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Miércoles, Noviembre 12

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Teatro

Noticias, críticas, estrenos y programación de las principales obras y compañías de teatro en el país.
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¿María León despreció la actuación de Mar Contreras en 'Mentiras, El Musical'? Éste es el gesto que causó controversia | VIDEO

El longevo éxito teatral de 'Mentiras, El Musical' se encuentra en el centro de una nueva controversia. Ahora aseguraron que Mar Contreras fue desdeñada por su compañera María León.La reciente incorporación de la actriz Mar Contreras al elenco, en el papel de la sofisticada Daniela, ha desatado una ola de críticas negativas en su contra, principalmente dirigidas a su ejecución vocal.¿Qué pasó entre María León y Mar Contreras?Contreras, conocida por su participación en telenovelas y realities como 'La Casa de los Famosos', ha sido cuestionada por el público respecto a no cumplir las expectativas de la audiencia con el alto estándar que exige el proyecto.Los videos de sus actuaciones se han vuelto virales, llenándose incluso de comentarios que la comparan desfavorablemente con actrices que previamente interpretaron el rol, un personaje que requiere un registro vocal excepcionalmente amplio.Tal fue el caso de Belinda, quien se volvió la favorita de la audiencia con su papel como Daniela, la actriz, modelo y cantante escaló rápidamente como tendencia durante meses, por la pasión que dejó en cada escena.Pero ¿María León despreció a su compañera en plena obra? Los señalamientos comenzaron a volverse virales, pues los usuarios estaban decepcionados con el trabajo de Contreras, que ya respondió al 'hate' con una contundente respuesta.¿María León no aprobó la actuación de Mar Contreras?La polémica escaló a un nivel más mediático cuando comenzó a especularse sobre la reacción de María León, una de las figuras más emblemáticas y aclamadas que ha interpretado a Lupita en la popular y querida obra.Aunque María León no ha emitido ninguna declaración pública o crítica directa sobre el desempeño de Mar Contreras, un comentario viral de una usuaria en TikTok se popularizó rápidamente: "Ahora entiendo el porqué de las caras de María León en otro video".Este comentario, que hacía referencia a una grabación donde María León mostraba incomodidad, ha sido suficiente para que la audiencia asuma una fricción o desaprobación dentro del elenco.La viralización del metraje fue debido a dicho señalamiento, pues -como se mencionó- María León tenía un rostro de desprecio hacia la intérprete de 'Daniela', pero también es importante recordar que estaban actuando, por lo cual pudo deberse a tal situación.Hasta el momento, ni la producción de Mentiras ni las actrices involucradas han abordado públicamente la especulación, manteniendo el foco en el desempeño en el escenario. No obstante, la controversia subraya la intensa expectativa que tiene el público con éste musical.Mira aquí la reacción de María León con Mar Contreras @sandyshe Mar Contreras solo ensayó 2 veces para “Mentiras El Musical” #marcontreras #mentiraselmusical #espectaculos #famosos #mentiras ♬ sonido original - SANDY_SHE KVS​

Source LogoMilenio
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Entregan Premio Nacional de Danza

Las coreografías de Raúl Tamez, Daniel Luis y Miranda García fueron las ganadoras del Premio Nacional de Danza Guillermo Arriaga 2025, cuya ceremonia se llevó a cabo en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes. En esta edición, la XLII, del Concurso de Creación Coreográfica Contemporánea INBAL–UAM, Tamez obtuvo el reconocimiento en la categoría Trayectoria Consolidada por Flores negras para Violeta; Luis fue premiado en Trayectoria en Consolidación por El ruido de las cosas al romperse, y García en Trayectoria Emergente por Prity guoman. También fueron premiadas las mejores interpretaciones: Dara Vera, por El rancho, de Gabriela Medina, y Pamela Grimaldo, por Flores negras para Violeta. Mientras que el galardón a Mejor Iluminación fue para Esaú Corona, y el de Mejor Música Original para Jesús González Báez (HunoHuno), ambos por El ruido de las cosas al romperse. Según el boletín oficial, la función de finalistas registró un aforo total y destacó la participación de artistas de 13 estados del país, ad

Source LogoEl Cuarto Poder
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Quecho Muñoz presenta nuevamente la obra ‘Niño Perdido’: “un cuento mágico entre lo godín y lo fantástico”

Quecho Muñoz es un reconocido escritor y actor que ha brillado en diversas puestas en escena, y esta vez regresa con un texto de su autoría titulado ‘Niño Perdido’.Es por este motivo que el actor platicó con MILENIO sobre esta nueva temporada de la obra, pero también acerca de su forma de ver el teatro y cómo se prepara para subir al escenario.Quecho Muñoz, emocionado por el futuro del teatroCon una gran sonrisa y la emoción de volver a dar vida a una historia conmovedora, el actor Quecho Muñoz nos dio la bienvenida para comenzar a platicar sobre el teatro, el cual asegura lo tiene entusiasmado por todas las novedades actuales.“Siento que en los últimos años ha sido muy interesante ver cómo se mueve todo en el teatro. Descubro nuevas propuestas y esfuerzos de los productores por atraer a la gente a las salas. Algunas cosas me gustan, otras me asustan, pero me emociona el surgimiento de muchos creadores y que existan foros alternativos.”Pero puntualiza que todo este trabajo no tendría sentido si no hay un público que lo admire: “Ojalá toda esta oferta teatral tenga mucha demanda y el público se anime a venir.”Una nueva versión de Niño PerdidoAlgo que se sabe sobre el teatro es que ninguna función es igual, y claramente esto aplica a las temporadas de las obras, pues los textos a veces tienen cambios para poder adaptarse mejor al lugar donde se montan o al contexto general, como él mismo explica:“Soy el escritor del texto y esta nueva versión, en su noveno año, me permitió aprovechar el cambio de teatro para ajustar cosas y probar nuevas ideas. Me gusta explorar el texto, afinar detalles y mantener la obra viva, como hago con Princesas en pugna. Cada función es nueva y se transita de manera única. Niño Perdido me ha hecho ver cómo la historia toca el corazón de la gente; por eso limpio y cuido los mensajes para que el público siempre vea algo fresco y honesto.”Asimismo, el actor indaga más en el origen de esta obra y cómo nació de su deseo, e incluso de esa necesidad, como actor de estar en el escenario:“Me siento bendecido y asumo la responsabilidad de mantener esta obra en escena. No se trata solo de repetirla, sino de aportar una nueva intención y punto de vista. Niño Perdido nació de una necesidad personal de estar en el escenario. A partir de un ejercicio actoral descubrí que quería hablar del niño interior, investigué y el tema me apasionó. Quería compartir algo con el público y creo profundamente en lo que cuento: reencontrarnos y sanar a nuestro niño interior.”Puntualizando que: “He sido muy cuidadoso en los ensayos para ofrecer un producto de calidad. Todo el equipo, escenografía, vestuario, proyecciones, iluminación, trabaja en conjunto con la dramaturgia para dar sentido a cada elemento. Como fan de mi propio trabajo, me conmueve ver la historia viva, incluso con su estreno en Argentina, donde el público la ha recibido con gran emoción.”El cansancio emocional del teatroA diferencia de lo que muchos puedan pensar, el teatro genera un gran cansancio físico, pero sobre todo por la carga emocional, algo que Quecho comparte:“El teatro que hago canaliza emociones reales. Aunque los actores sabemos que no es verdad, el cuerpo sí lo resiente. Niño Perdido es una obra conmovedora y emocional, con momentos dolorosos pero esperanzadores. Transitar tantas emociones cansa más que lo físico. Me ha pasado en otras obras como Sweeney Todd o Los Miserables, donde la intensidad emocional deja agotado al cuerpo.”Por último, finaliza haciendo una reflexión sobre la obra, asegurando que:“Te apapacha el corazón y te recuerda conectar con tu esencia. Somos lo que soñamos ser, y muchas de esas respuestas están dentro, en nuestro niño interior. La historia comienza con el personaje principal pasando el peor día de su vida, y es un cuento mágico entre lo godín y lo fantástico, lleno de entretenimiento y reflexión.”La obra Niño Perdido está en función todos los miércoles en el Nuevo Teatro Versailles a las 8:30 p.m.

Source LogoMilenio
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‘Godspell’, un musical sobre amor y esperanza que llenará de vida a los saltillenses

En 1971 Stephen Schwartz —el mismo que creó “Wicked”— llevó al teatro musical el mensaje de Cristo. Por medio de algunas de las parábolas que figuran en el Evangelio de Mateo, así como la Pasión de Cristo, el autor trasladó a Broadway un mensaje que hace 15 años se presentó en Saltillo y que este mes de noviembre vuelve a la ciudad.“Godspell” tendrá diez funciones del 21 al 30 de noviembre en el Centro Cultural La Besana donde este lunes ofrecieron una rueda de prensa en la que dieron a conocer los pormenores de esta producción, la primera de The Voice Studio.“Esto ha sido un gran viaje y descubrimiento porque como independientes es la primera vez que nos aventamos a hacerlo, nada más necesitábamos el empujoncito del productor ejecutivo y nos aventamos”, dijo Adriana Molina, directora escénica, sobre esta apuesta del estudio.Con Andrés Hernández en la dirección general, Bernardo García como productor ejecutivo y Daniela Cortés en la asistencia de producción, este musical coloca a The Voice Studio como una compañía más que se suma a la creación de proyectos profesionales y semi-profesionales para expandir la escena local.En el montaje contaron que tuvieron la asesoría del director escénico Rennier Piñero, colaborador del México Opera Studio y que su elenco, integrado tanto por jóvenes talentos como por maestros del mismo estudio, como la propia Cortés e Isabel Alvarado.Para VANGUARDIA Hernández destacó que eligieron a “Godspell” como su primera producción escénica formal no solo por los requerimientos técnicos —el elenco no es muy numeroso y no necesita ensambles corales o coreografías complejas—, sino también por el reto vocal que representa —y área en la cual se especializan— y porque hace 15 años un montaje de esta misma obra, a cargo de destacadas figuras de la escena musical de Saltillo y la región como Ricardo de León, Alejandra López-Fuentes, Joel Almaguer, Alejandro Miyaki y Laura Méndez, detonó un interés particular entre quienes participaron entonces.“Hace 15 años ahí nos conocimos [algunos miembros del actual elenco] y qué tantas cosas no pasaron que decidí dedicarme a la música y a dirigir musicales, de hecho por eso estudié música, yo estaba en otra carrera, hice ‘Godspell’, la acabé y empecé en música”, recordó el director, quien destacó la sinergia que existe entre la historia y la música.Además, al colaborar desde hace años con la compañía Cuarta Pared Teatro —una de las más destacadas en el teatro musical en Saltillo—, han podido traer a este proyecto experiencias, esquemas de trabajo y consejos para mejorar su propuesta.“Godspell” se presentará los viernes a las 20:00 horas y sábados a las 17:00 y 20:30 horas. Los boletos tienen un costo de 200 pesos y se pueden adquirir en taquilla, en las redes sociales de The Voice Studio o por medio del Whatsapp 844 163 2587.

Source LogoVanguardia
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Veracruz está de moda con música, danza, ferias y festivales que celebran su identidad

Redacción Xalapa, Ver., martes 11 de noviembre de 2025.- Esta semana, la Secretaría de Turismo (SECTUR) invita a locales y visitantes a disfrutar una semana llena de expresiones culturales, artísticas y gastronómicas que reflejan la riqueza y diversidad de Veracruz. Hasta el día de mañana, Acayucan celebra la tradicional Feria de San Martín Obispo; mientras […] La entrada Veracruz está de moda con música, danza, ferias y festivales que celebran su identidad se publicó primero en Hora Cero.

Source LogoHora Cero
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El público aplaude la puesta en escena “Filos” de Pilo Galindo en el Centro Cultural Ernesto Ochoa Guillemard

En una tarde llena de emociones y talento, el Instituto para la Cultura del Municipio de Juárez (IPACULT) presentó la obra “Filos”, escrita y dirigida por el reconocido dramaturgo juarense Edeberto “Pilo” Galindo, como parte del programa “Salvemos los lunes de teatro”, en el Centro Cultural Ernesto Ochoa Guillemard. El público que llenó la sala […] La Nota El público aplaude la puesta en escena “Filos” de Pilo Galindo en el Centro Cultural Ernesto Ochoa Guillemard aparece en Segundo a Segundo - Noticias de Chihuahua, México y el mundo.

Source LogoSegundo a Segundo
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Continúa temporada 2025 de Red de Teatros con puestas en escena en Chihuahua, Delicias, Parral y Cuauhtémoc

CHIHUAHUA.- La Secretaría de Cultura, a través del programa “Red de Teatros”, invita a la ciudadanía a disfrutar de las puestas en escena que se ofrecen este mes de noviembre en Chihuahua, Delicias, Parral y Cuauhtémoc, como parte de la temporada 2025, que incluye espectáculos de teatro, música y danza. Este 14 de noviembre en […] La entrada Continúa temporada 2025 de Red de Teatros con puestas en escena en Chihuahua, Delicias, Parral y Cuauhtémoc se publicó primero en Impacto Noticias.

Source LogoImpacto Noticias
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El público se convierte en personajes de teatro con “Vestir la muestra”

Jocelyn Díaz / GRUPO CANTÓN Entre risas, curiosidad y sorpresa, el lobby del Teatro de la Ciudad se transformó en un espacio vivo donde el público dejó de ser espectador para convertirse en protagonista. La instalación escénica “Vestir la Muestra”, presentada en el marco de la Muestra Nacional de Teatro, abrió una ventana distinta para […] The post El público se convierte en personajes de teatro con “Vestir la muestra” appeared first on Quintana Roo Hoy.

Source LogoQuintana Roo Hoy
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La magia mexicana detrás del Cirque du Soleil: Esteban Martínez y la ingeniería del show OVO

El Cirque Du Soleil (Circo del sol) está de regreso en México, para presentarse del 12 al 23 de noviembre en el Palacio de los Deportes con el espectáculo OVO (huevo en portugués), una historia inspirada por insectos y su diminuto universo.Uno de los circos con mayor reconocimiento a nivel mundial le debe su mérito a los artistas y acróbatas que hacen maniobras de gran dificultad y que requieren de arduo entrenamiento para lograr la precisión necesaria. Pero hay un equipo técnico que también es fundamental para el éxito del show, el equipo de rigging acrobático y automatización.Tecnología y automatización, el éxito detrás del Cirque Du SoleilEl mexicano Esteban Martínez es el jefe de Automatización en Cirque du Soleil, compañía en la que ha trabajado más de diez años y ha recorrido 28 países en cinco continentes. En entrevista con MILENIO, Esteban habló sobre el equipo que hace posible el show, así como las medidas que toman para hacerlo de manera segura.“El montaje dura de 12 a 14 horas, dependiendo del lugar, la ciudad y los retos de la arena, también requerimos de dos horas de inspecciones para revisar con todos los protocolos de seguridad antes de que los artistas se puedan subir al escenario y para entrenar y validar los actos antes de la primera función”, explicó.El espectáculo consta de dos actos, de aproximadamente 50 minutos cada uno, con un intermedio de 25 minutos, tiempo en el que tienen que cambiar los instrumentos necesarios para cada acto, el desmontaje lo deben de realizar en 4 horas.“Es muy gratificante ver todo lo que podemos hacer como equipo técnico y como equipo en conjunto para un show. Toda la logística que implica mover a 100 personas, mover 20 camiones de equipo, la organización para hacer el montaje y desmontaje”, dijo con orgullo.Afirma que su principal responsabilidad dentro del show es la seguridad de los acróbatas, pues el mínimo error puede ocasionar un accidente que incluso termine en funeral.“Mi trabajo representa una línea muy delgada con los artistas, en mi departamento tenemos la tarea de operar actos aéreos donde literalmente volamos humanos, es una posición con gran responsabilidad, es mucha la precaución y seriedad con la que tenemos que tomar las acciones”, aseguró.“Debemos tener mucha comunicación con los artistas, la relación que debemos tener con ellos es de mucha confianza, muy estrecha para que yo realmente entienda qué quieren hacer ellos, qué necesitan de mí y mantenerlos seguros”, describió.El seguimiento de la estrecha comunicación entre técnicos y artistas para alcanzar la precisión que los caracteriza continúa con la programación del equipo según los ajustes o cambios que quieran hacer en el show que debutó en 2009 y se ha ido renovando en cada puesta en escena donde cada cambio lleva un estricto proceso.“Depende de qué quieran hacer, modificar alguna altura, algún truco, intentar algo nuevo. Nos tomamos el tiempo de programarlo, primero lo intentamos sin ellos para ver cuáles son las reacciones de las cargas dinámicas y no llevarnos ninguna sorpresa en el momento de ejecución con ellos; se les enseña físicamente antes de que ellos se suban al aparato y se practica varias veces antes de integrarlo al show”, narró.Lo grande o compleja que sea la modificación influirá en el tiempo que requiera integrarlo al show. “Puede ser en una sesión de una hora o puede requerir entrenamientos cada semana por un periodo de tiempo, integrar todo un acto nuevo puede tardar de tres a seis semanas, porque a final de cuentas son artistas que necesitan también seguir entrenando en el gimnasio, tener su dieta regular, y también es un esfuerzo físico que ellos hacen”, comentó.Esteban ha trabajado en todos los formatos de espectáculo que ofrece Cirque du Soleil, en carpas, teatros, arenas entre otros, por lo que conoce lo que implica adaptar OVO a cada nuevo espacio.“Cada arena viene con su propio reto, cada ciudad viene con su propio reto también, a final de cuentas la ventaja de este trabajo es que nos podemos adaptar a muchas cosas, modificar ciertos protocolos en cuanto al montaje, el desmontaje o la logística para movernos, cada arena es distinta, por eso tenemos al equipo de producción que revisa todas las arenas por adelantado, para encontrar los retos”, indicó.Así como la historia del espectáculo ha evolucionado, también la tecnología, pero para Esteban el factor humano sigue siendo crucial en la automatización.“La tecnología no deja de sorprendernos, hay cosas que mejoran bastante y hacen hasta cierto punto nuestro trabajo más fácil, sin embargo, no podemos quitar esa relación de comunicación entre técnicos y artistas, porque al final de cuentas es lo que realmente genera el show, esta relación entre nosotros, exponer cuáles son los pros y contras del lado técnico para lograr llevar a cabo la visión de la directora artística”, declaró.¿De qué trata OVO?OVO presenta el mundo de los insectos con énfasis en el movimiento constante y el color, para la escritora, directora y coreógrafa Deborak Caulker “los movimientos de los insectos se transmiten en emoción”.“La base del show es similar a la historia original, pero el contenido del show visualmente, acrobaticamente y artísticamente es distinto,lo rehicieron el show. Cambiaron muchas cosas técnicas, todo el equipo de sonido y de luces es nuevo. El escenario se rediseñó, los vestuarios también; se integraron nuevos actos y algunos incluyen automatización, van a ver que literalmente algunas partes del espectáculo se moverán durante el show”, detalló Esteban.Personajes como una enérgica mariquita, una mosca viajera y un excéntrico portador de caparazón se podrán ver en los doce números del show que contarán con peligrosas acrobacias y coloridos vestuarios que evocan a ese mundo diminuto.“Habla de amistad, unidad y amor, ese es el mensaje que OVO le deja al público. El show es para todos, si tienes 3 años o 95 lo puedes ver, es muy entendible, muy visual, no hay como tal diálogos porque son insectos; la música en vivo tiene un estilo brasileño”, elogió la puesta en escena.ClavesEscenografía. La estructura acrobática está situada a 14 metros del suelo y pesa más de una tonelada.Vestuario. Trajes como los de los grillos requirieron 75 horas de trabajo cada uno para lograr la flexibilidad y detalles.Música. Se incluyeron sonidos reales de insectos en el teclado de la banda compuesta por siete músicos.

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Actores y músicos de la UdeC se suman al programa Caminos de encuentro: Arte, naturaleza y emociones

El programa “Caminos de encuentro: Arte, naturaleza y emociones”, que impulsa la Dirección General de Difusión Cultural de la Universidad de Colima (DGDC), tuvo una nueva jornada de actividades con la participación de directivos e instructores de grupos artísticos universitarios, en días recientes en el Foro Universitario “Pablo Silva García”. Este programa tiene como propósito […]

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Impulsa Ariadna Ayala el XXXIV Festival de Teatro Susana Alexander

Atlixco, Pue.- La presidenta de Atlixco, Ariadna Ayala, refuerza el impulso a la cultura al respaldar la realización del XXXIV Festival Internacional de Teatro Susana Alexander, encuentro que reúne talento local, nacional e internacional, consolidando a Atlixco como la ciudad del Arte y la Cultura. Las funciones se presentarán todos los viernes de noviembre, a … El cargo Impulsa Ariadna Ayala el XXXIV Festival de Teatro Susana Alexander apareció primero en Tribuna Noticias.

Source LogoTribuna Noticias
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“Prendida de las Lámparas” ilumina el legado de Rosario Castellanos

Jocelyn Díaz / Grupo Cantón  Tres intérpretes encarnan a una misma mujer desde ángulos distintos, dialogando entre ellas para construir un retrato Cancún.- El escenario del Teatro de la Ciudad recibirá “Prendida de las lámparas”, una delicada y poderosa puesta en escena que rinde homenaje a la voz y a la herencia literaria de Rosario […] The post “Prendida de las Lámparas” ilumina el legado de Rosario Castellanos appeared first on Quintana Roo Hoy.

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Blanca Guerra vuelve a Torreón tras cinco décadas para dar voz a la poesía de Xavier Villaurrutia

Apenas entra al Teatro Nazas y el público la recibe en aplausos. "El público siempre es muy generoso". La primera actriz Blanca Guerra cruza el telón del recinto y se dirige a su camerino. Carga una carpeta roja. Adentro resguarda hojas con los poemas de Xavier Villaurrutia, cuyos versos recitará en unos minutos dentro del programa Territorio Lector del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL). Apenas hace un par de horas aterrizó en Torreón, ciudad que no visitaba desde 1975, cuando el 24 y 25 de septiembre se presentó en la obra Esperando al zurdo, un espectáculo de Luis de Tavira basado en la obra de Clifford Odets. Las funciones tuvieron lugar en el Auditorio de la Escuela de Medicina de la Universidad Autónoma de Coahuila (UAdeC). "Luisa Huertas estaba conmigo. Y había otros actores, músicos. Una obra muy importante dentro del neorrealismo norteamericano. El neorrealismo norteamericano es un grupo de escritores que yo, en lo personal,... Más información -- Blanca Guerra vuelve a Torreón tras cinco décadas para dar voz a la poesía de Xavier Villaurrutia »

Source LogoEl siglo de Torréon
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Mar Contreras recibe 'hate' por su papel de Daniela en 'Mentiras'; la comparan con Belinda: "Lo hizo ver barato"

La participación de Mar Contreras en la gira de “Mentiras: El Musical” se ha convertido en el más reciente foco de controversia en el teatro mexicano.La actriz, quien recientemente ganó popularidad tras su paso por un reality show, debutó como Daniela, pero su actuación ha generado una ola de críticas en redes sociales, que la han llevado a un gesto inaudito: ofrecer un reembolso a un fanático decepcionado.El desempeño de Mar Contreras cuestionadoTras las funciones especiales en Monterrey, diversas grabaciones y comentarios circularon en plataformas como TikTok, donde la audiencia no dudó en señalar fallas en el desempeño vocal de Contreras.La principal queja esgrimida por los espectadores se centró en la falta de afinación y la percepción de que su voz no cumplía con la potencia y el nivel técnico requeridos para el exigente repertorio de la obra.Las críticas se volvieron más severas al contrastar su interpretación con la de Belinda, quien en su aclamada aparición en el spin-off "Mentiras All Stars" fue ovacionada por su carisma y calidad vocal en el mismo papel. Para muchos, la vara de comparación fue demasiado alta.La polémica escaló cuando una usuaria de TikTok, visiblemente insatisfecho, se quejó directamente contra Mar Contreras por haber gastado en su boleto para ver el show. La respuesta de la actriz fue directa y sorpresiva:"Fuiste a la obraaaa? En serio pagaste para ir a verme??? Pase la foto del boleto y videito de donde estuviste sentada y con gusto te devuelvo lo que pagaste".Este ofrecimiento de reembolsar el dinero del boleto se ha interpretado de diversas maneras: algunos lo ven como un acto defensivo y un desafío a los haters, mientras que otros lo consideran una confirmación implícita de que su actuación pudo no haber estado a la altura de las expectativas del público."Se adelantó machin"."Mar lo hizo ver súper barato"."El castigo karmico por haber ninguneado a Belinda fue que le dieran el mismo papel y que quedara muy por abajo de ella, Mar se equivocó de obra en actuación parece Glinda no Daniela, el tempo se lo pasó por el arco del triunfo y las notas no las alcanzó, pusieron a Elaine a hacerle armonías en las notas altas para poder darle cuerpo al sonido"."No es que la cante mal, siento que simplemente no se ve dulce, me da vibras de villana como la de Rapunzel entonces pues no le queda el personaje y no convence"."Ahora entiendo el porqué de las caras de María leon en otro video"."Las que dicen que Mar rompió se ve que no han visto la obra con verdaderas cantantes. Está muy por debajo de la calidad, ve como desafina al final"."Mar mala actriz, sobreactuada, y canta re feoooo nada q ver no es para teatro Mar ! Que decepción"."Se adelantó horrible mar"."Porque le dieron ese papel a Mar? Si ella es mayor para ese personaje"."Razón por la cual Mar nunca ha protagonizado una telenovela".¿Fue precipitada su entrada al musical?La actriz ha admitido en entrevistas previas que su incorporación al elenco fue acelerada, contando con un tiempo limitado para montar el complejo papel, un detalle que el equipo de producción ha justificado como parte del reto de la gira.Sin embargo, esta limitación de tiempo no ha sido suficiente para mitigar la insatisfacción de los asistentes, quienes esperan un estándar de calidad constante en la producción teatral.Se espera que Mar Contreras continúe en el elenco en próximas fechas, y queda por ver si las críticas influirán en su preparación o en la recepción del público en las siguientes plazas de la gira.Mira aquí las críticas en contra de Mar Contreras @karlalanegra De color de rosa ???? #mentiras #musical #elaine #marcontreras @Elaine Haro @MARCONTRERASOF ♬ sonido original - la negra KVS​

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Un puente musical que aborda el bullying

Lourdes LópezXALAPA.- El acoso escolar o bullyng no siempre es visto ni escuchado, pero para las integrantes del colectivo Metanoia, Karina Soto y Osbeida Hernández Jiménez, la música y el movimiento le pueden dar otra dimensión para visibilizarlo y exhortar a la niñez para confiar y denunciar ese tipo de violencia, Durante las actividade culturales del Centro Recreativo Xalapeño, el colectivo Metanoia presentará Gran Voz Peque, una obra dancística que promete no dejar quietos a los niños, a quienes va dirigido el mensaje de esta obra que será presentada en su estreno mañana, miércoles 12 de noviembre a las 17:00 horas. Aunque la función será única, de entrada libre y para toda la familia, esta no será la última presentación, pues próximamente los integrantes de este colectivo se trasladarán a las escuelas de la región para presentar este trabajo y continuar el diálogo y la discusión acerca de este fenómeno que se ha incrementado en los últimos años. Karina Soto refirió que Gran Voz Peque fue creada para que tanto menores como adultos puedan disfrutar la puesta en escena y reflexionar en conjunto, resaltando la importancia de tratar estos temas de violencia mediante un lenguaje accesible a todo público. Es una pieza muy familiar. Aunque habla sobre el bullying o acoso escolar, está hecha desde un lenguaje infantil y accesible para que tanto menores como adultos puedan verla y reflexionar”, puntualizó. El colectivo recordó que ésta no es la primera obra con contenido social que presentan. En diciembre pasado trabajaron una puesta en escena dedicada al tema de la pedofilia, la cual tuvo una exitosa temporada. Ahora, con Gran Voz Peque, buscan llevar la reflexión sobre el acoso escolar a distintos públicos, y adelantaron que se presentarán en otros espacios de reflexión para que se abra el debate. El Centro Recreativo Xalapeño está ubicado en la calle Xalapeños Ilustres 31, de Xalapa, Veracruz.     Aquí podrás acceder a noticias en tiempo real Conoce lo más viral en Facebook Trending  Lee a los columnistas de Excélsior Opinión   clm   Contenidos Relacionados: Piden más presupuesto para culturaPersiste déficit en recursos para cultura; presupuesto de egresos de la federación 2026‘Han sido años difíciles para la cultura’: Marco Antonio Campos

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El mexicano Alejandro Gou celebra su segundo estreno en Broadway como productor asociado

NANCY MÉNDEZ C.El productor mexicano Alejandro Gou es uno de los productores asociados en Broadway de The Queen of Versailles (La reina de Versalles), el musical protagonizado por Kristin Chenoweth, en el St. James de la Gran Manzana, que se estrenó este 9 de noviembre. En este proyecto, dirigido por Michael Arden (Maybe Happy Ending), la actriz de teatro musical se reúne con Stephen Schwartz, el compositor de Wicked, en el que ella recreó a Glinda sobre los escenarios. A través de sus redes sociales, el productor mexicano publicó un video en la alfombra roja de esta producción, en la que posó junto a la cantante Kristin Chenoweth. Mi segundo estreno en Broadway como productor asociado”, escribió en su cuenta de Instagram, con imágenes de este momento. Para el productor mexicano, quien ha montado en México José el soñador, Jesucristo Super Estrella y recientemente Spamalot,  ésta es la segunda experiencia en este terreno. En abril de este año confirmó a Excélsior que era parte, también como productor asociado de Redwood, protagonizado por Idina Menzel, quien también encabezó Wicked en Broadway, con el personaje de Elphaba. Kristin Chenoweth, además de protagonista de The Queen of Versailles, coproduce la obra con su sello Diva Worldwide Entertainment, y comparte el escenario con F. Murray Abraham. Esto dijo para el portal Playbill al respecto: “Estoy sumamente emocionada de regresar a Broadway y también de hacer mi debut como productora en Broadway con esta increíble compañía. Stephen es un compositor único en su generación y tengo muchísima suerte de que podamos reunirnos para este musical original, bajo la dirección del icónico Michael Arden, para dar vida a la cautivadora historia escrita por Lindsey Ferrentino”. El musical es una adaptación del documental homónimo de Lauren Greenfield, de 2012, que narra el empeño de esta pareja por construir la casa más grande de Estados Unidos en Orlando, Florida, pero la recesión de 2008 trunca sus sueños y su lujoso estilo de vida. Una historia que resuena en el capitalismo.   cva   Contenidos Relacionados: La magia de Broadway está de regreso en el Teatro Telcel¿Sabrina Carpenter en Mamma Mia! 3? Broadway anuncia regreso del musicalJoy Huerta, brilla en Broadway: se lo dedico al país entero

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Torreón se vestirá de gala con Nadine Sierra y el pianista Ángel Rodríguez

Cuando se colabora con artistas de prestigio internacional, indica en entrevista el pianista Ángel Rodríguez, por lo general “es como llegar a un banquete con la mesa puesta, sentarse y dejarse llevar a un juego artístico, del que no saldrás igual que cuando entraste”. El músico de origen cubano será el encargado de acompañar a la soprano estadounidense Nadine Sierra, quien se presentará en el Teatro Isauro Martínez (TIM) el próximo 12 de noviembre, en punto de las 20:00 horas, en el marco del Festival El Mitote Lagunero. Rodríguez alista su vuelo a Torreón. La última vez que lo hizo fue en 2021, cuando se presentó junto a Javier Camarena en el Teatro Nazas. Cuatro años han pasado y ahora es turno de musicalizar la visita de la que es considerada una de las mejores sopranos del mundo: Nadine ... Más información -- Torreón se vestirá de gala con Nadine Sierra y el pianista Ángel Rodríguez»

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Fela Domínguez desde La Laguna: 'El escenario es mi antídoto contra el miedo'

Fela Domínguez es una artista que ha destacado en México y ha llevado el nombre de nuestro país en alto gracias a producciones de teatro internacionales como El Guardaespaldas y El Rey León en su adaptación española, aunque también brilló en la mexicana, en el mismo papel, el de "Nala". Ansiosa de conocer siempre nuevos lugares y más si son de Tierra Azteca, Fela llegó este fin de semana a La Laguna para ofrecer una MasterClass en Arte 4, ante talentos locales que buscan ampliar sus horizontes musicales. Dentro de su apretada agenda, Domínguez se dio su tiempo para visitar en exclusiva El Siglo de Torreón para hablar de su carrera y dejó en claro que ha desafiado sus miedos, además de que el escenario ha sido vital para empoderarse. ´¿Cómo estás... Más información -- Fela Domínguez desde La Laguna: 'El escenario es mi antídoto contra el miedo'»

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Giselle regresa al Palacio de Bellas Artes: fechas, boletos y elenco 2025

Verenice AvilaEl Palacio de Bellas Artes vuelve a llenarse de romanticismo con el regreso de Giselle, uno de los ballets más emblemáticos del repertorio clásico. La Compañía Nacional de Danza (CND) trae de nuevo esta joya escénica para una temporada corta en noviembre, acompañada por la Orquesta del Teatro de Bellas Artes, que interpretará en vivo la música del compositor francés Adolphe Adam. Este ballet, que ha conquistado al público desde hace más de 180 años, regresa al máximo recinto cultural del país con una producción cuidada, fiel a su versión original, y con el sello artístico de la CND, una de las agrupaciones más importantes de Latinoamérica. ¿De qué trata Giselle? Una joya del ballet romántico Estrenada por primera vez en París en 1841, Giselle es considerada una de las piezas más representativas del ballet clásico. Giselle cuenta la historia de una joven campesina apasionada por la danza que se enamora de un noble disfrazado de aldeano. Cuando descubre que él la engañó y está comprometido con otra mujer, el desamor la lleva a perder la razón y la vida. Pero la historia no termina ahí: en el segundo acto, Giselle regresa convertida en un espíritu del bosque, una Wili, y, movida por el perdón, salva a su amado de la condena eterna. El libreto, escrito por Théophile Gautier y Vernoy de Saint-Georges, y la coreografía original de Jean Coralli y Jules Perrot, hacen de esta obra uno de los pilares del ballet romántico. En México, la Compañía Nacional de Danza mantiene viva esta tradición desde hace décadas, presentando la historia con la elegancia y técnica que la caracterizan. Dirección artística de Giselle 2025 en Bellas Artes La dirección artística de la CND está a cargo de Erick Rodríguez, con la reconocida bailarina Elisa Carrillo Cabrera como directora artística adjunta. Carrillo, una de las figuras más destacadas del ballet internacional, ha sido clave en la difusión del ballet clásico en México. La música será interpretada en vivo por la Orquesta del Teatro de Bellas Artes, bajo la dirección del maestro Yhovani Duarte, quien ha participado en distintas temporadas de la compañía. El montaje conserva la esencia de la coreografía original, con escenografía y vestuario inspirados en el diseño histórico de Antonio López Mancera, un referente del arte escénico mexicano. Fechas, horarios y precios del ballet Giselle en el Palacio de Bellas Artes La temporada de Giselle se presentará en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes del 4 al 23 de noviembre de 2025. Las funciones están programadas los días: Martes 11, jueves 13, martes 18 y jueves 20 a las 20:00 horas Domingos 9, 16 y 23 a las 17:00 horas El precio de los boletos varía entre 300 y 900 pesos, dependiendo de la zona del teatro: Luneta 1: $900 Luneta 2: $800 Anfiteatro bajos: $700 Anfiteatro altos: $650 Galería: $300 Los boletos están disponibles en la taquilla del recinto y en el sistema oficial del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL). Se aplicará un descuento del 50% a adultos mayores, maestros y estudiantes con credencial vigente. El legado de Giselle en México Desde su estreno en el país, Giselle ha sido una de las obras más queridas por el público mexicano.  La Compañía Nacional de Danza la ha interpretado en escenarios emblemáticos como Bellas Artes, el Auditorio Nacional y el Castillo de Chapultepec. Más allá de su belleza visual, la historia de Giselle sigue conmoviendo a nuevas generaciones por su mezcla de drama, amor y redención. Con cada temporada, la CND reafirma su compromiso de mantener vivo el legado del ballet clásico, acercando este arte a todo tipo de público.         Ver esta publicación en Instagram                       Una publicación compartida por Secretaría de Cultura (@culturamx) Contenidos Relacionados: La imaginación como refugio y resistencia en la obra Soñantes. Intento 1045El fantasma de la ópera, encontrar la belleza bajo la máscaraEl Rey León: “La inclusión forma parte del ciclo vital”

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Jacob Elordi disfrutó de actuar “a ciegas” en 'Euphoria' temporada 3, improvisando sin guion definitivo

La tercera temporada de Euphoria no solo ha dado un salto narrativo impactante, sino que también ha mostrado un cambio radical en el proceso creativo de sus protagonistas.Jacob Elordi, quien interpreta a Nate Jacobs, confesó a Entertainment Weekly que esta temporada fue la más libre y experimental de su carrera en la serie.La libertad de improvisarElordi explicó que, a diferencia de temporadas anteriores, no tuvo un guion completo ni ensayos prolongados. Todo era más instintivo y espontáneo, un proceso que lo obligó a conectarse profundamente con su personaje y con las emociones de cada escena.“Normalmente me gusta obsesionarme con lo que estoy haciendo, entender lo que está pasando y tener tiempo para armar cada elemento. Esta vez no tuve tiempo para prepararme. No tenía scripts en ningún sentido completo. Solo tenía conversaciones creativas con Sam [Levinson], así que no tuve opción”, reveló.Esta dinámica le permitió actuar a ciegas, sin guías estrictas, confiando únicamente en su instinto y en la interacción con los demás actores. Jacob lo describió como un experimento constante:“Era como lanzar cosas a la pared y ver qué pegaba. Y luego, de repente, algunas cosas sí pegaban. Eso fue liberador porque normalmente tengo todo planeado. Esta vez, no había plan, solo reacción pura”.El proceso no estuvo exento de retos. Sin la estructura habitual, Elordi debía confiar en su conocimiento previo del personaje y en la dirección puntual de Sam Levinson. Esto, según él, fomentó un nivel de autenticidad único en cada escena.“Solo podía ir día a día. Solo podía hacer lo que me daban ese día y luego intentar inventar algo basado en lo que conozco del personaje y lo que veo en el set frente a mí”, explicó Jacob.Este enfoque también lo ayudó a explorar la complejidad de Nate, especialmente frente a las tensiones crecientes de la narrativa adulta de la tercera temporada. La ausencia de un guion estricto permitió que las emociones fluyeran de manera más natural y cruda, un efecto que tanto fans como críticos han notado en pantalla.La evolución del actor: Los beneficios de poder confiar en él mismoPara Elordi, esta temporada representó una madurez actoral que va más allá de memorizar líneas. Aprender a actuar sin seguridad, sin red de guion, lo puso en un terreno desconocido pero altamente enriquecedor.“Aprendí a confiar en mi instinto y en la historia que ya conozco. No hay tiempo de preocuparse por lo que va a pasar después, solo reaccionar y vivir el momento”.El actor destacó que este método también fortaleció su relación con el equipo y los coprotagonistas, generando una química más auténtica y palpable en pantalla.Con la temporada 3 de Euphoria, Elordi se consolida como un actor dispuesto a romper moldes y experimentar con cada escena, una filosofía que, según él, seguirá aplicando en futuros proyectos.Aunque no reveló detalles de la temporada, su enfoque demuestra que está abierto a arriesgarse y reinventarse continuamente.“Actuar así es aterrador y emocionante al mismo tiempo. Es un balance delicado entre perderte en el personaje y mantener el control de la historia. Pero si logras eso, es increíblemente gratificante”, concluyó.La tercera temporada de Euphoria no solo expone los conflictos de sus personajes, sino que también muestra el crecimiento y la audacia actoral de Jacob Elordi, quien sigue sorprendiendo con su capacidad de adaptarse a un proceso creativo sin límites ni guion rígido.

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La imaginación como refugio y resistencia en la obra Soñantes. Intento 1045

Mauricio Alvarado / EditorLa compañía Onírico presenta Soñantes. Intento 1045, una obra que entrelaza la danza, el teatro del gesto y el lenguaje visual para contar la historia de un intendente atrapado en la monotonía, impulsado por sus “alter egos” a escapar hacia otros mundos. TE RECOMENDAMOS: Dramaturgia actual revela sus vínculos; DramaFest México 2025 Bajo la dirección y autoría de Gilberto González Guerra y Juan Ramírez, quien además interpreta al protagonista, Soñantes “es una pieza sobre la imaginación como refugio y resistencia, una celebración del cuerpo que no se rinde y del alma que se rehúsa a olvidar quién es”, explica Onírico en un comunicado. Tres cuerpos en escena habitan un universo de nubes, humo y silencios donde la fuga se gesta. Allí, un trapo cobra vida para convertirse en cómplice del protagonista, una escalera se transforma en mapa y las nubes simbolizan la posibilidad de soñar. Gracias al trapo, el personaje sueña, pero también lucha con él. Tiene un lado tierno, pero también hostil, melancólico y derrotista”, explica Juan Ramírez, codirector, coautor y protagonista de la obra. SOÑANTES. INTENTO 1045, UNA PIEZA QUE RETRATA DE UN HOMBRE ROTO EN 3 PARTES La pieza retrata a un hombre “roto en tres partes”: su cuerpo físico, su espíritu que habita un universo de fantasía y sus memorias. Con lenguaje sencillo y entrañable, Soñantes. Intento 1045 nos invita a reconocer la belleza escondida en lo cotidiano y la fuerza que surge del cansancio. Soñantes ofrecerá funciones en el Teatro de la Danza del Centro Cultural del Bosque el 13 y 14 de noviembre, a las 20:00 horas; el 15 de noviembre, a las 19:00 horas; y el 16 del mismo mes, a las 18:00 horas. SOBRE LA COMPAÑÍA ONÍRICO Fundada en 1998, Onírico es una compañía mexicana que fusiona la danza, el teatro del gesto y expresiones escénicas contemporáneas. Ha sido reconocida con el Premio Nacional de Danza Guillermo Arriaga (INBA-UAM), el concurso de creación coreográfica contemporánea más importante de la danza en México, en tres ocasiones y ha presentado su trabajo en México, América, Asia y Europa. Su línea creativa apuesta por la poética visual, la construcción de universos simbólicos y el cruce entre lo lúdico y lo existencial. Actualmente forma parte del banco de talentos de la compañía internacional Cirque du Soleil de Montreal, Canadá. CONSULTA AQUÍ LAS NOTICIAS DE ÚLTIMA HORA *mcam  Contenidos Relacionados: Llevan a escena distopía familiar; estreno mundialPlutón, el teatro que se siente más allá de la vistaAlistan reposición escénica de Algo de Ricardo en el Foro Shakespeare

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Paulina Lavista expondrá y donará fotografías inéditas

En contexto del primer encuentro SERSUR Latinoamérica y el Caribe, ciclo impulsado por Danza UNAM y que articula a las artes escénicas y a la palabra para reflexionar sobre temáticas como migración, amor, reconciliación y memoria, será inaugurada la exposición Homenaje al Taller Coreográfico de la UNAM, de la fotógrafa Paulina Lavista.Entre las imágenes, “hay fotografías de la maestra Gloria Contreras —fundadora y directora de la compañía— poniéndose las zapatillas antes de entrar a escena, que son de verdad una hermosura. Paulina tomó unas fotos del Taller Coreográfico de la UNAM (TCUNAM) en los 70, que son tanto en escenario como tras bambalinas, en los camerinos, que son inéditas, nunca se han visto, nunca han salido a la luz”, dice en entrevista con MILENIO, Claudia Lavista, directora de Danza UNAM. Serán 30 fotografías las que serán exhibidas en el Homenaje al Taller Coreográfico de la UNAM, el 9 de noviembre a las 11:30 horas, tan solo una hora antes de la presentación del TCUNAM con el programa “Latinoamérica en el cuerpo”, en contexto de SERSUR, el cual reúne y celebra la riqueza cultural del continente a través de obras de distintas generaciones de coreógrafos. Ambas actividades se desarrollarán en la Sala Miguel Covarrubias de la UNAM.“Además, Paulina va a donar estas 30 fotografías al Archivo Histórico de la UNAM y la exposición se podrá ver el 9, 14, 15 y 16 noviembre; me parece muy importante que este proyecto suceda, además, en contexto de SERSUR, y de la celebración por los 55 años del Taller Coreográfico de la UNAM. Ahí mismo desvelaremos una placa para celebrar, porque se dice fácil cumplir 55 años, pero es un trabajo de muchas personas; por supuesto, de la maestra Gloria Contreras durante muchos años, y una vez que ella falleció, pues de todo el esfuerzo que ha habido por mantener vivo su legado, su lenguaje y esta compañía”.Latinoamérica en el cuerpo reúne obras de la maestra Contreras como Balada latinoamericana y Hora de junio, con poesía de Carlos Pellicer y música de Silvestre Revueltas. Además de otras piezas a cargo de Irina Marcano, Melva Olivos, Arturo Vázquez y el bailarín Salvador Sánchez.Danza Latinoamericana y del CaribeSobre SERSUR Latinoamérica y el Caribe, este primer encuentro se concibe y parte de la pregunta: ¿quiénes somos en el presente, en y desde el sur?En palabras de Claudia Lavista: “La idea es responder esta pregunta con una serie de acciones que tienen que ver con lo artístico, con lo reflexivo, con lo académico. Entonces, hemos invitado para esta ocasión a agrupaciones de Latinoamérica y del Cararibe, y en específico a Cuba, República Dominicana, Colombia y Chile".Además de conversatorios y talleres, se presentarán cuatro obras: Reactor Antígona, Murmuria, de la Compañía Marianela Boán Danza; Moritūrī tē salūtant, de Checho Tamayo; Murmuria, de la Compañía CORTOCINESIS; y Práctica de Culos, de Sudakas Sudadas.“La idea es que estos artistas que nos van a visitar, además de dar sus funciones, en el Centro Cultural Universitario, en la Sala Miguel Covarrubias y en el Salón de Danza, van a estar impartiendo durante la próxima semana talleres abiertos a la comunidad y vamos a tener una serie de mesas de reflexión en colaboración con el CENIDI Danza José Limón”.Sobre Práctica de culos, “es una obra de danza, descrita por ellas mismas como: ‘en el culo del cuerpo, en el culo del mundo: una invitación a descolonizar los imaginarios y compartir las experiencias corporales que habitan este mundo’. Me parece que tienen una propuesta estética, pedagógica, política muy interesante, y me pareció importante que estuvieran presentes porque, justamente, plantean la forma de ver la danza desde una estética muy distinta y que tiene que ver con lo decolonial; está muy influenciada por el twerk y el funk brasileño, y para ellas, trabajar desde la pelvis, que es lo que veremos, tiene que ver con el recuperar el gozo, el placer, el centro del cuerpo”.SERSUR Latinoamérica y el Caribe comenzó el 7 de noviembre, pero las actividades terminarán el 16 de noviembre. Sobre las siguientes ediciones, la directora de Danza UNAM concluye: “Este año está dedicado a Latinoamérica y el Caribe; el próximo estará dedicado a África; y en el 2027 a Asia, porque nos interesa hacer un recorrido de estos sures, entender estas narrativas y estas formas de contar la historia y la manera de expresar desde los cuerpos”.MGR

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Duane Cochran: “Los creadores movemos las piezas del alma”

Se llama Duane Cochran. Lo conozco desde hace más de tres décadas; es pianista, bailarín y coreógrafo, algo poco común en arte. Me encanta su energía y su enorme y contagiosa sonrisa. Mi primer acercamiento a él fue como coreógrafo. Más tarde lo seguí como pianista. En medio de esas disciplinas creció nuestra amistad. En 2025 le hice esta entrevista por todos los aniversarios que celebraba: 70 de edad, 60 de haberse iniciado como pianista en Estados Unidos, 35 como fundador de Aksenti, su compañía de danza. Y por si fuera poco, su casi medio siglo en México, país del que se enamoró y eligió como su casa.Para festejar, Duane ofreció en el Anfiteatro Simón Bolívar del Colegio de San Ildefonso, en abril de este año, un concierto en el que música para piano y danza se entrelazaron. No podía ser de otro modo: ambas artes están enraizadas en su vida, una alimenta la otra,aunque en ocasiones las partituras sean más celosas que la coreografía.Pero ese concierto en San Ildefonso es ya historia. Hoy, lo que tiene emocionado e insomne a Duane es otro reto: el montaje del concierto para violín y orquesta de Ígor Stravinski, y la coreografía de El mandarín milagroso, ballet en un acto, basado en la historia que escribió Melchior Lengyel, con música del también húngaro Béla Bartók. Estas dos obras son ambiciosas. El mandarín milagroso (o maravilloso) causará polémica y será un estreno en México, que ocurrirá en 2026. Sobre eso y sus dos oficios conversé con Duane una tarde.Los aniversarios—En el programa en San Ildefonso, el espectáculo comenzó con piano y no con danza, ¿por qué?—Sí, porque a los ocho de edad empecé a aprender piano.—¿Cómo elegiste estas obras?—En 2022 años me invitaron al Festival Internacional en Blanco y Negro. Me pidieron que tocara una obra de autor estadunidense; la otra condición fue que bailara una coreografía mía. El objetivo era mostrar mi esencia en ambas disciplinas. Por eso quise celebrar mis aniversarios con el mismo programa.En aquel concierto, Duane Cochran tocó al piano obras con alto grado de dificultad. La sonata número 3, de Dello Joio. Luego Pieza cíclica y Puerto de arribo, de Rosa Guraiev, libanesa que vivió muchos años en México y falleció en 2014. La tercera pieza fue la Sonata 7 para piano, de Prokófiev, envolvente e intensa, que el autor creó en la Segunda Guerra Mundial, mientras escuchaba el detonar de las bombas. La última obra que Duane eligió para su celebración fue Somnia, de Rodrigo Sigal.—¿Qué significa para ti la obra Somnia?—Somnia es mi conflicto entre danza y música. No te enseñan que puedas tener dos tareas artísticas. Siempre tuve ese diálogo o debate, y Somnia es eso. Por esa razón las partituras están en el piso y camino sobre ellas; las hojas vuelan por el aire. Mientras danzo y toco el piano, me pregunto qué hago, qué trato de expresar, y cuánto todavía tengo por encontrar.Duane Cochran se inclina por obras del siglo XX hacia nuestros días. Pero es amante de Bach, cuyas obras toca a diario en casa; domina el repertorio de Mozart, Rajmáninov y Brahams, sus preferidos. Se sienta al piano todas las noches y madrugadas. Dice que, si al alba, vemos una ventana con luz encendida, es que ahí vive un pianista.Dos disciplinas celosas—¿Te has sentido culpable por hacer danza cuando tendrías que aprenderte una obra de piano?—No. Siempre dije que haría las dos tareas. Cada disciplina es muy celosa. Cuando me invitan a tocar como solista en la orquesta, mido si puedo hacerlo. Con Aksenti, si no estoy montando una coreografía, tengo un ensayador que sabe mis obras y las repasa con la compañía; él se llama Rodolfo Aguilera. Solo le digo que estaré tantas semanas dedicado al piano. Pero no me siento infiel a la danza.Primero fue el piano…—¿Cómo llega el piano a tu vida?—Empecé de niño porque mi mamá lo tocaba. Mi abuela me contó que mientras mi madre tocaba, yo trataba de alcanzar las teclas. Fue ella quien percibió que había algo en mí hacia la música y me llevó con un maestro, tenía yo ocho de edad. La casa de mis padres y la de mi abuela estaban cruzando la calle. Pasé diez años cerca de mi abuela. Seguía estudiando cuando iba a ingresar a la universidad. Ella y mi mamá me preparaban para ser de los primeros pianistas negros de música clásica. Porque lo raro era que, en una familia de inmigrantes pobres, hubiese un pianista. Eso no existía en la sociedad afroamericana de mi época, que padecía racismo. En la escuela cuando se enteraron que yo estudiaba piano, decían: “¡cómo, si los negros no son pianistas de concierto!”.—¿A qué edad te lo decían?—Desde la primaria y la secundaria. Es algo con lo que creces. Lo logré gracias a mi papá que me decía: “puedes llegar a ser lo que quieras, no escuches a quienes ven en ti lo que no tienen”.—Tu mamá es un caso excepcional: tocaba el piano en un Estados Unidos aún más racista...—Sí, y lo logró porque mi abuela, bien sabia, se dio cuenta que, si quería hacer algo en un mundo racista, no podía tener tantos hijos. Ella se separó de mi abuelo “coscolino”, y crio a mi mamá siendo madre soltera; luego se casó con un cubano, en Luisiana. Así, ella le dio a mi mamá oportunidades de aprender piano y pintura, además era una lectora ávida.—Para tu madre debió ser gran satisfacción que tú sí fueses pianista profesional…—Sí, era feliz. Recuerdo mi primer concierto; hubo un problema con la fecha, se cambió a última hora, pero no me avisaron. Llegué y en la sala estaba únicamente mi mamá, esperando que yo tocara. Y lo hice.—Tú das el salto; mientras tu mamá toca en casa, tú a los 18 ya eres un profesional.—Sí. Obtuve una beca completa para la universidad. Fui el primer pianista de toda esa gran familia negra.—¿De dónde es tu apellido?—Mis papás vinieron a Estados Unidos desde las Islas Guadalupe. Se conocieron en Estados Unidos, donde había un gueto de inmigrantes; hablaban creole y se instalaron en Baton Rouge. Luego se fueron a Michigan buscando una mejor vida. Yo nací en Detroit.“Veía movimiento mientras tocaba”—¿Y cómo te acercas a la danza?—Cuando niño, mientras estudiaba piano, en mi cabeza veía movimiento. Tocaba y me llegaban imágenes danzantes. Antes de tomar clases de danza, veía canales de cultura; así conocí al American City Ballet, a Balanchine y su relación de trabajo y amistad con Stravinski. Mis tres compositores favoritos son Bártok, Prokófiev y Stravinski.Duane Cochran vino a México sólo vacaciones, a inicios de los 80. Pensaba volver a su país, pues había sido admitido en Juilliard; en ese tiempo era de los pocos negros que lo conseguían. Pero se enamoró de México, de su comida y su gente. Las vacaciones se alargaron y renunció a esa oportunidad en Juilliard, Nueva York. Dice que no se arrepiente.Stravinski, El mandarín milagroso y Bártok—¿Qué preparas para 2026?—El Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales (SACPC), me otorgó el estímulo Efiartes; es el tercero que obtengo. En la convocatoria hay una sección para Gran Formato y montaré el concierto para violín y orquesta en re mayor, de Ígor Stravinski; yo lo tocaré en dos funciones. Y en dos ocasiones más, serán dos pianistas quienes lo interpreten; es decir, será un concierto a cuatro manos.—¿Y montarás danza?—Sí. La segunda parte del proyecto es el montaje de El mandarín milagroso, de Béla Bartók. En 2026 se cumplirán 100 años de haberse visto por primera vez; pero en 1926, un político sentenció que esa obra no se volvería a ver. Adaptada a México, en escena veremos a tres delincuentes que viven en un lugar como Tepito,con ellos tienen a una mujer, quizá a la fuerza; la obligan a exhibirse en una ventana y bailar voluptuosamente, para atraer hombres y robarles. El primero que llega es un anciano, y no tiene dinero; lo botan a la calle. El segundo es un joven, con el que ella hace una danza erótica; siente algo por él, pero quienes la vigilan no quieren que se enamore; se dan cuenta que es un chavo que apenas si tiene para el Metro, y lo echan a la calle. El tercero es un mandarín de mucho dinero, con vestimenta de seda y reloj. Los delincuentes lo roban y tratan de asfixiarlo; lo apuñalan tres o cuatro veces, pero no muere; se vuelve a levantar, pues está enamorado de la mujer. El mandarín se da cuenta que lo que necesita es hacerle el amor a la mujer y ella lo complace. Al final, muere el mandarín. Pero imagínate esa historia hace cien años.—Un escándalo…—Y será un escándalo, incluso en el México actual.—Es vigente el tema, por las estafas y la delincuencia en México.—Exacto. El estreno será en el Teatro de las Artes, en febrero del 2026. Habrá otra función en la Sala Covarrubias, con orquesta. También la llevaremos al Politécnico Nacional. Luego adaptaré una versión para la Sala Nezahualcóyotl, con la Filarmónica de la UNAM. Será en marzo.—¿Qué tan complejo es el proceso?—Algo. Actualmente, tanto los pianistas como el violinista están aprendiendo la música. En la primera parte de cada función se interpretará el concierto de Stravinski. En la segunda parte, El mandarín milagroso, de Bártok, bajo el argumento de Melchior Lengyel. Es una partitura fuera de serie; la coreografía es mía, bailada por Aksenti.—¿Tendrás bailarina huésped?—Están por audicionar varias bailarinas. Ya les dije que se entrenen; debe ser una mujer que se pueda mostrar desnuda, sin problemas. Quiero que sea impactante el espectáculo.El estreno de El mandarín milagroso ocurrió en Colonia, Alemania, y fue tal el escándalo que el alcalde la censuró; ese hombre se llamaba Konrad Adenauer quien, a la vuelta de los años, sería el primer canciller de la República Federal Alemana.Parece que cumplir 70 años de edad y celebrar otros aniversarios le trajo suerte a Duane. En esos días lo buscaron para un castingy pasó la prueba; participará en una cinta cuyo peso está en el movimiento, ya que es un filme mudo.La danza en su vidaLa danza es la segunda pasión artística de Cochran. La estudió desde la preparatoria, en Michigan; allá conoció a una discípula de Martha Graham de quien aprendió un tiempo. Luego, ya en México, otra vez se acercó a la danza. En 1986, el sida estaba cortando vidas en todo el mundo, y Duane perdió a quien había sido su pareja. Ese hecho traumático lo devolvió a la danza. Tenía treinta de edad.—¿Con quién te entrenaste?—Con el Ballet Danza Estudio, de Bernardo Benítez y a la par que continué como pianista. Un día, Bernardo llegó y me dijo “sé que es muy importante para ti el piano, pero quiero que bailes en mi compañía”; me emocioné mucho. Me propuse trabajar fuerte para mostrar que sí podía bailar y tocar el piano. Pasaba horas ensayando las coreografías. Llegaba a mi casa a estudiar partituras, pues estaba ya con la Filarmónica de la Ciudad de México y también en la OFUNAM. Bailé en la compañía de Bernardo casi cuatro años. Luego hubo problemas internos, y a la par, sentí que estaba en mi mejor momento para la coreografía; me propuse hacer una. Reuní a mis amigos y participé en el primer concurso del Premio INBA-UAM de Coreografía, en 1991; la final fue en Bellas Artes. Mi idea era bailar, pero nunca pensé que iba a ganar el primer lugar, como ocurrió.—Luego llegaste como coreógrafo a Ballet Independiente, ¿cómo te fue ahí?—Eso fue dos o tres años después del premio. Para el Independiente monté primero Carmina Burana. En esa época me dieron lata críticos como Carlos Ocampo y César Delgado; quisieron destrozarme; hoy estoy muy orgulloso de tener esas críticas, pues tenía poco tiempo en la coreografía.—¿Cuál es tu balance hoy?—Es positivo. Estoy en una lucha constante y sigo aprendiendo. Sé que, si deseo hacer algo bien, debo persistir y buscar apoyos. Si te relajas, nada te va a llegar. Hasta hoy, los resultados han sido muy alentadores.—¿Y el público?—El público agradece que des todo de ti. Los creadores somos una especie de neurocirujanos: acomodamos el rompecabezas que es el espíritu, movemos las piezas del alma. Ningún médico puede hacerlo, solo los artistas. Por ejemplo, llegas al museo o empiezas un libro con el alma vacía y, cuando sales de la exposición o terminas el libro, estás pleno. Me encanta darme cuenta que eso me pasa cuando veo arte, y que esa también es mi tarea.—¿Volverías a los Estados Unidos?—Para nada. Aquí llevo más de la mitad de mi vida. Solo cuando viajo a Estados Unidos uso mi pasaporte gringo. Pero a Europa o Latinoamérica entro con mi pasaporte mexicano.—Eres más mexicano que el mole…—Y ya que lo dices, ahorita me voy a comer unas enchiladas de mole que me hizo la señora que nos apoya en casa. Adoro el mole.AQ

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Trailer: Dónde ver “Muerte por un rayo”, la impactante serie sobre el asesinato de un presidente de EU

Carlos Zorrilla Netflix ha agregado recientemente a su catálogo la miniserie Muerte por un rayo (Death by Lightning), una producción histórica que rescata del olvido la figura de James A. Garfield, vigésimo presidente de los Estados Unidos y el segundo mandatario asesinado durante mientras ejercía la presidencia. La serie, compuesta por cuatro episodios, ya se ha posicionado entre las más vistas en la plataforma en diversos países, ocupando un lugar en el top 10 y en México ya se encuentra disponible a partir de este fin de semana. TE RECOMENDAMOS: ¡Escalofriante! La miniserie de Netflix basada en una historia real que está aterrando a todos ¿De qué trata Muerte por un rayo? La miniserie se adentra en la vida paralela de Garfield y de su asesino, Charles J. Guiteau, interpretados magistralmente por Michael Shannon (The End) y Matthew Macfadyen (Succession). Ambos actores ofrecen un retrato profundo y humano de dos hombres opuestos: uno, un político íntegro que asciende casi por accidente a la presidencia; el otro, un personaje inestable y delirante que se convence de ser pieza clave en el destino del país. Ambientada en el siglo XIX, Muerte por un rayo adapta la novela Destiny of the Republic: A Tale of Madness, Medicine and the Murder of a President (2011) de la escritora estadunidense, Candice Millard. La historia arranca en 1880, durante la convención republicana de Chicago, donde Garfield, quien es un académico brillante, héroe de la Guerra Civil y congresista respetado, es elegido candidato casi contra su voluntad tras un discurso que conmueve a las bases del partido. Su mandato, sin embargo, sería efímero: apenas 200 días después de asumir la presidencia, su vida se ve truncada por el disparo de Guiteau en la estación de ferrocarril de Baltimore y Potomac. TE RECOMENDAMOS: Los Diarios de la Boticaria anuncia fecha de su tercera temporada y una película original Reparto y directores de Muerte por un rayo La serie, dirigida por Matt Ross (Captain Fantastic) y escrita por Mike Makowsky (Bad Education), cuenta con la producción ejecutiva de David Benioff y D. B. Weiss, creadores de Juego de tronos. Con su sello característico, los productores buscan iluminar un episodio casi ausente en la cultura popular estadounidense, combinando rigor histórico con una narrativa intensa y emocional. El reparto incluye también a Nick Offerman como el vicepresidente Chester A. Arthur, Betty Gilpin como Lucretia Garfield, Bradley Whitford y Shea Whigham como los congresistas James Blaine y Roscoe Conkling, respectivamente. Paula Malcomson interpreta a la hermana de Guiteau, y el elenco se completa con Tuppence Middleton, Željko Ivanek y Kyle Soller. Muerte por un rayo no solo reconstruye el magnicidio, sino que examina el contexto político y social de una nación dividida entre conservadores y liberales, marcada por la corrupción y los conflictos internos tras la Guerra Civil. La trama muestra la obsesión de Guiteau por obtener reconocimiento político y la tragedia que deriva de su desequilibrio mental, mientras Garfield representa la esperanza frustrada de una reforma moral en el poder. La serie ha sido aclamada por la crítica: cuenta con un 88 % de aprobación en Rotten Tomatoes y una puntuación de 80/100 en Metacritic. IndieWire la describe como “trepidante, mordaz y melancólica”, y The Guardian destaca la actuación de Macfadyen como “inolvidable”. Contenidos Relacionados: ¿A qué hora se estrena Frankenstein de Guillermo del Toro en Netflix?Senado aprueba cambios en Netflix y otras plataformas: así serán las cancelacionesNuevas películas navideñas 2025: los estrenos de Netflix que no te puedes perder

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Estreno. Abren el telón para El Fantasma de la ópera

Los productores Morris Gilbert y Claudio Carrera revelaron los retos que han enfrentado para que El Fantasma de la ópera, que anoche tuvo su función de estreno, vuelva al escenario después de 25 años.“Es un sueño hecho realidad, nunca pensé que esto fuera a suceder después de 25 años, ahora hacerla por segunda ocasión es una sensación de mucha irrealidad”, dijo Morris a MILENIO durante la alfombra roja.El productor habló de lo más retador en la nueva puesta en escena:“Lo más difícil fue encontrar al reparto, encontrar a los cantantes y actores con las habilidades que necesitábamos, eso siempre es el reto más grande en una obra como esta, y gracias a Dios lo conseguimos”, precisó.Los principales atributos que buscó en las audiciones fue “talento y preparación”,los cuales detecta con un equipo de expertos en música, directores de casting, actuación y demás ámbitos necesarios para la calidad deseada.Sus expectativas en el estreno están enfocadas en “que no haya ni una butaca vacía durante el estreno”.​El productor Claudio Carrera se mostró emocionado en la noche de estreno y compartió su primera experiencia con el clásico de Andrew Lloyd Webber.“La vi en 1989, tenía poco de estrenar, pude ir a Londres con mi familia, conseguí solo un boleto en reventa, al verla pensé en traerla a México pero ¿Cómo y cuándo? Que ahora nos toque a nosotros es una meta cumplida”, relató.También destacó lo complicado que es conseguir los derechos de la obra del autor de otros éxitos como Jesucristo Superestrella y Cats.“Llegar a ella es muy difícil, esta licencia es la joya de Lloyd Webber, para mí la mejor obra musical escrita en el teatro contemporáneo, solo comparable con Los Miserables, por eso perduran décadas en la cartelera de teatros alrededor del mundo”La nueva producción es una versión estrenada por Webber en la ópera de Montecarlo y requirió traer a más de 40 personas de Inglaterra, España, Italia, entre otros.“Logramos remodelar el teatro, lobby nuevo, baños nuevos, y cuando entras ves un nivel de producción como si estuvieras en los mejores teatros del mundo. A veces como mexicanos decimos que afuera lo hacen mejor, pero esta vez no, llegamos al nivel de calidad de otros lugares”, aseguró.El público de pieAl terminar la función, el teatro entero se puso de pie para aplaudir al elenco, al equipo técnico y a los productores quienes también ingresaron al escenario. View this post on Instagram La productora María Elena Galindo agradeció a quienes hicieron posible “embellecer el teatro en 6 semanas”.“Ha sido un tremendo esfuerzo, tenemos un teatro renovado, las placas no crean que se van a olvidar, esas placas se convertirán en un paseo por la historia de todos los grandes que han pasado por aquí, es un teatro único e icónico”, declaró.Claudio Carrera tomó el micrófono para reconocer a Alfonso J. González, a Daniel Villafañe, Diego Cantú y en especial a Morris Gilbert “Con este estreno comenzamos a celebrar tus 50 años como productor, eres una inspiración para todos nosotros”, le dijo al productor a quien le cedió la palabra.Morris agradeció a todos los socios de Ocesa, al equipo británico LW Entertaiment y habló del momento en el que considera que se encuentra el teatro nacional. “Llevamos más de 30 años en esta nueva era del teatro en México y creo que se nota la calidad que tenemos”, señaló también la entrega y compromiso del elenco y músicos, nombró a todo el equipo creativo nacional e internacional.El director y escenógrafo de la obra, Federico Bellone se disculpó por su poco español pero resaltó el entusiasmo del país por el teatro.“Nunca me pasó encontrar tanta pasión por el trabajo en el teatro como en México”, pronunció el italiano generando emoción en el público.Lina de la Peña y Luis AnduagaDurante el cóctel en el lobby del teatro, la protagonista Lina de la Peña contó a MILENIO sobre la experiencia de dar vida a Christine Daaé, un rol que le hizo sentir gran responsabilidad.“Fue un trabajo muy arduo desde las audiciones, el nivel de rendimiento e interpretación es muy complejo así que no he parado de prepararme y lo seguiré haciendo hasta que termine la temporada”, describió.Su primer encuentro con la historia fue a través de la película homónima de 2004, a partir de ese momento se obsesionó con la historia durante su adolescencia.“Como es un personaje que ya han hecho las grandes, lo único que podía hacer era aportarle la frescura que tengo como persona, porque eso ayuda no verlo como el personaje icónico que es sino más humano con el que el público se pueda identificar”, comentó de su interpretación.Por su parte, Luis Anduaga recordó el largo proceso de casting que constó de más de 8 filtros antes de ser seleccionado para interpretar a Raoul de Chagny.“Ver ahora el resultado y que a la gente le gusta es increíble. Estuvimos trabajando muchas horas diarias, el arco del personaje lo pude explorar en estas últimas semanas también gracias al apoyo equipo creativo”, agradeció.Su aportación al personaje coincidió con el de la coprotagonista.“Creo que Raoul siempre es sobreprotector, pero quise que fuera más humano, que quiera ayudar y resolver para que todos estén a salvo”, comentó. Y además.Roberto Sosa, Andrés Zuno, Jimena Cornejo, Mariana Lodoza, Mónica Huarte, Lidia Ávila, Jacqueline Andere y Mariana Garza, entre muchos más se dieron cita en el Teatro de los Insurgentes.Las funciones son de miércoles a viernes a las 20 horas; sábados a las 17 y 20:30 horas; y domingos a las 13 y 17:30 horas. Organizarán meet and greets con parte del talento a lo largo de la temporada.OAGP

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El clásico ballet 'Giselle' regresa al Palacio de Bellas Artes

Giselle es considerada tanto una pieza fundamental del romanticismo como una obra maestra del ballet clásico, la cual regresa al Palacio de Bellas Artes bajo la visión de la destacada bailarina y educadora cubano-rusa Svetlana Ballester, con la participación de la Orquesta del Teatro de Bellas Artes y contando con la dirección Yhovani Duarte, director titular de la Orquesta Sinfónica del Gran Teatro de La Habana.Esta obra que se divide en dos actos se estrenó en 1841 en París, fue compuesta por Adolphe Adam en solo tres semanas y se basa en la leyenda de las Wilis, espíritus de novias traicionadas que mueren antes de casarse y obligan a los hombres a bailar hasta la muerte.La primera parte de la historia transcurre en el mundo real, durante una alegre vendimia, mientras la segunda nos transporta a un bosque encantado con elementos sobrenaturales. Giselle es para muchos la pieza más representativa del ballet romántico del siglo XIX —que prioriza la emoción, la narrativa y lo etéreo sobre la formalidad clásica—, se caracteriza por el “ballet blanco”, el tutú largo y las zapatillas de punta, utilizadas por primera vez para crear un efecto flotante. En conferencia Erick Rodríguez, director artístico de la CND, comentó:“Decidimos rescatar Giselle porque es una obra fundamental del ballet romántico.Esta nueva versión no solo honra su legado, sino que lo proyecta hacia el futuro(...) No se trata de una ruptura con el clasicismo, sinode una renovación respetuosa. La maestra Svetlana ha puesto énfasis en actualizar las pantomimas y gestos para que el público actual pueda entender mejor la historia sin perder la esencia romántica y espiritual del ballet”.El clásico ballet Giselle se presentará los martes y jueves a las 19:30 y los domingos a las 16:30 horas, hasta el 23 de noviembre, en el Palacio de Bellas Artes. El costo del boleto va de los 120 a los 400 pesos (descuentos habituales) y puede adquirirse en taquilla o a través del sistema Ticketmaster.AMS

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La intensidad de 'La Bohème', de Puccini, arriba al Auditorio Nacional

Contando con una magna producción ideada por Franco Zeffirelli (1923-2019), llega dentro del ciclo de transmisiones "En vivo desde el Met de Nueva York", La Bohème de Giacomo Puccini. Esta puesta será la número mil 415 de esta aclamada obra por parte de la prestigiosa compañía estadunidense, lo que la convierte en su ópera más representada. Además, marcará también su cuarta función en el programa de transmisiones vía satélite que llega a más de mil 800 cines y foros de todo el mundo.La Bohème,la cuarta ópera de Puccini y una de las diez más representadas en el mundo, es una obra en cuatro actos con libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, basados enla novela Escenas de la vida bohemia, escrita por Henry Murger. La historia explora la pobreza, la muerte, la solidaridad, y el dilema de renunciar a alguien que se ama si se cree que su vida sería mejor.Ubicada en el París de 1830, durante la víspera de Navidad, un grupo de bohemios —el poeta Rodolfo, el pintor Marcello, el músico Schaunard y el filósofo Colline— intenta mitigar el frío y el hambre, mientras enfrenta con humor las amenazas de su casero por no poder pagar la renta. El romance surge entre Rodolfo y Mimì, su vecina costurera, en tanto que Marcello se reencuentra con Musetta, su antiguo amor. Sin embargo, Rodolfo cree que el tipo de vida que le ofrece a su enamorada la lleva a enfermarse y trata de alejarse de ella, sin saber que el mal de Mimì no tiene cura.Esta puesta bajo la dirección orquestal de la canadiense Keri-Lynn Wilson, contará con las voces de Juliana Grigoryan (Mimì), Heidi Stober (Musetta), Freddie De Tommaso (Rodolfo), Lucas Meachem (Marcello), Sean Michael Plumb (Schaunard), Jongmin Park (Colline) y Donald Maxwell (Benoit/Alcindoro).Intérnate en la intensidad de La Bohème; disfruta de esta transmisión el sábado 8 de noviembre a las 12:00 horas, en la pantalla gigante del Auditorio Nacional. El costo del boleto va de los 180 a los 1,150 pesosy puede adquirirse en taquilla o a través del sistema Ticketmaster.AMS

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Sersur “voltea el mapa” de la danza para conocer el panorama en AL y el Caribe

La danza que se hace en Latinoamérica y el Caribe es “crítica, habla de manera frontal al espectador, es de mucho contenido y cuerpo”. En esta región, los cuerpos “sudan, se ensucian, se enlodan, se tocan. Hay un fuerte factor de la danza como fenómeno de vínculo social. Todos los latinoamericanos bailamos salsa, merengue, mambo, chachachá. Eso forma parte de quienes somos a escala cultural y del Caribe, ni se diga”.

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Óscar Tapia, el arquitecto silencioso del subtitulaje en las artes escénicas de México

Óscar Tapia es una figura fundamental en el mundo del subtitulaje en México. Su trabajo ha permitido que el público penetre en lo más íntimo de las obras, superando barreras lingüísticas y culturales.Con más de 30 años de experiencia, ha perfeccionado una técnica que combina precisión, sensibilidad y compromiso con el arte escénico.En este ámbito profesional, es un experto, un verdadero artesano del arte y la cultura que día a día hace posible que la magia de la ópera y el teatro trascienda fronteras y lenguas.Tapia, quien también es director de escena, explica que el proceso de adaptación requiere tanto conocimiento lingüístico como cultural, algo que él y su equipo toman con seriedad, pues su objetivo es que el público pueda comprender con facilidad la obra sin perder la esencia de la misma.La obra Sun & SeaUn ejemplo de ello fue su participación en la exitosa obra Sun & Sea, presentada en el Festival Internacional Cervantino y ganadora del León de Oro de Venecia.“Nosotros nos preparamos previamente desde nuestro estudio, digamos que trabajamos con anticipación el texto. Los grupos artísticos nos mandan un video y el libreto, así como su propuesta de traducción, la cual la mayoría de las veces tenemos que modificar por sus características prácticas. Sucede muy frecuente que algún mensaje no cabe en la pantalla, entonces a veces tienes que quitarle algunas palabritas o términos que no son tan comunes en otras partes de Latinoamérica o que no se aplican tanto en México”.Por sus habilidades y profesionalismo, Tapia fue contratado por el Cervantino para subtitular esta obra que se ha montado en más de 41 teatros en el mundo.Tapia muestra que en el libreto de la ópera Sun & Sea, había un término nada común: “Uno de los personajes se encuentra al presidente de la comida cruda vegetariana, el término propuesto era demasiado grande y no cabía en la pantalla, entonces tuve que investigar para tener un texto que el público pudiera comprender en primera instancia”.Explica que además de la adaptación, la técnica del subtitulaje presenta retos constantes, especialmente cuando la obra es rápida o tiene múltiples capas de significado.“Hay partes muy rápidas, entonces tengo que estar muy pendiente, o sea tengo que conocer la obra y estar muy comprometido con el montaje. Esta ópera en la playa me encantó, es una obra contemporánea muy universal para ser vista por cualquier persona, habla de los pensamientos internos de la gente, desde la angustia hasta el amor y el pasado. Tiene muchísimos matices en los que todos nos sentimos identificados.Tapia se refiere a la importancia de la música y el ritmo en la experiencia teatral y cómo la pieza musical crece en la obra y se vuelve un personaje en sí mismo.Software especializado para subtitulajeJunto con Francisco Méndez Padilla, Tapia comenta que ha sido el responsable de desarrollar el segundo software especializado para subtitulaje y ahora busca un tercero, siempre con el objetivo de mejorar la experiencia del público y el espectáculo.Su excelencia técnica también se refleja en detalles como el tamaño y la ubicación de las pantallas, un asunto que aborda de manera minuciosa: “Me tocó resolver las proporciones de las pantallas de la ópera en general. Un número mágico fue 4.88 × 1.22, dimensiones propicias para que el público pudiera leer y comprender la obra fácilmente”.Más allá del aspecto técnico, Tapia resalta el amor absoluto por las obras que subtitula como motor principal de su trabajo: “Lo primero es el amor a la ópera y a las artes escénicas. Si no tienes esa pasión, no puedes hacerlo bien. Necesitas entender la música, seguir una partitura y ser muy crítico con las traducciones para que el público realmente entienda”.La experiencia también le ha enseñado a manejar la improvisación y la incertidumbre en escena, como en una ocasión con un grupo de actores polacos que improvisaban mucho y hacían de lado el guión, por lo que tuvo que adaptar el subtitulaje en segundos para no perder el hilo de la obra.El especialista dice que el subtitulaje es una forma de hacer que el arte sea accesible y disfrutable para todos. Su ejemplo es un testimonio de dedicación, profesionalismo y amor por el teatro. Como él dice con humildad y orgullo: “Lo que busco en cada función es la satisfacción de que el público entienda y disfrute, pues esa es mi mayor recompensa”.

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Personas autistas y neurodivergentes podrán disfrutar de “El Rey León” en función relajada

Ocesa, Disney e Iluminemos por el Autismo han unido fuerzas una vez más para ofrecer una “Función relajada” de El Rey León para personas neurodivergentes o que se encuentren en el espectro autista.El 30 noviembre será la fecha de la función con motivo del Día Internacional de las Personas con Discapacidad, que se conmemora el 3 de diciembre. La Productora y Directora de Teatro OCESA Julieta González, habló de la oportunidad que tienen las familias con integrantes con discapacidad para disfrutar del evento “Es nuestra tercera función relajada. Hemos tenido experiencias muy lindas con las familias que acuden porque les estamos dando la oportunidad de que también puedan vivir está experiencia”, comentó Julieta,La primera función relajada se llevó a cabo durante la temporada pasada de El Rey León, la segunda fue en la puesta en escena de Aladdin y ahora se realizará con durante la actual temporada de El Rey León protagonizada por Majo Rodríguez (Nala) y Pierre Louis (Simba).“No hemos hecho más porque obras como Los miserables no es para la familia y a veces no se puede adaptar, no todas las producciones tienen la viabilidad”, explicó.Afirmó que a través de Fundación Ocesa han avanzado en la inclusión dentro de los shows de entretenimiento donde buscan democratizar los eventos para que más personas sin importar su discapacidad puedan disfrutarlos, como será el caso de los que se encuentran en dentro del complejo espectro autista.“Muchos papás acuden sin tener un diagnóstico exacto de su hijo, tenemos mucho camino por andar, pero estamos felices de regresar”, compartió.Gaya de Iluminemos por el Autismo declaró que: “La inclusión no puede ser un privilegio, es un derecho. La inclusión forma parte del ciclo vital”, citó a la obra musical.Agradeció el compromiso de Ocesa y Disney con la inclusión que se traduce a empatía y a su vez a servicio.“El problema es la accesibilidad y cuando las empresas los hacen por cumplimiento y no entendimiento”, señaló.Resaltó el impacto social de este tipo de funciones que, según sus encuestas, suelen ser la primera experiencia para las familias con integrantes neurodivergentes que están adecuadas para ellos.“Es muy emotivo recibir mensaje como el que me dio una madre de familia diciendo: ‘Cómo te puedo explicar que es la primera vez que puedo ver que mi hijo se tire al suelo y no preocuparme.’”, recordó.El evento contará con personal capacitado en todas las zonas de público para ayudar y atender cualquier reacción o crisis de los presentes durante la función.“Diría que hay tres tipos de personas con discapacidad que asisten a este tipo de función: Los que no lo necesitan, pero están cómodos con ella, los que es su única opinión y los que están en proceso de transición para conocer la experiencia”, comparó.“Luego no sabemos para quien trabajamos, porque de estas funciones salen comprensiones y aprendizajes para todos los involucrados”, comentario de Gerardo que el productor Morris Gilbert comprobó al revelar que lo aprendido en la colaboración le ayudó a enfrentar una situación familiar.“Tengo un sobrino nieto que es autista, sus padres supieron cómo manejarlo y seguro será un gran pintor. Somos diferentes, pero eso no nos hace mejores o peores, nuestro objetivo es construir un ambiente de empatía”, expresó el productor.Desde la primera función realizaron estudios para entender la sensibilidad dentro del espectro para diseñar la versión con mayor iluminación en las butacas, evitar ruidos fuertes como truenos, permitir expresarse a la audiencia como no se acostumbra y capacitar al personal de apoyo. View this post on Instagram Mauricio Montellano es el único actor presente en todas las funciones relajadas al momento. Compartió lo que le significa participar en proyectos inclusivos.“Es una bendición enorme para mí hacer una nueva función relajada. En mi experiencia lo que uno recibe como artista es más de lo que uno da, somos contadores de historias, pero la felicidad que percibimos de este público es maravillosa. No sé trata de tolerancia, es empatía”, aportó.Reiteró que la producción los prepara meticulosamente y espera sensibilizar al gremio actoral con su ejemplo pues asegura que todos tenemos algún familiar o conocido con alguna de estas discapacidades.Los boletos ya disponibles para la función relajada de El Rey León del 30 de noviembre en el Teatro Telcel cuentan con un 30% de descuento al precio convencional.OAGP

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El Centro Cultural El Hormiguero celebra su séptimo aniversario

Con el lema #SieteAñosDeSerHormigas, el Centro Cultural El Hormiguero celebra su labor como un nodo neurálgico del teatro en México, consolidándose como un modelo innovador que impulsa la profesionalización, la inclusión de jóvenes talentos y la sostenibilidad de las artes independientes. En su séptimo aniversario, El Hormiguero reafirma su compromiso con la descentralización de las artes escénicas a través de su programa Rutas Hormiga, un esfuerzo que lleva el teatro a comunidades con difícil acceso en estados como Tijuana, Zacatecas, Guerrero, Mérida, Campeche y Guanajuato, así como a países como Cuba, Colombia, Argentina y Chile.En un comunicado se indica que, más allá de presentar funciones, este proyecto busca construir diálogos significativos con las comunidades, conocer sus necesidades y generar vínculos que fortalezcan la identidad cultural y promuevan la transformación social. Para celebrar este aniversario, se organizó el 7 Festival de Creación Hormiga, a realizarse del 13 al 16 de noviembre en Coyuca de Benítez, Guerrero, lo cual marca un hito al llevarse a cabo por primera vez fuera de Ciudad de México. Este festival se ha consolidado como un espacio de encuentro entre artistas, colectivos y comunidades, con el propósito de reflexionar sobre el papel del arte en la vida cotidiana y su capacidad para transformar el espacio público. Coyuca de Benítez, un territorio de gran riqueza cultural, pero con retos sociales significativos, será el escenario donde plazas, calles y canchas se llenarán de propuestas artísticas que promuevan la memoria, la resiliencia y la paz. El tema central, el arte comunitario y las artes vivas en espacios públicos, proponen que las puestas en escena y los talleres ocupen los espacios comunes para activar procesos de reflexión, memoria y convivencia. El festival busca no sólo mostrar espectáculos, sino también sembrar experiencias colectivas que fortalezcan la identidad local, generen resiliencia comunitaria y promuevan la paz desde el arte.Como parte de las celebraciones, El Hormiguero presenta Kokol, una nueva producción original escrita y dirigida por Marco Pacheco. Esta obra de teatro de calle narra la historia de Mateo, un niño de Coyuca de Benítez que, a través de su papalote —kokol en argot local—, emprende un viaje de autodescubrimiento y libertad. Con una propuesta innovadora que combina clown, música en vivo, títeres y objetos de gran formato, Kokol transforma el espacio público con un escenario móvil. La obra circulará por el Centro Histórico, Pantitlán, Iztapalapa, Xochimilco y el Bosque de Chapultepec en Ciudad de México, así como en Coyuca de Benítez, Guerrero. El equipo creativo incluye a Maglog Orozco (composición musical y diseño sonoro), Leticia Olvera (diseño de iluminación y espacio escénico), Brisa Alonso (diseño de vestuario), Yoeli Padrón (producción ejecutiva), Gabriel Mercado, Raúl Vivanco (elenco), Karla Hernández (diseño gráfico y gestión digital) y Salomón L. Santiago (asesoría de teatro de calle). El compromiso de El Hormiguero con la formación artística se refleja en sus programas LARVAS Creativas e INSERTA 2.0. LARVAS Creativas impulsa la profesionalización de agrupaciones emergentes como CORDOBANES y XOLOTL Ánima, que presentarán las obras Neoma en el fin del mundo (19 de octubre al 16 de noviembre, domingos a las 12:00 h) y Más allá del sol (18 de octubre al 8 de noviembre, 16:00 h) en el Centro Cultural El Hormiguero. Por su parte, INSERTA 2.0 acompaña a recién egresados como Valeria Espina y Santiago Lapayre, brindándoles herramientas en finanzas, marca personal y gestión de producción. Además, el programa Rutas Hormiga llevará la obra Raziel, con dramaturgia y dirección de Marco Pacheco, producción de Diana Bustamante, actuación de Gianni Ríos y música de Claudio Morales, al Festival de la Inclusión en Bogotá, Colombia, el 18 de octubre, tras una exitosa gira en Cuba. Marco Pacheco, director del Centro Cultural El Hormiguero asegura que: “Los espacios culturales independientes como El Hormiguero son mucho más que recintos artísticos; son puntos de encuentro que fortalecen nuestra identidad y construyen comunidad. Cuidamos este lugar porque sabemos que tenemos una responsabilidad con nuestra sociedad, y trabajamos día a día para responder a ella con propuestas que no solo transforman a través del arte, sino que dignifican y visibilizan a las comunidades con las que colaboramos”.El Centro Cultural El Hormiguero también lanza el programa Boleto con Causa, una iniciativa que permite adquirir boletos adicionales para garantizar el acceso al teatro a personas con dificultades económicas, reforzando su compromiso con la inclusión cultural. Con más de 500 presentaciones artísticas al año, reconocimientos como el Premio al Espacio Teatral Independiente en los Premios Metro 2023 y cinco nominaciones por la obra Instrucciones para Armar una Esperanza, El Hormiguero se consolida como un pilar de las artes escénicas independientes en México.PCL

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Rennier Piñero monta óperas mexicanas en Cenart y Bellas Artes

El director de escena venezolano Rennier Piñero debuta en el Centro Nacional de las Artes y en Palacio de Bellas Artes con sendas producciones de las obras de los compositores mexicanos Víctor Rasgado, Paso del Norte (2011), y Ricardo Castro, La leyenda de Rudel (1906), una en español, otra en francés.“Paso del Norte es una ópera que produce Mexico Opera Studio (MOS) de Monterrey, dentro de nuestro ciclo de ópera mexicana, que en 2024 cumplió cinco ediciones. Y La leyenda de Rudel fue invitación del director artístico de la Compañía Nacional de Ópera, Marcelo Lombardero”, dice Piñero.El título de Víctor Rasgado (1959-2023) tendrá funciones 21, 22 y 23 de noviembre en el Teatro de las Artes del Cenart y el de Ricardo Castro (1864-1907) se montará en Bellas Artes 7, 9 y 11 de diciembre.“Desde su fundación hace ya siete años, el MOS ha dedicado siempre un espacio de cultivo, estudio, investigación y puesta en escena de la ópera mexicana, que creemos que tiene un patrimonio súper rico y súper diverso, títulos con una potencia dramática y musical incuestionable”, expone el director fundador, junto con Alejandro Miyaki, de la institución operística con sede en la ciudad de Monterrey.“El broche de oro de esa programación fue el estreno de Paso del Norte, una ópera realmente muy potente. Víctor Rasgado escribe la música y el libreto, pero para la escritura del libreto, él se inspira en la famosa obra del maestro Hugo Salcedo, El viaje de los cantores. Es un retrato duro, descarnado, pero a la vez con una belleza poética y plástica importante sobre el fenómeno migratorio”, agrega Piñero.La trama se centra en una historia real de 1987 sobre 18 migrantes que suben a un tren, en un vagón cerrado, para cruzar sin documentos a Estados Unidos, pero el transporte se desvía de ruta por problemas técnicos. Salvo uno, por quien se conoció después la tragedia, todos los migrantes murieron. “Este sobreviviente nos permitió entender el horror, la angustia, de ese horno que se vivía ahí adentro. Y le permitió a Salcedo escribir toda la dimensión de esta tragedia en una obra que gana en 1989 el Tirso de Molina, uno de los premios de dramaturgia más importantes en las letras castellanas. Y en el 2011, Rasgado estrena su ópera en Holanda; fue un encargo, se hizo para hablar de migración en México en un festival al que fue invitado, y él lleva esta ópera. Estrenó en las grandes ligas y nosotros lo retomamos”, añade Piñero, que llegó a México hace una década después de pasar 10 años en España.El director explica que el MOS decidió montar el título para hablar sobre migración, pero también para rendir tributo al compositor Víctor Rasgado, quien para el estreno en Monterrey ya había fallecido.“Es innegable que con la actual administración de Donald Trump en EU el fenómento migratorio se pone en el ojo del huracán por las dificultades, los exabruptos que su gobierno tiene para controlar la migración. Y, de alguna manera, hay que hablar de ello”, añadió el fundador del México Opera Studio.Para el artista escénico venezolano, que ha vivido ya en varios países desde que salió de Venezuela, hablar de la migración representaba un espacio como mucho más directo, mucho más vivo. “Yo creo que eso hizo que desarrollara un especial cariño. No fue fácil montarla, es un lenguaje realmente complejo. Fueron muchas horas de estudio dramático, interpretativo, vocal y musical. Fue un desafío para la compañía del México Opera Studio sacar adelante este reto.“Fue un tiempo también de extravío. No es fácil el lenguaje del maestro Víctor Rasgado y es como entrar en otra dimensión, en otra forma de entender tanto la escena como la música. Y tuvimos tiempos de extravío que después nos permitieron crecer y a la hora de entenderlo era encontrar otra lógica, otra forma de evidenciar el tratamiento musical para la escena. Y eso también fue un hallazgo y nos permitió crecer a todos los involucrados y creo que también fue una alegría”, dijo sobre Paso del Norte.El codirector del MOS, Alejandro Miyaki, dirigirá la orquesta en el Cenart para Paso del Norte, con un elenco encabezado por Katia Alejandra Romero en el rol de María y para Lauro se alternarán Oswaldo Martínez Salas y Misael Corralejos; el papel de Mosco, el coyote, será con José Luis Marrero.También el MOS estrenó La leyenda de Rudel en Monterrey, en 2022, en su ciclo de compositores mexicanos y ahora Piñero montará en su debut en Bellas Artes, con la Compañía Nacional de Ópera.“Fue la primera ópera que se hizo, y de hecho fue la primera actividad formal, después de la pandemia. Y fue una experiencia hermosa porque fue vertebrar, encontrarnos otra vez no solamente con un proceso de producción grande, sino también con un proceso de producción para compartir al público.“Y la alegría fue que a finales del año 2024 me invitaron a dirigir nuevamente ese título, ahora con la Compañía Nacional de Ópera y con la Ópera de Bellas Artes en una producción completamente nueva que estrenaremos en diciembre de este año ahí en la sala principal de Bellas Artes. Ahora estamos en el proceso de ensayo. Estamos siempre como redimensionando la fábula”, apunta el director venezolano.La leyenda de Rudel, compuesta por Ricardo Castro hace casi 120 años y cantada en francés, pone el acento en una época del siglo XII en tiempos de la segunda Cruzada, con el trovador Geofrrey Rudel, cuya historia fue retomada por la compositora finlandea Kaija Saariaho en L'amour de loin.Es una ópera en un acto y tres escenas con libreto tanto en italiano de Henri Brody, que se estrenó en México en el Teatro Arbeu el 1 de noviembre de 1906. En 1952, se presentó en Bellas Artes por primera vez con José Sosa (padre de José José y del contratenor Héctor Sosa) y Aurora Woodrow. Rennier y Miyaki montaron La leyenda de Rudel en Monterrey con el MOS en abril de 2022.PCL

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Leyendas mexicanas muestran problemas de hoy a las infancias

En cada función, el universo y destino del Detective Enigma es elegido por el público. El investigador llega al Foro Shakespeare, entona una canción de presentación, explica cómo afronta sus propios miedos, y los asistentes, por medio de una votación, eligen alguna de las leyendas que podrán disfrutar en Los casos sin resolver del Detective Enigma.“Son tres leyendas por función y nosotros permitimos que el público elija la leyenda que quiere escuchar. Por ejemplo: puede ser la del Mictlán o de los nahuales; la de la llorona o del charro negro, la del coco o del chupacabras. Se dividen de esa forma porque se está tratando de mantener tres épocas históricas: leyendas prehispánicas, leyendas cercanas a la colonia y contemporáneas”, dice Pueblo López, dramaturgo y actor.Dirigida a las infancias y juventudes, esta puesta en escena es un monólogo musical cabaretero donde por medio de canciones y diferentes narraciones, el público se adentra en diversos universos fantásticos. Pueblo López, quien también ejerce como docente, asegura que ha descubierto que los niños sienten una curiosa fascinación por las cosas de misterio o terror, “así que pensé en hacer un espectáculo cabaretero dedicado a las infancias pero que hable de estas temáticas”.Enfrentar miedos“Cabe destacar que el Detective Enigma le tiene miedo a todo, entre ello, a la desigualdad, a las injusticias, el abuso. Al ser un fobiafóbico profesional, lo que ha buscado a lo largo de su vida y existencia es resolver cómo enfrentar los miedos. Esta parte es importante porque para enfrentarlos primero hay que identificar si es imaginario o real, y de esa manera el detective va dando herramientas para que los niños y los adultos puedan enfrentarlos”, dice López.Para escenificar a los personajes, se realizaron máscaras diseñadas por Frida Romo Arce; mientras que el diseño de vestuario estuvo a cargo de Brisa Alonso. “Cada uno de estos entes, monstruos o seres fantásticos tienen ciertas necesidades, y por eso buscan al Detective Enigma. En el caso de Mictlantecuhtli, está saturado por tanto trabajo; en el caso de nahual, no encuentra la manera de regresar a su casa porque la selva está atravesada por objetos metálicos. La obra busca reinterpretar estas leyendas”. Hablarle a las infancias y las juventudes, dice el actor, “tiene su complejidad”, en especial al manejar “estas temáticas, como la Llorona, que no es la única madre buscadora en el país; o el charro negro, que tiene que reclutar a jóvenes por medio de ofertas falsas de trabajo. Finalmente son cuestiones que nos están afectando en la actualidad, y que creo que es importante hablarlas, pero justamente desde el tratamiento de las infancias”.Además del trabajo de Pueblo López, la pieza teatral cuenta con la asesoría, apoyo y dirección de Talia Loaria, así como la asesoría dramatúrgica de Gabriela Gallardo, ambas expertas en teatro de cabaret.Los casos sin resolver del Detective Enigma se presenta todos los sábados de noviembre y diciembre, a las 12:00 horas, en “La bambalina”, Teatrino del Foro Shakespeare, Zamora 7, colonia Condesa.PCL

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El Rey León: “La inclusión forma parte del ciclo vital”

Nancy MéndezHay modificaciones técnicas como las escenas con hienas, se eliminarán los truenos para reducir el volumen, se le va a permitir a las personas que se paren, aplaudan, griten o hagan cualquier ruido no permitido en una función convencional. Foto: Eduardo Jiménez/ Cortesía Ocesa El productor teatral Morris Gilbert tiene un sobrino nieto que es autista. Es por ello que para él es importante sensibilizarnos como sociedad acerca de la neurodivergencia y hacer los ajustes necesarios para que el público y sus familias puedan disfrutar del teatro musical. Así lo compartió durante el anuncio de la función relajada que ofrecerá el musical El rey león, en el Teatro Telcel, el domingo 30 de noviembre próximo; una función adaptada para personas con espectro autista, en el marco del Día Internacional de las Personas con Discapacidad que se conmemora anualmente el 3 de diciembre. Yo les voy a contar algo personal que no estaba en el guion. Hace 10 años que hicimos la primera función relajada, yo lo veía como algo lejano. Hoy tengo un sobrino nieto que es autista y que es el niño más feliz que he conocido. Sus padres entendieron perfectamente, desde el primer momento, cómo tenían que manejarlo y yo creo que va a ser un pintor muy famoso, porque pinta de una forma artística sensacional. Es importante el hecho de la función que hicimos hace 10 años (también en El rey león). Me ayudó a entender y a hacerle entender a su padre, que es mi sobrino. Hay modificaciones técnicas como las escenas con hienas, se eliminarán los truenos para reducir el volumen, se le va a permitir a las personas que se paren, aplaudan, griten o hagan cualquier ruido no permitido en una función convencional. Estarán presentes 14 terapeutas voluntarios, calificados para cualquier eventualidad o crisis nerviosa que los asistentes puedan tener, se bloquearán las escaleras para evitar accidentes y se compartirá una guía previa a los asistentes con recomendaciones para que puedan disfrutar la función. En pocas palabras, hay mucho trabajo detrás de esto. Está muy bien planeado para que sea una función disfrutable y nada nos daría más gusto que tener el teatro lleno esa noche”, expresó Gilbert en conferencia de prensa.   INCLUSIÓN Y ACCESIBILIDAD   La función, cuyos boletos ya están a la venta y cuentan con un 30 por ciento de descuento, es la tercera que Ocesa hace en un periodo de una década, nuevamente en colaboración con Disney y la organización Iluminemos por el Autismo, liderada por Gerardo Gaya, papá de un hoy adolescente autista. La primera vez que lo hicieron fue en el anterior montaje de El rey león, más tarde en Aladdín y ahora en la reciente temporada de El rey león. Nuestro objetivo es, básicamente, el construir un ambiente de empatía. Hemos aprendido muchísimo de la mano de Gerardo (Gaya) y de su organización. Nos hemos dando cuenta de cuál es esa posibilidad especial que tienen las personas dentro del espectro y, por lo tanto, les hacemos un ambiente mucho más amigable. Es decir, quitamos los ruidos fuertes, dejamos la sala con cierta iluminación, para que no estén en un ambiente totalmente oscuro, suavizamos los sonidos, suavizamos los estrobos y vamos dando, de alguna manera, una versión un poquito más light de la propia función”, explicó Jaime Matarredona, director de producción de El rey león. Gerardo Gaya, presidente ejecutivo de Iluminemos por el Autismo, enfatizó que “la inclusión y la accesibilidad no pueden ser un privilegio”. No es un favor, es un derecho. Somos un mercado, una comunidad; somos colectivos de personas neurodivergentes, de personas autistas, de personas con discapacidad y muchas de las barreras están en el miedo. El miedo, para mí, conlleva juicio y el juicio mata la curiosidad. Entonces, pasamos de un ‘ese niño necesita una nalgada’ a un ‘¿te puedo ayudar en algo?’ y cambia absolutamente todo”, destacó. Gaya habló del impacto de este tipo de iniciativas, como lo que le sucedió a Morris Gilbert con su sobrino nieto. Nuestro trabajo es mágico respecto a que luego no sabemos para quién trabajamos. De una función relajada, sale una comprensión de Morris a su sobrino nieto; de una función relajada, que creemos que estamos actuando en beneficio de personas autistas y sus familias, los actores se llevan un aprendizaje brutal y una experiencia mágica. Este tipo de acciones nos recuerdan que la verdadera magia quizás esté incluida en todos y todas por igual. Yo creo que la inclusión forma parte del ciclo vital, del ciclo de la vida, porque no podemos dejar a nadie atrás e, insisto, somos un mercado. Queremos obviamente que se llene el teatro”, afirmó.  El actor Mauricio de Montellano, quien es parte del elenco, ha estado en las tres funciones relajadas que se han ofrecido en el Teatro Telcel. Como artista es algo maravilloso. Claramente nuestra producción siempre nos explica de qué va una función relajada, todas las cuestiones técnicas y como artista claro te preparas mentalmente, porque sabemos que es una función diferente, en cuanto a lo técnico, cuestiones de iluminación y de sonidos suavizados. En mi experiencia, en las dos funciones relajadas que hemos tenido en El rey león y Aladdín, uno recibe como artista muchísimo más de lo que podemos dar. Hemos platicado mucho de que los papás, por ejemplo, de los niños, que están despreocupadísimos, porque están en un ambiente totalmente seguro, de confianza, donde sus hijos pueden estar disfrutando, haciendo ruido, pueden pararse y, quizás, por primera vez en sus vidas, no estén siendo juzgados. Este tipo de funciones relajadas lo que hacen es crear empatía. Creo que no se trata de tolerancia, se trata de ser empáticos, respetuosos y de actuar con amor hacia el otro.”, dijo De Montellano. La productora Julieta González apuntó que el compromiso de Ocesa es democratizar estos eventos. Tenemos mucho camino por andar, pero estamos muy orgullosos de haberlo iniciado y de abrir este espacio para hablar de este tema, para que las familias tengan referentes y sepan a dónde dirigirse”, acotó. También asistió Daniella Canseco, del equipo de comunicación corporativa de Disney México: “En Disney tenemos el compromiso de ofrecer experiencias de entretenimiento cada vez más accesibles para que todas las personas las puedan disfrutar sin distinción. Buscamos eliminar las barreras de la oferta cultural para que se tenga acceso a estas experiencias y, a la vez, inspirar a otros actores de la industria a que se unan y tengan una oferta de experiencias más accesibles para todas las personas”.   Aquí podrás acceder a noticias en tiempo real Conoce lo más viral en Facebook Trending  Lee a los columnistas de Excélsior Opinión   clm     Contenidos Relacionados: El Rey León continúa su temporada en el Teatro TelcelEl Rey León ruge de nuevo en el Teatro TelcelNiños de talento grande en el Rey León

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Rodrigo Virago estrena la obra Loco amor, ganadora del Pulitzer en 1984

El actor Rodrigo Virago dice estar cumpliendo un sueño con la puesta en escena Loco amor pues, desde que conoció el texto del dramaturgo estadounidense Sam Shepard, supo que algún día la llegaría a presentar. Hoy ese montaje es una realidad que llega al escenario del Teatro Milán este 6 de noviembre.“Es una de las obras que, cuando estudiaba actuación, me encantó. Es un clásico del teatro, una obra fascinante que se centra en la historia de una pareja con una relación muy tóxica, apasionada, violenta, pero llena de amor —compartió Virago en entrevista con MILENIO—. En la puesta se revelan secretos y podemos ver cómo la audiencia comienza a entender por qué no pueden estar juntos. Es una obra muy representativa del teatro del absurdo, así que es fascinante y es una de mis obras favoritas”.En la trama, que se desarrolla en un hotel del desierto de Mojave, dos amantes descubren un secreto que los hace enfrentarse a diferentes emociones que van del deseo a la destrucción. “Para mí la obra también hace una crítica social a la estructura que te dice a quién amar y a quién no. Ellos se aman profundamente, pero van descubriendo cosas traumáticas, y eso los lleva a enfrentarse a la imposibilidad de estar con quien realmente quieren estar”, añadió.La historia muestra cómo estos amantes se acercan y alejan, sin saber manejar la situación que los mantiene en conflicto.“Hay un magnetismo entre ellos, se aman profundamente y, al final de cuentas, lo que quieren es salvarse. Eddie (Rodrigo Virago) es un hombre machista, directo, es un cowboy un poco narcisista y puede ser infantil; necesita a su madre, por lo que es intenso, violento y celoso. May (Rafaela Covas), en cambio, es sumisa, pero apasionada, violenta, coqueta y sexual; tiene muchas necesidades, busca su independencia, pero también depende del hombre, en un contexto donde ambos carecen de educación”, puntualizó.El actor cuenta que durante seis años buscó, junto con su socio, el productor David Castillo, los derechos de la obra para poder interpretar este personaje que considera emblemático. “Para cualquier actor este papel es un ‘dulce’, es un regalo poder interpretarlo, porque es tan mítico y simbólico en la dramaturgia, que lo siento como una meta alcanzada y ahora solo espero que le guste a la gente”, declaró.La dirección del montaje corrió a cargo de Gabriela Pérez Negrete y el elenco también está integrado por Alejandro Morales y Alberto Lomnitz, con quienes se realizó un proceso creativo conjunto. “El abordaje del personaje fue a través de la psique y, lo que me interesa con este personaje, más allá de que he hecho diferentes personajes violentos en mi carrera, es recalcar que este tipo de hombres ya no tienen cabida en esta sociedad”, explicó.También busca mostrar los dolores que vienen de la infancia y cómo el odio a un padre puede influir radicalmente en la vida adulta, “y afectar las relaciones humanas, porque, al final, es un ser roto que desde niño fue dañado”, precisó.“Todos hemos estado en relaciones complejas y multifacéticas en donde hay momentos de ternura, violencia o toxicidad. En este caso, los personajes son muy humanos, con problemáticas reales, así que cualquiera nos podemos sentir reflejados”, reflexionó.CST

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Centro Cultural El Hormiguero celebra su séptimo aniversario

Con el lema #SieteAñosDeSerHormigas, el Centro Cultural El Hormiguero celebra su labor como un nodo neurálgico del teatro en México, consolidándose como un modelo innovador que impulsa la profesionalización, la inclusión de jóvenes talentos y la sostenibilidad de las artes independientes.En su séptimo aniversario, El Hormiguero reafirma su compromiso con la descentralización de las artes escénicas a través de su programa Rutas Hormiga, un esfuerzo que lleva el teatro a comunidades con difícil acceso en estados como Tijuana, Zacatecas, Guerrero, Mérida, Campeche y Guanajuato, así como a países como Cuba, Colombia, Argentina y Chile.En un comunicado se indica que, más allá de presentar funciones, este proyecto busca construir diálogos significativos con las comunidades, conocer sus necesidades y generar vínculos que fortalezcan la identidad cultural y promuevan la transformación social.Para celebrar este aniversario, se organizó el 7º Festival de Creación Hormiga, a realizarse del 13 al 16 de noviembre en Coyuca de Benítez, Guerrero, lo cual marca un hito al llevarse a cabo por primera vez fuera de la Ciudad de México. Este festival se ha consolidado como un espacio de encuentro entre artistas, colectivos y comunidades, con el propósito de reflexionar sobre el papel del arte en la vida cotidiana y su capacidad para transformar el espacio público. Coyuca de Benítez, un territorio de gran riqueza cultural, pero con retos sociales significativos, será el escenario donde plazas, calles y canchas se llenarán de propuestas artísticas que promuevan la memoria, la resiliencia y la paz. El tema central, el arte comunitario y las artes vivas en espacios públicos, proponiendo que las puestas en escena y los talleres ocupen los espacios comunes para activar procesos de reflexión, memoria y convivencia. El festival busca no sólo mostrar espectáculos, sino también sembrar experiencias colectivas que fortalezcan la identidad local, generen resiliencia comunitaria y promuevan la paz desde el arte.La obra KokolComo parte de las celebraciones, El Hormiguero presenta Kokol, una nueva producción original escrita y dirigida por Marco Pacheco. Esta obra de teatro de calle narra la historia de Mateo, un niño de Coyuca de Benítez que, a través de su papalote —kokol en argot local—, emprende un viaje de autodescubrimiento y libertad. Con una propuesta innovadora que combina clown, música en vivo, títeres y objetos de gran formato, Kokol transforma el espacio público con un escenario móvil. La obra circulará por el Centro Histórico, Pantitlán, Iztapalapa, Xochimilco y el Bosque de Chapultepec en la Ciudad de México, así como en Coyuca de Benítez, Guerrero. El equipo creativo incluye a Maglog Orozco (composición musical y diseño sonoro), Leticia Olvera (diseño de iluminación y espacio escénico), Brisa Alonso (diseño de vestuario), Yoeli Padrón (producción ejecutiva), Gabriel Mercado, Raúl Vivanco (elenco), Karla Hernández (diseño gráfico y gestión digital) y Salomón L. Santiago (asesoría de teatro de calle).Programas artísticosEl compromiso de El Hormiguero con la formación artística se refleja en sus programas LARVAS Creativas e INSERTA 2.0. LARVAS Creativas impulsa la profesionalización de agrupaciones emergentes como CORDOBANES y XOLOTL Ánima, que presentarán las obras Neoma en el fin del mundo (19 de octubre al 16 de noviembre, domingos a las 12:00 h) y Más allá del sol (18 de octubre al 8 de noviembre, 16:00 h) en el Centro Cultural El Hormiguero. Por su parte, INSERTA 2.0 acompaña a recién egresados como Valeria Espina y Santiago Lapayre, brindándoles herramientas en finanzas, marca personal y gestión de producción. Además, el programa Rutas Hormiga llevará la obra Raziel, con dramaturgia y dirección de Marco Pacheco, producción de Diana Bustamante, actuación de Gianni Ríos y música de Claudio Morales, al Festival de la Inclusión en Bogotá, Colombia, el 18 de octubre, tras una exitosa gira en Cuba. Marco Pacheco, director del Centro Cultural El Hormiguero asegura que: “Los espacios culturales independientes como El Hormiguero son mucho más que recintos artísticos; son puntos de encuentro que fortalecen nuestra identidad y construyen comunidad. Cuidamos este lugar porque sabemos que tenemos una responsabilidad con nuestra sociedad, y trabajamos día a día para responder a ella con propuestas que no solo transforman a través del arte, sino que dignifican y visibilizan a las comunidades con las que colaboramos.” El Centro Cultural El Hormiguero también lanza el programa Boleto con Causa, una iniciativa que permite adquirir boletos adicionales para garantizar el acceso al teatro a personas con dificultades económicas, reforzando su compromiso con la inclusión cultural. Con más de 500 presentaciones artísticas al año, reconocimientos como el Premio al Espacio Teatral Independiente en los Premios Metro 2023 y cinco nominaciones por la obra Instrucciones para Armar una Esperanza, El Hormiguero se consolida como un pilar de las artes escénicas independientes en México. Este séptimo aniversario no sólo celebra logros pasados, sino que reafirma su misión de seguir tejiendo redes, descentralizando el arte y transformando comunidades a través del teatro. View this post on Instagram hc​

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Siete veces adiós, una despedida que se canta

Hay trabajos artísticos mexicanos que se deben presumir por todo lo alto y uno de ellos es Siete veces adiós. La puesta en escena se presentó con gran éxito en el Teatro Nazas, teniendo como elenco a Macarena García, Patricio Gallardo y Rubén Branco. El montaje, cuyo eslogan es "un musical hecho con el corazón roto", justo provocó que los sentimientos y emociones de los laguneros que lo vieron se desbordaran. Siendo las 6:15 de la tarde, comenzó la primera función. Las luces se apagaron y así comenzó la historia de Siete veces adiós. Era el momento de dejarse llevar. Macarena es “Ella” y Patricio es “Él”. Al comienzo de la puesta en escena escrita p... Más información -- Siete veces adiós, una despedida que se canta»

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