Auditorio Nacional en 2024, estuvo chido y la banda se dejó caer. Cuando nos propusieron poder rifarnos en el Palacio de los Deportes, obviamente me sudó una cola y dije: ´No sé si se va a llenar, no sé si tenemos con queso´”, dijo.El personal de Ocesa -- la promotora que lo presenta-- lo animó a aceptar e incluso compartió que le dijeron que no fuera coyón.“Se hizo sin tantas pausas, porque si me detenía a reflexionar me iba a ganar el miedo y a decir: ´no, no´; y llegamos a la conclusión de que podía ser un evento importante e interesante que sentará la pauta en la comedia en el país”, destacó. El nuevo show de standup comedy se llama Naco ladino, y ser el primero en presentar este tipo de espectáculos en el recinto de Reforma le permite abrir camino a otros colegas y nuevos talentos.“Me gustaría mucho que la banda se aviente y que le den ganas de seguir escribiendo y de seguir presentando su show y de seguir mejorando en su guión y que podamos aspirar a cosas más grandes, que la gente pueda también disfrutar la comedia en espacios más masivos”, dijo. La energía en un lugar más grande cambia porque no hay la cercanía que existe en un bar, foro o teatro, por lo que comentó: “Voy a trasladar el ambiente del barrio festivo. El humor que caracteriza mucho las diferentes zonas de la Ciudad de México y de la periferia termina influyendo en tu forma de ver la vida y en tu forma de hacer humor,En el show estará acompañado por Richie O’farrill, quien en 2012 lo invitó a abrir shows cuando él empezaba y eso le ayudó, además de tener una entrada de dinero, como práctica en el escenario; lo cual agradece así como a otros compañeros como Sofía, Alexis de Anda, quienes lo invitaban cada fin de semana a abrir. También lo van a acompañar Coco Celis.La comedia de Ballarta rompe con lo políticamente correcto y aseguró que a veces ha sentido presión por las reacciones en redes sociales.“He aprendido por razones personales y razones políticas, medio distanciarme un poco de lo que significa interactuar en las redes, en el juego del algoritmo intento no desafanarme completamente, sino tomar un paso atrás y concentrarme en escribir, que es lo que más me interesa y en mi familia”.Hasta el momento no le ha dado miedo tocar algún tema, pero si en un futuro llegara a sentirlo, destacó que lo pensaría dos veces.“Lo que veas que está en el escenario, eso es exactamente lo que quiso decir el comediante, como sea que tú lo interpretes. Voy anotando los pensamientos y luego en la noche me doy un espacio para sentarme a escribir. A veces googleo para leer al respecto del tema de lo que estoy hablando, si hay algún libro en particular intento meterme de lleno. Están los shows de prueba que es donde veo que da risa, que no y voy cambiándolo o dejándolo”.Sobre la comedia considera que la gente ha empezado a entender que no solo es una, que existen diferentes géneros como en la música y retrata la forma de pensar de las personas y termina siendo parte de lo que caracteriza al comediante.Algo que tiene muy claro es que el resto de su vida quiere seguir viviendo de su actividad.“Muchas veces soy muy pesimista y me quedo despierto pensando si mañana la gente no quiere ir a ver comedia, ¿de qué voy a vivir?, y me frustra mucho pensar en eso. Cada vez que estoy chambeando, es como estar poniendo un ladrillo de una casa en la que quiero vivir mucho tiempo, al menos hasta que la vejez no me deje pararme y hablar. Mi plan sería dedicarme a esto hasta el último día de mi vida”, expresó.La escritura le ayuda a contrarrestar los miedos e ir mejorando día con día.“Estoy intentando escribir mucho en otro formato que no sea standup comedy, estoy trabajando mucho en guiones, se publiquen o no, se hagan o no, es algo que tengo que hacer para seguir practicando la escritura”, expresó.ClavesEn febrero se presentará en Australia y Nueva Zelanda.AJR

Milenio

De que lo quieren, lo quieren, de eso no hay duda, y nada mejor que sentirse apapachado en su propia tierra. De nueva cuenta, el lagunero Humberto Zurita fue arropado por sus paisanos al llenar las dos funciones que se ofrecieron ayer de la obra El seductor, en el Teatro Isauro Martínez, un sitio en el que Zurita tiene mucha historia profesional. El artista ofreció dicha comedia de enredos a lo largo de dos horas, acompañado de su pareja, Stephanie Salas, así como de Chantal Andere y Gina Varela. La producción corre a cargo de Gabriel Varela, con quien Humberto ha hecho mancuerna en más de 15 producciones. El martes 13 de enero el elenco visitó El Siglo de Torreón. El torreonense dijo es... Más información -- El arte de la seducción de un lagunero: Humberto Zurita»

El siglo de Torréon

His famed stage trilogy continues to receive international attention. Meanwhile, filming wraps on his new movie starring Javier Bardem and Penélope Cruz

El País

Chantal Andere cuenta con casi 40 años de carrera, tiempo en el que ha contado con el cariño del público y en el que ha demostrado ser una actriz camaleónica, dando vida a personajes, desde cándidos hasta imponentes e intensos. Con motivo de su parada hoy a la Comarca Lagunera con la obra El seductor al Teatro Isauro Martínez, Andere habló ayer con El Siglo de Torreón y además confesó cuál ha sido el mejor regalo que le ha dado su carrera. "Lo que más me halaga es oir a la gente expresarse de mi trabajo. Desde hace muchos años que la gente me adoptó como una actriz importante, como una villana consagrada. Es muy lindo cuando me escriben cosas hermosas en redes o me esperan afuera del teatro para platicar conmigo. "Esta es una carrera que se trabaja todos los días. Que la g... Más información -- 'Hacer lo que más te gusta es una bendición': Chantal Andere»

El siglo de Torréon

Gala Montes se incorporará a la obra Malinche, el musical para darle vida a este personaje principal a partir de marzo y mientras llega esa fecha, dará dos funciones este fin de semana en donde interpretará a la mamá de Malinche, gracias a la invitación directa que le hizo el músico y productor Nacho Cano.“Cuando me invitaron a cantar ‘Mujer contra mujer’ y Nacho estaba y dijo que le gustaba como cantaba y al otro día ya estábamos grabando la canción, después empezaron a surgir más cosas, me invitó a trabajar en Ibiza Paradise, una obra que tiene en España, estuve un par de días y allá me dijo que debería hacer Malinche”, recordó en entrevista con MILENIO.Este viaje le dio la oportunidad de conocer más a Cano y a su equipo. “Nos hemos dado cuenta de que somos un buen equipo, es sumamente importante que alguien como él te elija para hacer este tipo de cosas. Fue una noticia bonita que me invitara a Malinche e importante en mi vida, este es un personaje que había estado esperando toda mi vida”, aseguró.La convivencia con Cano le ha permitido conocer más de cerca su forma de ser, es considerado un ícono en la música, que ha dejado huella, produce y reinventa. “Es una persona muy apasionada por el arte, le encanta hacer arte, es empresario y sabe cómo hacerlo, es sumamente inteligente que ha logrado muchas cosas, por su determinación, disciplina, talento y que también hace familia en donde esté, toda la gente lo cuida y lo quiere, los ayuda y ha becado a muchos mexicanos a España. El éxito nunca lo ha nublado·, contó.Montes ha aprendido de Cano varias cosas y las comparte. “Es un hombre que se arriesga, no tiene miedo al qué dirán, porque sabe lo que está haciendo. Su vida tampoco ha sido nada fácil, para que Nacho Cano surgiera tuvo que pasar muchas cosas, incertidumbre, carencias y eso me motiva, porque si a él también le costó tanto trabajo, habemos personas que lo podemos lograr y no quitar el dedo del renglón, enamorarte de nuevo de tu carrera”, dijo.Sobre el desarrollo profesional de Montes, Cano al comenzar a trabajar con ella le ha dicho que es una buena actriz, que lo hace bien y muestra una verdad en sus interpretaciones.“Me comentó que mi voz es una voz especial, que ha vivido muchas vidas, que soy una persona con mucha disposición, hice hasta lo imposible para ir a España cuando me invitaron, aunque estaba trabajando. Él busca gente que además de talentosa estén dispuestas a arriesgar junto con él”, mencionó.Lo primero que sintió Montes cuando recibió la invitación fueron las ganas de llorar. “Él impone, pero también es de otra generación, me sentí reconfortada y le conté todo lo que me ha pasado en los últimos años, tenemos muchas cosas en común y de la pelea de box, me dijo que aquí tengo una familia y lo tomo con mucho cariño porque este medio es muy solitario y se encuentran pocas personas en esta industria”, confesó.Su primer contacto con la obra será interpretar a la mamá de la Malinche, solo ha tenido un par de ensayos, son escenas claves de la historia, cuando le quitan a su hija y es un momento desgarrador.“Esto es lo primero y en mayo haré el personaje de Malinche, ya quiero tener todo para aprenderme el personaje y debutar con todo. Cuando empecé a trabajar yo no estuve en una escuela a estudiar, desde los seis años estoy viendo, observando, intuyendo cosas y ejecutándolas, para mi estas escenas que voy a hacer son muy emotivas con una niña y es inevitable verme a mi misma”, reflexionó.“El escenario en teatro te da la posibilidad de ofrecer cosas mucho más orgánicas. El desafío de los musicales es cantar y actuar al mismo tiempo, es difícil, soy primero actriz, siempre he querido hacer musicales y siento que estoy lista para esto”, declaró.CST

Milenio

Karol Sevilla se une a la familia del proyecto “Mentiras: el musical” para interpretar en ocho funciones a la carismática secretaria Lupita

El Sol de México

El año pasado, la cantante y actriz Paola Gómez vino a Torreón en tres ocasiones: el 07 de mayo, cuando visitó las instalaciones de El Siglo de Torreón junto a su colega Rogelio Suárez y concedió una entrevista previa a una rueda de prensa que tuvieron en Plaza Cuatro Caminos para promocionar el "Mentiverso" (un show en el que Mentiras, el musical, y Mentidrags hacen sinergia). Dicha presentación la trajo de nuevo a La Laguna el 23 de mayo, donde brilló en el Teatro Nazas junto a Christian Chávez, Michelle Rodríguez, Jerry Velázquez, Lorena Vignau, Fer Soberanes, Regina Voce, Mariana Almazzi y, por supuesto, Rogelio Suárez. No obstante, la nostalgia por los 80 permaneció en la región y volvió para ofrecer Mentiras, el concierto, el 30 de agosto, en un centro de eventos... Más información -- Una 'luz' en el camino de Paola Gómez »

El siglo de Torréon

La Compañía de Títeres Rugao, de China, presentó El encanto de la marioneta oriental en el Festival Internacional Teatro a Mil, en la comuna de Pedro Aguirre Cerda, en Santiago, Chile. El espectáculo provocó aplausos y vítores por varios minutos en el encuentro de artes escénicas más importante de América Latina.

La Jornada

Un grupo de artistas de Tuxpan, Veracruz, ofreció un musical y colorido espectáculo en el Centro Cultural México-Cuba Benny Moré, con el cual arrancaron los festejos por el 70 aniversario de la salida del yate Granma desde aquel puerto hacia la isla caribeña, liderado por Fidel Castro Ruz, con 82 tripulantes, entre los que se encontraban Ernesto Che Guevara y Camilo Cienfuegos.

La Jornada

A partir del enojo contenido por la desigualdad social y lo que esta produce, la escritora Miroslava Rosales (El Salvador) eligió “República del excremento” como título para un poemario. “Un libro con un nombre que puede suceder en cualquier sitio, por ello uso la palabra república, porque conviven elementos entre lo ficticio y lo real”, dice la autora en entrevista.Basada en ese texto, la compañía La Perra Alegría, conformada por Samanta Pizarro (Chile), Adam Arhelger (Alemania) y Omar Guadarrama (México) lleva a escena la obra homónima en la que exploran temas como la migración forzada, las fronteras y la violencia de género.La obra de teatro República del excremento se adentra en la historia de dos mujeres que cruzan la frontera mexicana rumbo a Estados Unidos junto a un grupo de migrantes. Al llegar, ambas se enfrentan a la cruda realidad de un país corrupto que no las acoge. “En el escenario somos tres personas que interpretamos diversos personajes. Con el apoyo de títeres, de música, del cuerpo en coreografía quisimos hacer una especie de collage a partir de esos poemas de Miroslava para tratar de resignificar su poesía en la escena. Cada palabra que Miroslava plasmó en esa poesía dio para mucho, y como creadores escénicos nos llevó a un punto en el que tuvimos que seleccionar algunos poemas, y a partir de eso resignificarlos en la escena”, dice Omar Guadarrama. Crear concienciaSobre la adaptación teatral, la escritora comenta: “Estoy sorprendida por todo el trabajo, que ha sido muy intenso: al buscar los conflictos en el libro, darle forma y acción a los poemas, lograr una estructura teatral, porque esa es otra cuestión y proceso que agradezco. Es una oportunidad única que el libro tenga esta posibilidad de llegar a otras personas a través de la potencia teatral y de atraer distintos públicos y nuevas capas de significación. Ha sido un trabajo arduo, meticuloso y cuidadoso en los detalles”.Para Omar Guadarrama, crear la puesta en escena “ha sido muy enriquecedor y también muy difícil en el aspecto artístico y personal, porque cada uno de los que conformamos este proceso somos migrantes, de una u otra manera.“Poder verter nuestras experiencias a partir de los textos de Miroslava ha sido un proceso muchas veces agotador, en el sentido de que quisiéramos que todo lo que mostramos fuera ficción, pero desafortunadamente no es. Es un proceso que como artistas es necesario compartirlo y hacer conciencia de las problemáticas que estamos pasando, sobre todo en los territorios latinoamericanos”. Al término de la función que darán en el Centro Cultural España México se llevará a cabo un conversatorio virtual con Miroslava Rosales, actividad que a la autora le parece de gran valía y un proceso enriquecedor. “Para mí es importante establecer ese vínculo con los públicos porque son diversos y de muchas nacionalidades. Incluso hay lecturas que surgen y que uno no se imagina, así que es maravilloso escuchar reflexiones y todas las discusiones que se generan”.Para Miroslava Rosales ha sido gratificante ver los procesos por los que ha pasado el libro, que fue publicado en italiano y que este año se publicará en inglés y portugués: “Ha sido interesante ver cómo un libro fluye; pero también la pieza teatral como un proceso de traducción a otro formato. Es interesante ver cómo estos procesos estéticos se van interrelacionando. Es sumamente valioso estar involucrada en ellos porque admiro mucho el trabajo teatral porque cada público es distinto”.La obra se presentará 29 de enero en el Centro Cultural de España México (CCEMx), el 30 en el Goethe-Institut Mexiko y el 5 de febrero en la Torre II de Humanidades de la UNAM.BSMM

Milenio

El actor británico se estrena como director de escena en uno de los escenarios más emblemáticos de Europa

El Sol de México

Su adaptación de ‘Ariadna y Barbazul’, de Paul Dukas, llega al Teatro Real en un montaje que convierte al monstruo del cuento de Charles Perrault en la herida invisible de las sociedades que normalizan la violencia

El País

¿Lograría la especie humanar sobrevivir una catástrofe planetaria y, de conseguirlo, cómo sería la vida? Es el horizonte en el que discurre Oso polar decapitado, que empezó temporada este fin de semana en el teatro El Galeón Abraham Oceransky, donde se mantendrá hasta el 15 de marzo.

La Jornada

Yahir ya había hecho teatro, incluso en 2023 vino a Torreón con Mentiras, pero no se había metido en esta disciplina artística dentro del género de la comedia y ahora lo llevará a cabo gracias a ¿Por qué los hombres aman a las cab...? que vendrá al Teatro Nazas el 31 de enero en dos funciones, 18:00 y 20:30 horas. Debido a su próxima visita a la Comarca, el exacadémico platicó de esta oportunidad teatral que le ha dado el productor Rubén Lara, responsable de tantos éxitos escénicos. "Hay una línea muy delgada entre la comedia y el hacerte el chistoso buscando que la escena te lleve sola por la comedia; son dos cosas distintas y siempre me ha gustado pensar en ese equilibrio que hay en el teatro de comedia, así que ahorita que lo estoy haciendo, lo estoy gozando b... Más información -- 'Es un aprendizaje el teatro como la vida': Yahir»

El siglo de Torréon

Cabaret Orquesta 24 Cuadros bajo la dirección de Atto Attie y Sofía Rozanes regresa al teatro con una transformación, en el Foro La Paz, donde una orquesta en vivo y 11 artistas en escena recrean escenas surrealistas.“Esta es una continuación lógica de lo que tenía que pasar con el proyecto que era la Orquesta 24 Cuadros en el 2015, porque desde el inicio del proyecto una de la premisas fue tratar de colaborar con otros artistas, ya sean visuales, de otras disciplinas, coreógrafos, bailarines y hemos hecho esto a través de los 10 años”, dijo Attie.A la mitad del show hay otro show dentro del mismo con una película con Las Unicornio.“Ellas son tres cantantes que conforman un trío vocal, todo es onírico, surrealista. Hace un año, mi esposa que es coreógrafa y bailarina me dijo: ´Lo único que falta es que esto sea un cabaret´, este no es un cabaret alemán entre guerras ni tampoco es el cabaret mexicano de los 50, tiene elementos porque nos gusta y admiramos la estética, pero es más atemporal”, explicó.El espectáculo es atemporal y su objetivo es mostrar al público diferentes números, donde se involucra no solo la música, sino también el baile, actos circenses y performance, todos con un hilo conductor.“La música de la Orquesta 24 cuadros es el hilo conductor, tocan en vivo todo el tiempo y están sucediendo cosas, hay visuales, hay performance, bailarinas y cantantes, suceden también cosas en donde está el público, es una espectáculo envolvente”, contó.El primer espectáculo evolucionó de manera natural llevándolos al cabaret.“Siempre fue muy ecléctica la música de la orquesta, es rock, jazz, blues, cabaret y muchos de los videos que hicimos fueron coreógrafos y bailarines, por el tono de la música daba pie a experimentar con la cuestión del cabaret. La música tiene que ver con emociones más que con un discurso político, con confrontarse, con hasta dónde la vida puede ser bella, puede ser bizarro y cuando te puedes sentir incómodo y tu punto de vista es distinto al otro”, mencionó.“La gente no decía que parecía música de película, pero sin el filme y fue cuando decidimos transformarlo y agregar la película. El espectáculo dura dos horas y está diseñado para que la gente no se desvele, empezamos a las 21:00 horas y van a ver mucho arte visual, va a ir avanzando con una serie de preguntas que no necesariamente tienen una respuesta, el chiste es generar conversación con el show”, agregó.El concepto aclaró Attie no es un espectáculo pop.“Tampoco es nada experimental, al final la orquesta hace lo suyo y los elementos de circo y surrealismo son lo que le dan un ambiente distinto. Hay mucho público que no quiere ver el mismo show, porque tienen un sentido de la estética mucho más bizarro y gozan mucho esta apuesta y cada vez estamos teniendo más gente”, apuntó.En esta ocasión no recurrieron a la inteligencia artificial porque consideran que no es necesario, en la experiencia de Attie recurrir a esta tecnología a veces lo ha hecho trabajar más que hacerlo de la forma tradicional.“La gente ahora ya no sabe lo que está viendo o escuchando y aquí no hay nada secuenciado, todo está tocado en vivo al 100%, todo lo que sucede en los visuales está hecho manualmente por artistas. No hay nada de inteligencia artificial, no estoy peleado con ella porque al final de cuantas he trabajado con ella, aunque requirió más soporte de trabajo humano que cualquier otro video”, finalizó.Claves La temporada finaliza el 26 de febrero.El ballet lo integran Mariana Mendoza, Natalia Leal y Rocío Gallardo, las cantantes son Zaira Franco, Mayumi Toyoda, Ximena Mor y en la orquesta Atto Attie, Luri Molina, Fer Castañeda, Decko Pérez y Adi Da Silva.AJR

Milenio

Mauricio Islas inició el año con las lecturas de la obra Noches de Danzón en donde es el protagonista, interpreta a Don Julián, un hombre celoso y machista que se enfrenta al Padre Aurelio, quien se acerca a Rosa, su esposa, donde se dan situaciones que los enfrentan, en entrevista con MILENIO habló de este trabajo y sobre el teatro.“Estoy muy contento por la invitación, este tipo de obras me gustan mucho, del danzón que son de época en donde se da cotorreo y ponerte a bailar lo disfruto, hay drama y comedia. Me llama mucho la atención que hoy en día un productor como Jorge Pichardo y un equipo de personas destinen dinero en un elenco tan grande y poderoso, con tanto talento porque no es fácil actualmente hacer teatro”, dijo.La obra cuenta con 15 actores en escena, están Jesús Ochoa, César Bono, Carlos Bonavides, Pedro Romo, Libertad Palomo.“Es importante que apuesten por el arte y que piensen en nosotros se agradece, yo encantado de pertenecer a este elenco y sumar. Con Libertad hice Aventurera, con Pedro estuvimos en Cada quien su vida. Reencontrarme con compañeros me pone bien y empezar el año con trabajo es padre y se agradece”, contó.Don Julián es un hombre machista, eternamente enamorado de su esposa y no quiere que nadie la vea.“Llegan a un lugar en donde todos bailan y su mujer es guapa y él es bravo. El Padre Aurelio es picarón, se hace una serie de enredos y llega un momento en que lo confronto porque como que le echa ojitos a mi esposa”, explicó. Sobre la respuesta que actualmente tiene el teatro por parte del público, Islas considera que le sigue gustando y lo que cree que ha funcionado son los teatros pequeños, en donde la gente tiene mayor cercanía a los actores.“El año pasado estuve supliendo a Alexis Ayala cuando estuvo en La casa de los famosos, en la obra Las mujeres son de venus y los hombres ni madres, ahí me di cuenta que este universo de los teatros más pequeños de 100 a 150 personas funciona. La gente va al teatro cuando se entretiene y en la obra hay un elenco que lo mueve y le toca”, aseguró. View this post on Instagram Para Islas el reto en el teatro está en conquistar a las nuevas generaciones que están metidos en las redes sociales.“Con las generaciones más jóvenes hay que hacerles saber que hay un contacto más directo con el escenario y los actores. El teatro se ha convertido más de nicho, para la gente que le gusta ir al teatro y a cenar”, agregó.Aunque no todo depende del público sino de que la obra pegue, como dice Islas tiene que llegarle a un tipo de público, como sucedió con Aventurera que duró muchos años con Carmen Salinas al frente.“Hay obras que llevan muchos años como las que tiene Alejandro Gou y Sergio Gabriel, que tienen obras que pegaron, creo que más que educar a la gente, es decirle que vengan al teatro porque se van a pasar un buen rato, van a tener contacto con las emociones de manera directa. El teatro me encanta y lo voy a seguir haciendo mientras me inviten”, puntualizó.Su más reciente trabajo en televisión fue su participación en el reality La Isla, aún no tiene un proyecto en puerta, pero espera que pronto llegue alguna otra oportunidad.“En todos los trabajos lo que trato de poner es corazón y buena voluntad. El éxito radica en que te diviertas con lo que haces y yo estaré en donde me quieran y se pueda”, concluyó.Claves Noches de Danzón se estrenará el 13 de febrero en el Teatro Silvia Pinal.

Milenio

¿Qué hacer el fin de semana? Hay mucho teatro y exposiciones en la Ciudad de México para disfrutar y divertirse. Aquí te contamos. The post ¿Qué hacemos este fin? La Ciudad de México tiene teatro, exposiciones, arte y música first appeared on SinEmbargo MX.Leer el texto completo en sinembargo.mx

SinEmbargo

Estrenada en febrero de 1895 en el St. James’ Theatre de Londres, La importancia de llamarse Ernesto fue la última creación de Oscar Wilde (1854-1900)y es considerada su obra más perdurable y entrañable. Desde el título original en inglés: The Importance of Being Earnest, el dramaturgo británico de origen irlandéshizo un juego de palabras con el nombre propio “Ernest” y el adjetivo “earnest”, que significa serio. Este doble sentido se pierde al traducirse al español.Ahora, esta divertida y crítica puesta llega a las pantallas del Lunario del Auditorio Nacional gracias al ciclo de transmisiones National Theatre Live, que lleva lo mejor del teatro británico a escenarios de todo el globo.Filmada en vivo desde el escenario del Lyttelton en el National Theatre de Londres, esta sátira sobre la moralidad y el ritual social del romance, narra las dobles vidas de Jack, un respetable hombre de campo, y Algernon (Algy), dos amigos que adoptan identidades falsas para conquistar a dos damas codiciadas que exigen absoluta honestidad, lo que desata una divertida red de enredos, suplantaciones y secretos a punto de revelarse. “Los puristas podrían buscar sus sales aromáticas en el reestreno desenfrenado de La importancia de llamarse Ernesto en el National Theatre. Sin embargo, los espectadores más aventureros seguramente se divertirán de lo lindo con esta versión (a menudo literalmente) desenfadada. Con un pie en el presente, logra la invención verbal y el ingenio del clásico de Wilde estrenado en 1895 en el histórico St. James’ Theatre de Londres, a la vez que incorpora música contemporánea, alguna palabrota ocasional y una sensibilidad decididamente queer”, escribió sobre esta versión Matt Wolf para el New York Times.¿Cuánto y dónde?Inicia el 2026 con la clásicapuesta La importancia de llamarse Ernesto, parte del ciclo National Theatre Live; la proyección tendrá lugar el domingo 25 de enero a las 13:00 y 18:00 horas, en el Lunario del Auditorio Nacional. El costo del boleto es de 550 pesos y puede adquirirse en taquilla o a través del sistema Ticketmaster.AMS

Milenio

El programa México en Escena-Grupos Artísticos (MEGA) del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales de Secretaría de Cultura federal (que nació inspirado por un programa similar del gobierno colombiano: Salas Concertadas) es de los pocos estímulos que aún existen para lograr la pervivencia de los Espacios Escénicos Autogestivos o Independientes, si bien hoy resulta insuficiente en términos presupuestarios y de cantidad de estímulos. En el Sacpc (antes Fonca) siguen preguntando a las agrupaciones, a partir de la filosofía capitalista de la economía naranja, ¿cuándo y mediante qué mecanismos van a terminar por ser autosustentables? Lo cual no es retórica sino una construcción maniquea que busca seguir criminalizando a los agentes culturales como ocurrió todo el sexenio pasado. La respuesta es: nunca. En dos artículos que publiqué en La Jornada Morelos el año pasadose documentó a partir de una encuesta con foros escénicos de la Asociación Nacional de Teatros Independientes (ANTI) cuánto cuesta levantar telón, cada día, y cuál es el ingreso de taquilla. Los resultados son abrumadores, cito:“Los montos por levantar telón cada día van de los 3 mil a los 7 mil pesos dependiendo de la entidad y de la ciudad donde se ubica, así como el aforo del espacio.En cambio, las taquillas que producen los espacios, las más de las veces, no cubren siquiera los gastos de operación (diaria). Es decir, producir cultura escénica no es rentable; como tampoco lo es en los teatros institucionales. Si se hace un análisis de lo que cuesta a los organismos culturales gubernamentales o universitarios levantar telón veremos que es el mismo caso, salvo que se cuente con un presupuesto anual para ello. Que no sea rentable no quiere decir que no sea necesario. Sin embargo, todavía con el tufo de la ideología que hay detrásde la economía naranja, se pidea los espacios escénicos —que son deinterés público— que sean autosustentables”.TraspunteEn ColombiaLa Ley del Espectáculo Público (LEP) de Colombia entró en vigor y en 14 años ha cambiado el rostro de la cultura escénica de ese país. así como la vida social, barrial y comunitaria. Entre otras cosas, con ese estímulo parafiscal, la LEP ha contribuido a la manutención no precarizada de los Espacios Escénicos Autogestivos.

Milenio

Clue, el juego de la sospecha, bajo la producción de Morris Gilbert, festejó 400 representaciones en el Teatro Centenario, donde se dieron cita Edgar Vivar, Armando Hernández y Fernanda Tapia quienes fueron los padrinos de la placa.“Buenas noches a todos, qué bien se las han pasado todos, los queremos contratar como público para todas las noches, son un gran público y le han hecho justicia a la obra, como saben estamos celebrando nuestras primeras 400 representaciones”, dijo Morris Gilbert ante el aplauso sonoro del público.“Hace más de un año que estrenamos aquí en este teatro donde hemos sido tan bien recibidos tanto por Gerardo Quiroz como su equipo, como por usted el público que son para quienes trabajamos. Hacía muchas reflexiones ahora que veía la función, si alguien me hubiera dicho hace un año cuando pusimos el candil con la música de El fantasma de la ópera, que íbamos a estar haciéndola no me lo hubiera creído”, recordó.Presentó a los tres padrinos para develar la placa: Edgar Vivar, Fernanda Tapia y Armando Hernández, quienes entre aplausos subieron al escenario, cada uno dirigió un mensaje y leyeron los nombres de los actores que han participado en esta puesta en escena.“Cobren por esto”, bromeó Vivar al subir al escenario. “Es maravilloso tener un trabajo tan bonito, donde se divierten, hacen que el público se divierta y hacen cosas bonitas, de eso se trata la vida, de hacer cosas bonitas. Yo quiero elevar un aplauso desde aquí no solamente para ustedes, que lo han hecho muy bonito, han comunicado cosas muy bonitas, han hecho reír a la gente que eso es un compromiso muy grande, también felicitó a los productores, gracias Morris”, expresó.Armando Hernández confesó antes de entrar a ver la obra, que este era su debut como padrino de placa en un obra, ya la había visto anteriormente y aceptó feliz develar la placa. “No es cebollazo, pero saben que Morris Gilbert y Mejor Teatro son garantía de calidad y buen espectáculo porque cuenta siempre con una gran producción, un gran escenario y equipo de producción, vestuario, pero sobre todo con un gran equipo tan talentoso de actores, felicidades a cada uno por la entrega, pasión y talento”, confesó Hernández. View this post on Instagram Fernanda Familiar agradeció reír con esta obra sobre todo por la época que se vive mundialmente y le pidió a la gente que siguiera asistiendo a ver las obras de teatro para apoyar al gremio.“Gracias porque nos hacen olvidar cualquier cosa que esté pasando y soltarnos, es una maravilla, felicidades por el trabajo que están haciendo, gracias por regalarnos esta obra, llegar a 400 representaciones quiere decir que algo está bien hecho, un aplauso para todos”, aseguró.La obra está basada en el juego de mesa del mismo nombre donde seis sospechosos irán descubriendo quién es el culpable de un o varios crímenes que se llevan a cabo en una mansión en donde son citados, porque cada uno es extorsionado por un misterioso personaje que guarda los secretos oscuros de ellos y para no revelarlos les pide dinero. OAGP

Milenio

El Palacio de Bellas Artes presentará un tributo a Juan Gabriel y José José con una gala operística encabezada por el tenor mexicano Arturo Chacón-Cruz, quien regresará al máximo recinto cultural del país para rendir homenaje a dos de los íconos más importantes de la música popular mexicana.De acuerdo con la información oficial, el reconocido tenor mexicano encabezará una gala dedicada a los intérpretes de Querida y El triste.¿Cuándo será el homenaje a Juan Gabriel y José José en Bellas Artes?El concierto se llevará a cabo el domingo 8 de febrero a las 17:00 horas en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes, ubicado en Avenida Hidalgo No. 1, colonia Centro, alcaldía Cuauhtémoc, en la Ciudad de México.La función forma parte de la programación del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).El INBAL señaló que “el reconocido tenor mexicano Arturo Chacón-Cruz regresa al escenario del Palacio de Bellas Artes en una gala dedicada a dos íconos inmortales de la música popular mexicana: José José y Juan Gabriel”.El recital contará con el acompañamiento de la Orquesta del Teatro de Bellas Artes y el Estudio de la Ópera de Bellas Artes, bajo la dirección concertadora y pianística de Abdiel Vázquez. También participarán integrantes del EOBA, beneficiarios del Programa de Residencias Artísticas en Grupos Estables del INBAL (PRAGEI).Precios de boletos para el tributo aJosé José y Juan Gabriel enPalacio de Bellas ArtesLos boletos estarán disponibles en distintos rangos de precio, de acuerdo con la zona del recinto. Los costos establecidos son:Luneta 1: 1,500 pesosLuneta 2: 1,250 pesosAnfiteatro bajo: 1,000 pesosAnfiteatro alto: 750 pesosGalería: 250 pesosEl INBAL informó que se aplicará un 50 por ciento de descuento para personas adultas mayores con credencial vigente. La institución también precisó que la programación estará sujeta a cambios, conforme a los lineamientos habituales del recinto.El tenor mexicano Arturo Chacón-Cruz regresa al @PalacioOficial con una gala dedicada a Juan Gabriel y José José, dos figuras fundamentales de la música popular mexicana.Acompañado por la Orquesta del Teatro de Bellas Artes y el Estudio de la Ópera de Bellas Artes, el… pic.twitter.com/GODFKgTe25— Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (@bellasartesinba) January 21, 2026 APC

Milenio

Temas esenciales como la condición humana, los excesos del poder, la violencia, la identidad, la memoria y el deseo –“expresados en lenguajes escénicos actuales”– constituyen la columna vertebral de la Temporada 2026 de la Compañía Nacional de Ópera (CNO).

La Jornada

Ninel Conde está lista para volver a la Comarca Lagunera, pero esta vez no cantará a sus fans sus temas como El bombón asesino”; llegará a mostrar su faceta de actriz. Ya está confirmado el retorno a Torreón de la obra de teatro, ¿Por qué los hombres aman a las cabronas? con la presencia de Conde. Además de la exhabitante de La Casa de los Famosos México, vendrán Yahir y Laura Flores. En sus redes sociales, ellos ya han posteado varios videos informando de su visita a La Laguna.      La cita será el sábado 31  de enero en dos funciones: 18:00 y 20:30 horas. Los boletos se encu... Más información -- Ninel Conde pisa de nuevo la Comarca Lagunera, ahora en su faceta teatral»

El siglo de Torréon

Sin pies ni cabeza es una obra teatral dirigida a las infanciasque acerca “a los chicos a crear un criterio de su entorno, a mostrarles que somos seres políticos y a construir un pensamiento que los conduzca a defender sus ideas y tener una postura frente a lo que uno cree”, dice Quy Lan Lachino, directora de la puesta en escena.La pieza, que será representada el 20 y 21 de enero en el Teatro Hidalgo por la compañía Ráfaga Teatro, fue escrita por Jaime Chabaud. Se trata de una historia desarrollada en un mundo parecido al nuestro y donde la catástrofe parece inevitable, pero lo habitan tres insurrectos: Klap, Zlot y Zock, que elaborarán un plan para detener al maligno Señor Cabeza.¿Cuál es el plan de ese temible personaje? El Señor Cabeza ha decidido comerse los cerebros del planeta para apoderarse del pensamiento libre, el amor y la libertad. Sin pies ni cabeza construye una ficción que invita a reflexionar, desde el humor y la acción, sobre la resistencia y la imaginación como formas de supervivencia.“En la obra hay alrededor de 20 personajes en escena, pero interpretados por tres actores. Esta pieza se cuenta desde el lenguaje gestual y del cuerpo, entonces nos vamos transformando en diferentes personajes. Sobre la técnica que usamos se llama espacios mínimos o banda mimada, que, a través de estos juegos escénicos, nos transformamos y vamos cambiando de personajes”.En ese sentido, la puesta en escena se desarrolla sobre una plataforma de apenas un metro cuadrado, donde todo es narrado desde el cuerpo, sin escenografía ni utilería, utilizando el teatro físico, gestual y el alto contraste visual del vestuario inspirado en la estética del cómic y la caricatura.“Las herramientas que usamos para contar la historia es el cuerpo. El vestuario nos apoya, pero justamente el tema del espacio se vuelve interesante porque, como es en un espacio mínimo, eso nos obliga a proyectar con el cuerpo, así que nos exige crear todas las escenas, los lugares, los objetos y personajes, apoyados con el vestuario”.La dramaturgiaQuy Lan Lachino comenta que ha sido representada con anterioridad y eso la ha llevado a la consolidación. “La hemos presentado en diversos recintos y en festivales en Costa Rica, Túnez y Egipto; en este último sitio nos otorgaron un reconocimiento como Mejor Obra de Teatro Extranjera”.Para su directora es importante destacar que en esta puesta en escena se abordan otras temáticas como la amistad, la confianza, el trabajo en equipo, la identidad, la importancia de defender las ideas propias, así como el criterio y el valor del trabajo en grupo.En cuanto a la dramaturgia de Jaime Chabaud para esta obra: “El maestro no se ciñe a espacios o a que una historia teatral se cuente solo en un lugar. Es muy creativa la escritura de esta obra; también me parece muy contestataria porque está presente la violencia que vivimos en nuestro país, en este contexto, aunque la obra fue escrita en 1994. El discurso habla de esta violencia, de este desmembramiento de la sociedad y literalmente de los cuerpos que encontramos por el crimen organizado; además de la participación del Estado con el uso de la fuerza para imponer sus ideas o una manera de pensar o estar”. Y agrega: “Me parece muy interesante su analogía y que pueda hablarle a las infancias desde este lugar lúdico y que también vaya acercando a los chicos a un criterio de su entorno”.Con acceso libre, Sin pies ni cabeza se presentará el martes 20 de enero, a las 16:00 horas, y el miércoles 21 de enero, a las 11:00 y 16:00 horas en el Teatro Hidalgo, avenida Hidalgo 23, colonia Guerrero.BSMM

Milenio

La obra, que se ha presentado en lugares como Londres o Broadway, cuenta con un gran nivel en México lo que la ha llevado a ser una de las favoritas. The post La obra que sale mal celebra 700 funciones de gran humor y carcajadas first appeared on SinEmbargo MX.Leer el texto completo en sinembargo.mx

SinEmbargo

La obra nos presentará un momento cotidiano en la vida de una pareja de adultos mayores. Una obra imperdible para los amantes del teatro. The post La visita del Ángel, una obra acerca del amor incondicional de los abuelos first appeared on SinEmbargo MX.Leer el texto completo en sinembargo.mx

SinEmbargo

La Martha Graham Dance Company anunció que ya no actuará en el Kennedy Center en abril, sumándose a una serie de otras cancelaciones en el histórico centro de artes escénicas a raíz de la controvertida toma de posesión de Donald Trump.

La Jornada

A más de 40 años de su primera presentación, La visita del ángel, del escritor Vicente Leñero (1933-2014), no ha perdido vigencia. Entre sus temas resaltan aspectos que aún permean en el México contemporáneo, como el acoso a las mujeres y la violencia intrafamiliar, el caos y la contaminación en la ciudad.

La Jornada

Hace 15 años, los actores coincidieron en uno de los melodramas más recordados de la televisión: “Teresa”; ahora se reúnen en teatro

El Sol de México

El espectáculo artístico Los hijos del azar, interpretado por el dueto Marijosé Muriedas y Josué Marco Gómez, es una mezcla entre danza y teatro creada a partir de textos de Rosario Castellanos, Julio Cortázar, Samantha Schweblin y Cristina Peri Rossi.

La Jornada

Interpretar a Rebeca en Mr. Gwyn ha sido para Angélica Bauter (Ciudad de México, 1987) un viaje profundo hacia la escucha y la conexión con el otro. Se trata de un personaje impactado por el dolor, pero también por una inteligencia emocional que le permite mirar más allá de sus propias heridas.

La Jornada

Remontarse al México de 1986: el estadio retumba con la épica derrota ante Alemania en penales, la nación entera sucumbe a la fiebre pambolera y, en una humilde fiesta de cumpleaños, un niño de cinco años lidia con el peso de las expectativas familiares. “Todo gira alrededor del futbol. Mi familia lo vive, pero yo no sé cómo decirles que no me gusta porque siento que los decepcionaré”, relata el protagonista de Bambis dientes de leche.Escrita por Antón Araiza hace 13 años, esta obra no es solo un monólogo: es un himno a la diversidad, la inclusión y el coraje de ser auténtico en un mundo de pasiones colectivas. Hoy, con el Mundial 2026 coorganizado por México, Estados Unidos y Canadá a meses de iniciar, Bambis regresa revitalizada. Fusiona tap, stand-up y trapeo escénico en una hora que deja al público riendo, reflexionando y, sobre todo, conectado.Desde su estreno en diciembre de 2013 en el Foro El Bicho, ha acumulado más de 200 representaciones en la República Mexicana. Ganadora de convocatorias clave como Escenario Cultura (que la llevó al Teatro Julio Prieto en 2025) y ahora del Programa Nacional Escenarios IMSS–Cultura 2025-2026, la obra demuestra la resiliencia del teatro independiente ante la precaria situación económica cultural federal. “Quién sabe cuántos años durará este monólogo o si seguirá vigente”, se pregunta Araiza, pero los hechos hablan: cuatro mundiales —Brasil 2014, Rusia 2018, Qatar 2022 y el venidero 2026— han sido testigos de su evolución.Antón Araiza, actor, autor y alma de la puesta dirigida por David Jiménez Sánchez, comparte con MILENIO los orígenes de la obra: “La escribí para llenar teatros y desmitificar el monólogo como figura aburrida. Actualmente hay muchos, pero más comerciales; Bambis busca divertir, reír y conectar”. El futbol permea a todosNacida entre 1999 y 2000, la obra captura el México de 1986 visto desde ojos infantiles: “El protagonista tiene cinco añitos. Cuenta una situación límite en su fiesta: le regalan la inscripción al equipo Bambis dientes de leche, y él, que prefiere montar a caballo, debe confrontar a papás, tíos y primos futboleros”.La obra sigue vigente porque quienes vivieron en 1986 están vivos. Para los que tienen más de 50 años, evoca la niñez y la juventud, para los de 70-80, la paternidad. El futbol permea a todos: guste o no, los une. Sin embargo, los cambios sociales potencian un mensaje sobre identidad, diversidad, inclusión y relaciones familiares, dice Araiza. “La puesta en escena captura el derecho a educar diferente, padres e hijos en equipo. El público lo valida: tras las funciones, padres cuestionan si sus hijos son felices en clases impuestas. Un adolescente, inspirado, convenció a sus papás de cambiar de carrera. Si eso pasa, es una ganancia. La escribí para que la gente fuera al teatro y se la pasara muy divertida”.El título, obra maestra de engaño ya que no evoca cuentos infantiles, es el nombre del equipo de futbol al que inscriben al niño. Al oírlo, el público reacciona: “‘¡Cómo!’ Luego, entiende y se queda con el ‘Bambino’. Siempre me dicen: ‘¿Ya no vas a poner Bambi?’”, ríe Araiza.—¿Es una obra sobre el deporte más popular pero contra él?El niño estudia el futbol, lo desmenuza científicamente y dice “no me gusta”. Pero acepta algo, las semejanzas que tiene con el teatro, con la presencia escénica en equipo. No lo practica, pero lo siente próximo. Se dedica a algo con escenario y colaboración, trascendiendo el pretexto futbolero, no es sobre goles, sino sobre metáforas de vida, de trabajo en equipo desde su cancha: sociedad, familia e identidad. Averigua, cuestiona y se forma una postura auténtica contra la mayoría.—¿Cómo engancha y provoca reflexión? Con los elementos escénicos mágicos, de estar estático a resbalones en lona con agua, es algo visual para los jóvenes. Tiene un discurso fresco y directo, pues arranca en una fiesta con pastel, piñata y amigos. Todos hemos tenido una fiesta de cumpleaños, pero se muestra el estado incómodo del festejado. Ante eso, los padres en las funciones miran a hijos y conectan.Araiza dice que se narra el partido de futbol del Mundial de 1986 entre México y Alemania bailando tap, “lo que potencia la narración. Evoca para quienes no lo vivieron, revive para quienes fueron testigos. Un espectador de la época me confirmó que así fue, lo logré con investigación rigurosa y actualizaciones anuales que mantienen la frescura de la obra. El futbol y el teatro congregan multitudes en un instante vivo”.El niño entiende por qué a la mayoría le gusta el futbol, pero elige su cancha: el teatro, aun cuando en tiempos de Mundiales resuenan derrotas y victorias que entran en la memoria colectiva, como recuerdos de Bambi. Frente a la crisis cultural, Araiza apuesta por la vigencia: lejos de lo obsoleto, se potencia con diversidad e inclusión.Las funciones de Bambis Dientes de Leche forman parte del programa Escenarios IMSS–Cultura 2025-2026, una colaboración entre el Instituto Mexicano del Seguro Social, la Secretaría de Cultura y el Inbal. Se presentará en 25 teatros de 14 estados del país de manera gratuita para un público familiar. En Ciudad de México se montará en el Teatro Félix Azuela (Manuel González 386, Nonoalco Tlatelolco) el 16 de enero a las 19:00 horas, el 17 a las 18:00 y el 18 a las 17:00. En el Teatro Julio Prieto Xola (Xola 809, Del Valle), el 23 a las 20:00 horas; el 24 a las 19:00 y el 25 a las 18:00 horas.PCL

Milenio

Para el argentino, todo vale a la hora de desplegar argumentos para la ficción … y la realidad. Su nueva obra teatral, ‘PLAY’, investiga el odio

El País

Lluvia, frío y retrasos en vuelos, fueron los inconvenientes que Humberto Zurita tuvo que sortear para volver a su tierra y no lo hizo solo, sino muy bien acompañado y apoyado por Chantal Andere, Stephanie Salas y Gina Varela. Y es que, ante todo el profesionalismo, porque los cuatro tenían que estar en la Comarca para promover la obra El Seductor muy puntuales la mañana de este martes y lo lograron. Dicha puesta en escena abrirá telones el 28 de enero en el Teatro Isauro Martínez en dos funciones: 18:00 y 20:00 horas. Por ese motivo, los actores visitaron El Siglo de Torreón. Dieron todos los detalles y nos compartieron detalles de sus respectivas carreras. El primero en tomar la palabra fue Humberto, a quien se le veía feliz de acudir a su terruño y a este diario, que ha sido testigo de su carrera desde sus inicios. "Torreón tenía que estar en el itinerario de El Seductor. Siempre que salgo de gira incluyo a la C... Más información -- Artistas 'seducen' a La Laguna »

El siglo de Torréon

En la obra Claroscuro, la actriz y bailarina María Fernanda Baez reflexiona sobre la dualidad inherente a la condición humana al explorar la luz y la oscuridad, el duelo y la esperanza, el dolor y el placer. La pieza se presenta este fin de semana en el Teatro Cuauhtémoc de Naucalpan, en el estado de México.

La Jornada

El año 2026 encuentra a Broadway en un momento de recalibración.

La Jornada

En un entorno donde la danza trasciende fronteras para anclarse en lo más íntimo de nuestra identidad, Claroscuros emerge como una obra vibrante que fusiona lo global con lo profundamente mexicano. Creada por la coreógrafa María Fernanda Baez, esta pieza colaborativa invita al público a explorar las dualidades de la existencia, luz y sombra, placer y dolor, esperanza y pérdida, a través del lenguaje corporal.Por su fuerza y propuesta artística, esta obra fue seleccionada para presentarse como parte del programa del IMSS, Fidteatros y la Secretaría de Cultura a través del Inbal.​Las funciones serán gratuitas y se llevarán a cabo en los teatros Cuauhtémoc, en Naucalpan, Estado de México, los días 16, 17 y 18 de enero, y en el Isabela Corona, en Ciudad de México, 6, 7 y 8 de febrero.“Fuimos seleccionados para los teatros del IMSS y celebramos el apoyo recibido, ya tuvimos un pago por adelantado y la otra parte la recibiremos al concluir las funciones, sin duda es un triunfo para creadores dedicados como nosotros”, dice la artista.La coreografía Claroscuros, precisa su autora, no es solo un performance, es un viaje sensorial que transforma el escenario en un desierto de arroz, un lienzo vivo donde el movimiento deja huellas efímeras pero indelebles. Esta pieza revela un proceso creativo enriquecedor, desde las montañas de Canadá hasta las bugambilias de la infancia mexicana.María Báez, con su formación en Nueva York, Londres y Canadá, cuenta cómo surgió esta obra que dialoga con la danza mexicana contemporánea y sus influencias globales. “Aplicamos en 2022 para una residencia en BM, una institución muy reconocida a nivel artístico residencial, y una beca y nos fuimos a Canadá. Estuvimos ahí en las montañas, explorando las primeras fases de esta pieza cuyo estreno tuvo lugar en 2024”, relata la coreógrafa. Fue en ese entorno aislado donde germinó la idea central: un desierto escénico cubierto de arroz, elegido por su textura orgánica que evoca la vida misma. “Todo el escenario está cubierto de arroz para dar la impresión de arena, no eso da mucha textura a la pieza y a nosotros también como lo trabajamos, como lo utilizamos durante la danza”, detalla Baez, quien destaca que el público a veces sale con “un poquito de arroz” adherido a la ropa, un recordatorio táctil de la experiencia.Los sonidos del arrozEl arroz no es mero elemento práctico, comenta Baez, simboliza el registro del paso humano: “A mí me gusta porque es un elemento orgánico, como para representar la vida, me parece que es fundamental, y algo que tiene la danza es que suena a que una vez que sucede se va, en cambio con el arroz hay un registro de que pasamos por ahí, no de lo que ocurre con el peso de los trazos, incluso cuando se terminan de dibujar los movimientos se registran nuestros gestos”, confiesa Baez con pasión. Esta pieza, resultado de un proceso “bastante largo y bastante enriquecedor”, se consolidó tras aplicar a un programa de apoyo para producción, así se convirtió en una creación completamente colaborativa.Claroscuros brilla por su equipo multidisciplinario, donde cada creador inyecta su visión de la dualidad luz-sombra. La música de Felipe Noriega captura esta esencia: “Quiso representar esas dualidades de algo muy luminoso con el arpa, que produce sonidos muy ligeros, así como también tenemos la parte de la sombra electrónica y sonidos mucho más graves, para eso se usaron muestras de sonido a partir del arroz”.Baez describe cómo grabaron sonidos del arroz: cayendo, moviéndose y siendo manipulado para crear ambientes que a veces sustituyen a la música tradicional y sumergen al espectador en un estado inmersivo.Dice que la coreografía parte de una infancia lúdica —juegos callejeros mexicanos— hacia el peso de la sombra: “Empezamos con una parte muy, muy juguetona, muy ligera, que nos remite a la infancia, a nuestros recuerdos más enteros, y después entramos a la parte de la sombra del peso del terror en el escenario. Dos bailarinas encarnan esta duplicidad, como si fuera una misma que se va desdoblando”.La propuesta coreográfica invita a la contemplación: “Casi, incluso, cuando no hay movimiento, se pueden observar un cuadro con arroz”. Al final, aparecen bugambilias, símbolo del ecosistema mexicano donde Baez creció. View this post on Instagram Disfrutar de la luzLa coreógrafa enfatiza la inclusividad de Claroscuros: “Espero que también familias nos vengan a ver porque es una obra con la que todos se pueden identificar, tal vez puedan tanto niños como adultos, estoy segura de que van a poder disfrutar de la luz y la sombra que existe en nuestra vida”. Dice que estas fuerzas son constantes durante nuestro día, “existiendo en los extremos del dolor, el placer, la pérdida, la esperanza, la vida y en el cuerpo, en el lenguaje del cuerpo que es la danza. Es una invitación a aceptar nuestras partes más oscuras, no esconderlas, no juzgarlas y aceptarlas y transitarlas a un viaje para aceptar la vida”.Báez aboga por la difusión de la danza mexicana: “Hay mucho talento y mucha danza en México, pero a veces falta un poco de difusión o falta que se quiten ciertos estigmas, proponer, presentarse a todo el público.Claroscuros no solo entretiene, transforma, dejando un rastro de arroz y reflexión en quienes la presencian.​hc​

Milenio

Mauricio García Lozano protagoniza la obra teatral Mr. Gwyn, del dramaturgo Juan Cabello y dirigida por Alonso Íñiguez, basada en el texto homónimo del italiano Alessandro Baricco, que se estrenará el 15 de enero en el Teatro Helénico.“Me invitaron hace tiempo a hacer esta obra; el director y el adaptador fueron alumnos míos, yo les di clases de actuación en CasAzul (la escuela de artes escénicas de Argos) y es un proyecto que se desarrolla a partir de adaptar esta novela de Alessandro Baricco tan intrigante e interesante”, dijo García en entrevista con Milenio.Esta obra no se ha presentado antes, pues es la primera adaptación en teatro de esta novela publicada en es una novela que por primera vez se adapta al teatro. “La obra trata de un escritor que está harto de la vida mediática del intelectual, le parece frívola y cansada, ya no quiere eso, decide dejar de escribir, se cansa de eso y se le ocurre hacer retratos, como un pintor pero él no sabe pintar”, comentó.En la historia, calificada como un thriller poético, a Gwyn se le ocurre tener modelos que se desnuden ante él y mirarlos por más de 30 días con el único propósito de percibir y, a partir de ese ejercicio de contemplación, ver más allá de sus cuerpos.“Después hace un retrato escrito en donde, según él, va a plasmar la esencia de estos modelos, esto es el planteamiento anecdótico. Es una obra que trata sobre el ver, dejarse ver, contemplar, sobre la extracción y lo más profundo del ser. En realidad depende mucho de la actividad de mirar y dejarse mirar”, explicó.“Esto tiene que ver con que alguien está frente a otra persona y se deja mirar, no tiene nada que ver con la introspección, tiene que ver con la contemplación. Este ha sido uno de los retos más hermosos como actor porque es un personaje que está muy bien escrito, lo que le pasa es muy interesante, original, no es una historia común y corriente, no es cualquier aventura, es muy profunda”, agregó.Para García Lozano, este personaje retrata una necesidad y fascinación por mirar al prójimo y tratar de extraer de él esa esencia que lo convierte posteriormente en un personaje. “Yo hago mucho eso, llevo toda mi vida dedicado a ver gente y a trabajar con la materia humana para construir ficciones teatrales; me siento muy afín por una parte, es un texto que me implica estar en mucha conexión con mis compañeros”, aseguró.“Es interesante porque es un personaje que está fastidiado del mundo mediático y de la fama. De alguna manera, hay una tendencia de Mr. Gwyn por desaparecer, y esto es muy importante, porque explora la posibilidad de desaparecer con el objetivo de reencontrarse. —compartió el histrión—. Poder actuar y construir un personaje que está tan presente, que habla mucho y lleva toda la obra, es interesante porque es el protagonista, pero al mismo tiempo quiere quitarse de en medio para simplemente observar y mirar al otro. Entonces, es un reto porque no es un personaje fácil, pero creo que si uno se relaja y se conecta con los compañeros, ocurre naturalmente”, precisó.La obra va a llevar al espectador a detener el tiempo, para reflexionar qué tanto contempla su alrededor, al estar más tiempo conectado a través de la tecnología. “Es una obra que va a contra pelo de la tendencia de la humanidad actual, ahora se trata de escrolear y no mirar al otro, cada vez hay menos naturalidad en los contactos humanos, necesitamos más la interfaz para comunicarnos con el otro”, expuso. “Aquí nos invitan, por una parte, a reflexionar sobre la importancia de estar en el mismo momento y lugar con un prójimo, igual que yo; pero también tiene que ver con sentir, es una obra que apela mucho al goce estético. Lo que le pasa al Sr. Gwyn, al ver a sus modelos por 30 días, sin pedirles nada más que estén sin decir nada, los coloca en una situación de exposición y de abandono en ese estudio, que vuelve a este montaje arriesgado”, añadió.Finalmente adelantó que la experiencia estética que va a tener la gente será diferente.“Van a pasar muchos minutos en donde no estamos viendo nada más que esos cuerpos desnudos frente a nosotros, en un espacio que se vuelve entre pictórico, onírico y un poco hipnotizante. Es una experiencia interesante, porque ir al teatro y sentarte, que pasen 10 minutos y nadie diga nada, solo contemplar presencias corpóreas, es arriesgado y es hermoso”, concluyó.

Milenio

Jorge Ortiz de Pinedo, Laura Cortés, Lalo España y Moisés Suárez recuerdan al llamado “Señor Teatro”, a propósito de la demolición del inmueble que lleva su nombre

El Sol de México

El Palacio de Bellas Artes inicia el año con una oferta cultural que incluye música de cámara, barrocoy el emblemático Ballet Folklórico de México. Aquí te dejamos las fechas y horarios.El Palacio de Bellas Artes, máximo recinto cultural de México, ha revelado su programación para la recta final de enero 2026. Tras la pausa de inicio de año, la actividad artística retoma su fuerza con una serie de recitales que prometen deleitar a los amantes de la música clásica y las tradiciones mexicanas.Si estás planeando tu visita, aquí te presentamos los eventos más destacados para cerrar el primer mes del año:Cartelera de enero en Bellas ArtesLa agenda musical arranca con una fuerte presencia de instrumentos de viento y cuerda, destacando la interpretación de obras francesas y piezas del periodo barroco.Música francesa para clarinete y piano: el clarinetista Manuel Hernández y el pianista Naoya Seino se presentan el viernes 23 de enero a las 18:00 h.Recital de piano (Música INBAL): el reconocido pianista Héctor Rojas ofrecerá un concierto el sábado 24 de enero a las 18:00 h.Del Barroco temprano al tardío: para los entusiastas de la música antigua, Heriberto Delgado (violín barroco) y Raúl Moncada (clavecín) se presentarán el domingo 25 de enero a las 18:00 h.Ensamble "Le Secret": Con la participación de Encarnación Vázquez, Guillermina Gallardo y José Luis González, este recital de Música INBAL cerrará el mes el viernes 30 de enero a las 18:00 h.Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández engalana el recinto con su programa "Al mariachi de mi tierra". La cita para disfrutar de este despliegue de color y movimiento es el miércoles 28 de enero a las 20:30 h.Todos loseventostendrán lugaren el Palacio de Bellas Artesse encuentra en Av. Juárez y Eje Central Lázaro Cárdenas, Centro Histórico de la Ciudad de México.¿Los conciertos son gratis?Los boletos suelen estar disponibles en taquillas del recinto y sistemas de venta en línea. Tiene un costo distinto. Puedes consultar los costos en este enlace de la cartelera oficial:https://palacio.inba.gob.mx/carteleraNo obstante, hay asistentes que cuentan con descuentos, los adultos mayores que presenten su credencial INAPAM podrán tener el 50 por ciento de descuento. Este increíble precio igual aplica para maestros y estudiantes al presentar su debida identificación.YRH

Milenio

La obra es una adaptación de Juan Cabello, de la novela homónima del escritor Alessandro Baricco. Es una exploración íntima del cuerpo, la luz y la palabra. The post La obra Mr. Gwyn llegará al Teatro Helénico para mirar al otro y reconectar first appeared on SinEmbargo MX.Leer el texto completo en sinembargo.mx

SinEmbargo

Alejandro Speitzer ha crecido profesionalmente en cada proyecto que realiza, y es que es de esos actores que de manera constante están en la búsqueda de algo más, aunado a que siempre hace lo posible por salirse de su zona de confort. Uno de esos trabajos es Cruise: Mi última noche en la tierra, el cual se presenta en el Teatro Milán de la Ciudad de México, con funciones llenas de viernes a domingo. Sin duda, le está dando gratas satisfacciones a Alejandro. “Este trabajo unipersonal ha sido el reto más grande de mi carrera y me enorgullece que esté teniendo este recibimiento tan espectacular”, dijo en su camerino de dicho recinto en exclusiva a El Siglo de Torreón. El artista atendió al “Defensor de la Comunidad” con el fin de dar a conocer que el 27 de enero tr... Más información -- Enfrenta Alejandro Speitzer el gran reto de su carrera »

El siglo de Torréon

Una guía cultural para combatir este 2026 distópico en el que estamos inmersos

El País

Un viaje a un mundo “más que surrealista” es el que recrean músicos, cantantes y bailarinas que con efectos visuales trasladan a una experiencia bizarra y onírica en Cabaret: Orquesta 24 Cuadros, donde la audiencia se sumergirá “en un torbellino de emociones”.

La Jornada

Las apadrinaron talentos de las obras “Toc Toc”, “Clue” y “La nota”, en el nuevo Teatro Libanés

El Sol de México

Alejandro Speitzer ha ido creciendo profesionalmente en cada proyecto que realiza, y es que es de esos actores que de manera constante están en la búsqueda de algo más, aunado a que busca siempre salirse de su zona de confort. Uno de esos trabajos es Cruise: Mi última noche en la tierra, el cual se presenta en el Teatro Milán de la Ciudad de México, con funciones llenas de viernes a domingo. Sin duda, le está dando gratas satisfacciones a Alejandro.     “Este trabajo unipersonal ha sido el reto más grande de mi carrera y me enorgullece que esté te... Más información -- Alejandro Speitzer se acerca al público de Torreón para compartir gran reto»

El siglo de Torréon

Teatro UNAM, en coproducción con la compañía Los Endebles, presenta la obra El adiós; puesta en escena ideada por la dramaturga belga Mireille Bailly, bajo la traducción y dirección de Boris Schoemann, que fue distinguida con el Premio L’inédithéâtre en las Jornadas de Lyon 2016.La pieza combina humor negro y absurdo para evidenciar tensiones y prejuicios que suelen pasar inadvertidos en la vida cotidiana; por lo que ha despertado interés en diversos públicos en Europa, especialmente entre jóvenes, quienes han reconocido en su tono surrealista un espejo agudo y perturbador de la realidad. Aquí, con propuesta crítica y mordaz que está dirigida a todos, se emplea la sátira para revelar cómo en el ámbito familiar se reproducen actitudes de clasismo, racismo, sexismo y homofobia, generando un retrato provocador que interpela a debates contemporáneos sobre inclusión y diversidad.La trama se desarrolla en un entorno familiar asfixiante donde un hijo de 35 años quiere abandonar la casa, pero sus padres —atrapados en sus propias carencias— buscan retenerlo. La irrupción inesperada de otra familia, de clase social más alta, para preparar “la boda de los niños”, lleva la situación al extremo, al horror y a la belleza. Escenas con la misma trama se repiten de manera totalmente distinta, todas las noches a las siete, mientras cenan. Un ciclo delirante e infernal del que parece no haber escapatoria.El elenco reúne a Alejandro Calva (el padre), Esther Orozco (la madre), Fernando Bueno (el hijo), Constantino Morán (el señor), Pilar Boliver (la señora) y Emmanuel Pavía (el otro hijo), quienes dan vida a los personajes atrapados en esta dinámica donde lo íntimo y lo social se confrontan con crudeza.¿Cuánto y dónde?La obra El adiós se presentará en el Teatro Santa Catarina hasta el 24 de enero, con funciones los jueves y viernes a las 20:00, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas. El costo del boleto es de150 pesos(descuentos habituales) ypuede adquirirse directamente en taquilla.AMS

Milenio

Jade-Rose Parker, jovencísima autora francesa, lleva el tema de la identidad de género al teatro de bulevar con un opera prima hilarante estrenada en París por Victoria Abril y en España por Pastora Vega y Pablo Carbonell, con dirección de Gabriel Olivares

El País

Vittorio Gassman, actor y director de cine italiano, llegó a comentar que el teatro no se hace para cantar las cosas, sino para cambiarlas. Y si el cambio se resiste, por lo menos el acto escénico debe servir para no callar, para hablar, para rescatar aquellas memorias golpeadas por el olvido. Lo anterior es algo que el director y artista escénico lagunero, Iván Losa, pone en práctica en la obra ‘-303. Retratos de una comunidad ausente’, donde, tras siete años de exhaustiva investigación, aborda la matanza de chinos acontecida en Torreón en mayo de 1911, durante la toma maderista. Su propuesta radica en el teatro documental, por lo cual emplea documentos, archivos de periódicos, testimonios y hasta inteligencia artificial para lograr un mon... Más información -- Presentarán obra teatral sobre la matanza de chinos de 1911 en Torreón»

El siglo de Torréon

La crisis de los Espacios Escénicos Independientes o Autogestivos en México es real y no debe ser ignorada por los titulares de cultura federal, estatales y municipales porque su desaparición no le conviene, en primera instancia, a una política pública pues significa la desaparición de un ecosistema. Los barrios o comunidades donde se encuentran éstos pierden una oferta para el ejercicio de sus derechos culturales y los gremios artísticos (amén de quienes los encabezan) plataformas de expresión y desarrollo de aprendizaje y laboral.Cuando se deja de contemplar esa verdad, entonces es muy fácil desde un escritorio dejar de prestar atención a las necesidades y urgencias que permitirían no sólo mantener los Espacios Escénicos abiertos a sus respectivos entornos sino multiplicarlos a lo largo y ancho del territorio nacional, tanto en las grandes capitales de prestigio cultural que son posiblemente las que menos los necesitan (y sin embargo, los requieren porque son focos de diversidad, resistencia y cobijo a grupos emergentes) como en las pequeñas comunidades donde se les necesita con apremio. Las políticas públicas para los Espacios Escénicos han variado con el tiempo y se requiere una revisión a profundidad para coadyuvar a su permanencia.Los Espacios Escénicos Independientes o Autogestivos son iniciativas que surgen de la sociedad civil organizada, del anhelo de artistas individuales o de sueños colectivos que se ponen al servicio de un entorno social específico y tejen redes de vecinos y de otros creadores, generan empleo para una base pero también para colegas, coadyuvan a disminuir la violencia en sus comunidades, diseminan la semilla de formación artística en conciudadanos que posiblemente no podrían acceder a educación institucionalizada, no crean burocracia, operan con costos muy bajos, realizan un porcentaje alto de las acciones culturales en municipios y estados, aportan —en fin— a una cultura de paz que tanto requiere México y no, no son proyectos medibles vía una filosofía de economía naranja.TRASPUNTECasos exitosos en ColombiaEn próximas entregas abordaré la Ley del Espectáculo Público (LEP) de Colombia y cómo en 14 años ha cambiado el rostro de la cultura escénica de esa nación y por qué le puede ser útil a nuestro país como otras iniciativas como México en Escena (Mega) que fueron copiadas de allá en el Fonca (hoy Sacpc) de la Secretaría de Cultura federal.

Milenio

La obra propone una experiencia fuera del teatro tradicional al llevar al público por las calles de la colonia donde se desarrolla una historia sobre el amor, la ruptura y la soledad

El Sol de México

El 38 encuentro nacional se presenta en el Centro Cultural del Bosque; una adaptación de “El diario de Ana Frank” y una obra inspirada en un texto de la Nobel de Literatura Han Kang forman parte del programa

El Sol de México