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Si buscas un plan diferente en el corazón de la región de las Altas Montañas, la Casa Museo Guillermo Landa en Huatusco, Veracruz, ha preparado una cartelera llena de arte, tradición y misterio para iniciar este 2026
El Sol de Córdoba
Para este 2026, entérate de los costos de acceso a los museos de la CDMX y a los distintos sitios arqueológicos a nivel nacional. The post Conoce los precios de entrada a museos de CDMX y zonas arqueológicas del país este 2026 appeared first on Chilango.
Chilango
El Museo del Louvre pudo abrir completamente a los visitantes después de que los trabajadores reunidos en asamblea decidieran no votar la continuación de la huelga, aunque los sindicatos advirtieron que no renuncian a nuevas protestas más adelante. La representante de la Confederación Francesa Democrática del Trabajo (CFDT), Valérie Baud, precisó que el movimiento no ha terminado y que habrá una nueva asamblea general el próximo […]
Crónica de XalapaBaja California revela su creatividad en cada ciudad: desde murales urbanos en Tijuana hasta paisajes que inspiran arte en Ensenada y Rosarito. Descubre cómo el arte es un motivo perfecto para descubrirla.
Food and Travel México
Gabriela Gorab entrevistó a la artista franco-mexicana, que en ‘Notas de voz’ (Museo Jumex) articula relaciones entre lo visual y lo sonoro The post Elsa-Louise Manceaux: escuchar la pintura first appeared on La Tempestad.
La Tempestad
La exposición recién inaugurada en el Museo de Acámbaro consta de una colección de obras realizadas por Camelia Rocío Moreno con punto de cruz
Periódico Correo
La muestra se recopiló de más de 30 años La entrada Invita Secum a la exposición Somnia: visiones interiores en Pátzcuaro aparece primero en Quadratín Michoacán.
Quadratín
La oferta está dirigida a la comunidad universitaria y al público en general, con actividades que se realizarán de enero a abril en el Centro Histórico y el CCU
El Sol de Puebla
ComunidadSe conmemoró ayer el 52° aniversario luctuoso de David Alfaro Siqueiros, uno de los máximos representantes del muralismo mexicano y un referente esencial del arte público del siglo XX, quien tuvo su última residencia y taller en Cuernavaca. Autoridades culturales de la Sala de Arte Público Siqueiros y miembros de la comunidad artística participaron en una guardia de honor y en la colocación de una ofrenda floral en la Rotonda de las Personas Ilustres del Panteón Civil de Dolores, donde Siqueiros descansa desde 1974. Este acto solemne reafirma la vigencia histórica, estética y política del legado del muralista, cuya obra continúa siendo un referente para el arte contemporáneo en México y Latinoamérica. La directora de la Sala de Arte Público Siqueiros (SAPS), Paola Santos Coy, dirigió un mensaje en el que destacó la relevancia contemporánea del muralista, calificándolo como una figura “indispensable para comprender el arte público en México y en América Latina”. Cabe señalar que fue La Tallera, en Cuernavaca, donde el muralista David Alfaro Siqueiros ideó y ejecutó el gran proyecto mural titulado La marcha de la humanidad en la Tierra y hacia el Cosmos, que se encuentra en el Polyforum Siqueiros del Ciudad de México. La Tallera fue legada mediante testamento público por David Alfaro Siqueiros al “pueblo de México”, junto con una muy importante colección de obra de caballete, gráfica, dibujo, estudios y proyectos murales. David Alfaro Siqueirosmuralismo mexicano
Diario de Morelos
Este 7 de enero, la que fuera la primera fábrica textil de América Latina, La Constancia Mexicana, cumple 191 años de haber sido fundada. Actualmente, el espacio es un complejo museístico que alberga desde 2025, la primera etapa de un museo textil que busca regresar su origen a la antigua industria. Abierta el 7 de enero de 1835 por Esteban de Antuñano y Gumersindo Saviñón, la fábrica que ocupó el que fuera el antiguo Molino de Santo Domingo destacó, desde sus orígenes, por la incorporación de maquinaria automatizada para la producción textil y por el aprovechamiento de los recursos hídricos que le proveyó el río Atoyac, los cuales se usaron para mecanizar el proceso de producción de telas e hilado de algodón. Sus fundadores Esteban de Antuñano y Gumersindo Saviñón, además, fueron ejemplo de perseverancia y visión industrial pues impulsaron la naciente etapa de industrialización en el país, adquiriendo máquinas inglesas y estadounidenses y aprovechando la fuerza del agua. La Constancia Mexicana fue una de las 13 fábricas textiles que, durante el siglo XIX, se establecieron en la ribera del río Atoyac, entre los estados de Puebla y Tlaxcala, formando un corredor industrial que aprovechaba la energía hidráulica de esta corriente. Incluso, se sabe que hacia 1843 más de la mitad de las mantas de algodón en el país se fabricaban en Puebla, a pesar de las dificultades para obtener la materia prima. Además, la fábrica y las viviendas de los trabajadores en La Constancia formaron una sola unidad arquitectónica semejante a una fortaleza con la fachada principal orientada hacia el sur y dos torreones con troneras en sus extremos: con un caserío construido por etapas, con una capilla fundada el 5 de diciembre de 1897, además de una escuela, un campo deportivo, una tienda cooperativa y su propio edificio sindical. Esteban de Antuñano fue dueño de la industria hasta su muerte en marzo de 1847. Otros dueños fueron el agiotista Pedro Vejez de Zúñiga en 1854; Nicolás y José de Teresa, quienes arrendaron la sala vieja y la sala nueva; Luis de Haro y Joaquín de Haro y Ovando, también como arrendatarios; Antonio Couttolenc, a cargo hasta 1905; Francisco M. Conde, quien evidenció su empeño por transformarla y la legó a su viuda Ángela Conde; así como los socios mexicanos y franceses que tuvo hacia la mitad del siglo XX. La Constancia Mexicana, destaca, tuvo un resurgimiento a los 100 años de fundada, así como una innovación ocurrida en 1956 con Miguel Barbaroux; sin olvidar las quiebras, las nuevas razones sociales y los conflictos administrativos que la llevaron a cerrar en 1991. Para 2001, el gobierno del estado de Puebla expropió el inmueble para darle una utilidad pública, algo que implicó su rehabilitación, un asunto que la sociedad civil y sobre todo los extrabajadores habían pugnado pues se trataba del rescate del patrimonio industrial. No obstante, en enero de 2015, el gobierno morenovallista cambió la naturaleza de la ex fábrica textil: abrió una escuela de música, la llamada Casa de la Música de Viena, en Museo infantil, la Casa del títere, el Museo de la Música Mexicana, el Museo del automóvil, la Fototeca Juan C. Méndez y la Fonoteca Vicente T. Mendoza, así como el llamado Paseo de los gigantes. Por tanto, en la historia de La Constancia mexicana, según la exposición Crónicas de la Constancia Mexicana montada tiempo atrás en la Fototeca Juan C. Méndez, se pueden contar seis etapas industriales, económicas y sociales: la primera, denominada Hacienda y molino, de 1543 a 1831; la segunda, Fundación y consolidación de Fábrica textil, de 1835 a 1906; la tercera, Fábrica textil la Constancia Mexicana, época de esplendor y creación de sindicatos, de 1905 a 1972; la cuarta, llamada Sociedad cooperativa de producción de los obreros de la Constancia Mexicana y ocaso productivo de la fábrica, de 1972 a 1991; la quinta, Expropiación y búsqueda de un nuevo uso para el inmueble, en 2001; y la sexta, Escuela de música y complejo museístico, de 2012 a la actualidad. Destaca que hace un año, en el marco del nombrado Día de las trabajadoras y los trabajadores de la industria textil, la actual administración estatal inauguró la primera etapa del Museo textil La Constancia Mexicana, un recinto que recupera el sentido original de la que es considerada la primera industria textil en América Latina. En el acto, se destacó que el museo es también un homenaje al industrial Esteban de Antuñano, a la par de que se informó que el empresario textilero Umberto Balleti donaría las antiguas máquinas que formarían parte de este recinto que busca devolver la vocación a la fábrica, para que quienes visitan el llamado Complejo museístico La Constancia puedan entender la historia del inmueble, su importancia cultural y el legado que implica para las generaciones futuras. La Constancia Mexicana está abierta de martes a domingo, de 10 a 18 horas, con una cuota de acceso general de 50 pesos. Los días martes se otorga descuento con credencial para ciertos públicos y los domingos la entrada es gratuita. Leer más: Prospecta Museos Puebla el museo nacional textil en la Constancia para devolver la vocación al inmueble La entrada La Constancia Mexicana: 191 años de una historia textil que busca regresar a su origen aparece primero en La Jornada de Oriente.
La Jornada de Oriente
Chihuahua.- El Instituto de Cultura, invita a la ciudadanía a recorrer la exposición “Códigos de la Identidad”, del artista Irvin Torres Fierro, actualmente en exhibición en la Sala Sebastián del Museo Sebastian.
El Pueblo.com
Chihuahua.- El Instituto de Cultura, invita a la ciudadanía a recorrer la exposición “Códigos de la Identidad”, del artista Irvin Torres Fierro, actualmente en exhibición en la Sala Sebastián del Museo Sebastian.
Frontenet
La muestra reúne una serie de retratos elaborados mediante técnicas de dibujo sobre papel, principalmente con el uso de carboncillo y grafito
El Heraldo de Chihuahua
Investigadores del proyecto X’baatún, hallaron un conjunto habitacional y una pirámide en las inmediaciones del parque ejidal Oxwatz, en Tekal de Venegas, Yucatán, durante labores de levantamiento topográfico de alta resolución en el sitio arqueológico. El equipo, liderado por Juan García Targa y Carmen Varela Torrecilla, adscritos a las universidades española de Barcelona y de […] La entrada Hallan conjunto arqueológico cerca del parque ejidal Oxwatz, en Yucatán aparece primero en La Jornada San Luis.
La Jornada San Luis
El Museo del Louvre pudo abrir completamente al público este miércoles luego de que los trabajadores, reunidos en asamblea general, decidieran no someter a votación la continuación de la huelga que había afectado el funcionamiento del recinto.No obstante, los sindicatos advirtieron que el conflicto laboral no está cerrado y que podrían retomarse las protestas en los próximos días.La representante de la Confederación Francesa Democrática del Trabajo (CFDT), Valérie Baud, precisó que la movilización sigue vigente y anunció la convocatoria de una nueva asamblea general para el próximo jueves, en la que se evaluará el curso de las negociaciones con las autoridades culturales.En la misma línea, la Confederación General del Trabajo (CGT) confirmó que se mantienen activas las convocatorias de protesta lanzadas desde diciembre, a la espera de avances concretos en el diálogo con el Ministerio de Cultura. Los sindicatos señalaron que, hasta ahora, no han recibido compromisos suficientes que atiendan sus demandas principales.En su más reciente comunicado conjunto, publicado el pasado 19 de diciembre, la intersindical que agrupa a las tres principales organizaciones del personal del museo —CFDT, CGT y Sud-Solidarios— expuso una lista de “reivindicaciones urgentes”. Entre ellas destacan cambios en el modelo de gobernanza del museo y la necesidad de priorizar reformas que refuercen la seguridad del recinto.Las exigencias en materia de seguridad están directamente relacionadas con el robo ocurrido el 18 de octubre pasado, cuando un grupo organizado de ladrones ingresó al museo a plena luz del día.De acuerdo con los sindicatos, los delincuentes accedieron por un balcón de la galería de Apolo, en presencia de visitantes, y tras romper varias vitrinas sustrajeron joyas de la corona de Francia, que hasta ahora no han sido recuperadas.Además, los trabajadores reclaman la creación de empleos estables “acordes a las necesidades reales” del museo, la regularización de contratos temporales y el abandono del aumento en el precio de entrada para visitantes extracomunitarios.Esta medida prevé elevar el costo del boleto de 22 a 32 euros a partir del día 14, una decisión que los sindicatos consideran perjudicial tanto para el público como para la imagen de la institución.jk
Milenio
Los sindicatos advirtieron que podrían haber nuevas protestas más adelante
El Informador
La muestra fotográfica será inaugurada el jueves 9 de enero a las 17:00 horas y está integrada por 50 imágenes que destacan la diversidad social, cultural y patrimonial del país. {youtube}LwO43fr6YMM{/youtube}
Coracyt Noticias
• Recitales, cine, conferencias, exposiciones y encuentros artísticos conforman la cartelera de enero La Secretaría de Cultura de Michoacán (Secum) inicia el 2026 con una cartelera diversa dirigida a públicos… La entrada Inicia el año con una amplia agenda de actividades culturales se publicó primero en Ultranoticias.
Ultranoticias
La exhibición de Guillermo del Toro estará abierta al público del 6 al 11 de enero en NYA Studios West, en Hollywood
El Informador
Hasta este 7 de enero está abierta la convocatoria de inscripción a un curso organizado por la Secretaría de Arte y Cultura estatal enfocado en difundir el conocimiento, el uso y la preservación del náhuatl, lengua que forma parte de la identidad cultural de la entidad. Denominado curso de Introducción al náhuatl para la salvaguardia del patrimonio biocultural, el programa está previsto de enero a agosto de 2026, en dos módulos y con sesiones semanales los viernes de 17 a 19 horas, de manera gratuita. Dicho espacio tendrá por sede la Escuela Taller de Capacitación en Restauración de Puebla, ubicada en el Centro Histórico de la capital. La formación estará a cargo del tallerista y hablante de lengua náhuatl Daniel Cuaxiloa López. Te podría interesar: Dialogarán sobre la imagen y el quehacer fotográfico en la muestra Habitar el umbral La convocatoria está dirigida a cronistas del estado de Puebla y al público en general mayor de 18 años, con un cupo limitado. Las y los participantes adquirirán competencias básicas para comprender y producir estructuras sencillas en náhuatl, elaborar oraciones en distintos tiempos y realizar traducciones elementales, con énfasis en el reconocimiento del legado cultural y biocultural de la entidad. El registro permanecerá abierto hasta este miércoles 7 de enero. Para ello, deberá enviarse información personal como nombre, edad, teléfono y correo, al correo electrónico dirpatrimonio.cultura@puebla.gob.mx. Los resultados se darán a conocer el 9 de enero y el curso iniciará el 16 de enero. Lee: Artistas y promotores de Puebla podrán ser parte de la programación de Alas y raíces La entrada Con curso, Secretaría de Arte y Cultura promueve uso y preservación del náhuatl aparece primero en La Jornada de Oriente.
La Jornada de Oriente
Justo este 6 de enero, Ramón Avendaño, curador de arte novohispano del Museo Nacional de Arte (Munal), invita al público a recorrer parte del acervo para admirar verdaderas joyas que abordan la adoración de los Reyes Magos. Este tema está inspirado en los textos de San Mateo y en los evangelios apócrifos, donde ya vienen los nombres de los Reyes Magos, quienes fueron guiados por una estrella, y le van a ofrecer tres presentes a Jesús: el oro, como reflejo de realeza; el incienso, de la divinidad, y la mirra, por su condición de hombre, explica Avendaño. En el recinto, ubicado en Tacuba No. 8, Centro Histórico, el público podrá apreciar obras como La epifanía (1655), de José Juárez, que es una pieza de gran riqueza visual, donde el primer plano lo comparten la Virgen, que lleva al Niño Jesús en su regazo, y los reyes Melchor y Gaspar. Este último está de figura completa y mira al espectador, interpelándolo. Otro detalle es que, en el copón de Melchor, el cual se encuentra en el piso, está la firma del autor
El Cuarto Poder
Obra en portada: Suki Primero vi el cuadro que habían expuesto en el escaparate. Y me quedé pensativo. La Nube Roja aún no había abierto sus puertas, y volví una hora después. Me recibió una mujer, estaba sentada a un escritorio, pintando miniaturas, y enseguida noté que transpiraba serenidad. En cuanto le dije a qué…
Revista Monolito
La Sala de Arte Público Siqueiros llevó a cabo una ceremonia conmemorativa y presentará una proyección especial del documental Muros de fuego Ciudad de México 07 de enero de 2026.- La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Sala de Arte …
Cursor en la Noticia…
Un complejo trabajo científico permite redescubrir el programa iconográfico, la técnica y el significado histórico del monumental portal Stanga, expuesto en el Louvre desde el siglo XIX.
Muy InteresanteInvestigadores del proyecto X’baatún hallaron un conjunto habitacional y una pirámide en las inmediaciones del parque ejidal Oxwatz, en Tekal de Venegas, Yucatán, durante labores de levantamiento topográfico de alta resolución en el sitio arqueológico.
La Jornada
La exhibición Frankenstein: Crafting a Tale Eternal, se presenta en Los Ángeles desde ayer y hasta el 11 de enero.
Periódico Zócalo
La JornadaMilenio
Diario Presente
24 Horas
Ovaciones
Cobertura completaCobertura completaCobertura completa
Artistas emplean el sistema postal como medio para el intercambio libre de obras, sin fines comerciales, y lo convierten en una herramienta contra la censura y a favor de la democratización de la creación
Diario de Querétaro
La vida del pintor Guillermo Ceniceros con la UANL ha estado ligada desde la juventud del artista duranguense
El Porvenir
El mallorquín ha dedicado su vida a cultivar un universo propio que fascina a críticos, celebridades y marcas. Ahora, en su primera exposición en solitario, nos deja ver mejor que nunca el cosmos que él lleva dentro
El País
El artista organiza desde hace un año paseos guiados por el museo público una vez al mes en los que propone una lectura ‘queer’ de la historia del arte
El País
La experiencia inmersiva 'Desafío Dalí', del artista Salvador Dalí, se presenta en el Parque Naucalli, en Naucalpan.
24 Horas
El recinto informó también del aumento en el costo del boleto; a partir de este año cuesta 210 pesos, con 50 por ciento de descuento para público nacional y extranjeros residentes.
Aristegui Noticias
El Heraldo de México
Gracias al impulso del alcalde Enrique Galindo Ceballos, el Gobierno Municipal de San Luis Potosí, a través de la Dirección de Cultura Municipal y en colaboración con el Tecnológico de Monterrey Campus San Luis Potosí, invita a la inauguración de la exposición fotográfica El Rostro de las Palabras, una muestra integrada por 56 imágenes que […]
Noticias San Luis
Revista Proceso
La convocatoria contempla ampliar el rango de edad para niñas, niños y adolescentes, de 6 a 15 años.
Luces del Siglo
A partir del lunes 12 de enero, se reanudan las actividades de Kinetoscopio y Escritura Creativa, entre otros
El Sol del Centro
En Aguascalientes, estos recintos atienden al público de miércoles a domingo, de las 11:00 a las 18:0 horas
El Sol del Centro
Jocelyn Díaz / Grupo Cantón Francisco Javier Rojas Trejo ofrecerá una charla este 8 de enero para repensar en torno a las prácticas artísticas. Cancún.- Desde una mirada crítica y comprometida, la conferencia “Descolonizar la cultura: herramientas artísticas para transformar el pensamiento y abrir el diálogo” propone un espacio de reflexión colectiva sobre las formas […] The post Descolonizar la cultura, conferencia gratuita en el “8 de Octubre” appeared first on Quintana Roo Hoy.
Quintana Roo Hoy
El costo de la entrada regularmente es de 259 pesos, sin embargo, desde el pasado 20 de diciembre de 2025, el recinto tiene descuentos en sus entradas en horarios específicos
El Informador
La artista neoyorquina Rini Templeton (1935-1986), quien dedicó su vida a acompañar gráficamente a innumerables movimientos sociales y políticos del mundo, radicó los últimos 12 años de su vida en México. Al fallecer, su legado, contenido en cuadernos de apuntes, se quedó en el “cuarto de azotea” que habitaba.
La Jornada
La JornadaLa JornadaLa JornadaLa Jornada San Luis
Diario AmanecerCobertura completaCobertura completaCobertura completa
Documentación inédita del MoMA esclarece las incógnitas de un célebre episodio de censura artística en la posguerra
El País
La Jornada
Forbes MéxicoEl Porvenir
Diario ImagenCrónica de XalapaCobertura completaCobertura completaCobertura completa
Revista Proceso
Abierta hasta el 1 de febrero de 2026, “Voces Ilustradas” podrá visitarse en el JAPI de martes a domingo
El Informador
Forbes México. El Louvre tuvo 9 millones de visitas en 2025 e inicia 2026 con apertura parcial por paros El Museo del Louvre recibió 9 millones de visitantes en 2025, un aumento de 300,000 respecto al año anterior, a pesar de una huelga por condiciones laborales. El Louvre tuvo 9 millones de visitas en 2025 e inicia 2026 con apertura parcial por paros Forbes México Staff
Forbes México
La Silla RotaCrónica de Xalapa
Hora Cero
Página Ciudadana
Diario de XalapaCobertura completaCobertura completaCobertura completa
La Ópera Metropolitana (Met) y el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York se unirán para presentar en marzo la exposición Frida y Diego: El último sueño, inspirada en la ópera de la compositora estadunidense Gabriela Lena Frank, que se estrenará el 14 de mayo en Estados Unidos y el 30 del mismo mes en México.
La Jornada
La milenaria historia de Estambul, ciudad que fue centro de los imperios bizantino y otomano, está plasmada no sólo en sus vestigios arqueológicos, sino en el rostro de quienes la habitan.
La Jornada
En 2026 se conmemora el centenario natal de Arturo García Bustos y el noveno aniversario de su fallecimiento, ocurrido el 7 de abril de 2017.
La Jornada
La nueva Fundación Cartier o la feria Art Basel Paris consagran el auge de la iniciativa privada en la capital francesa. Un dinamismo que revitaliza el sector, pero que amenaza el papel de lo público
El País
El Museo Franz Mayer alberga la exposición "¡Moda hoy! Diseño Latinoamericanx y latinx contemporáneo"que celebra el diseño y la creatividad. The post Moda hoy, la exposición del Franz Mayer que muestra la creatividad del diseño latino first appeared on SinEmbargo MX.Leer el texto completo en sinembargo.mx
SinEmbargo
La institución de Donceles 104 estrena seis conferencias a través de sus plataformas digitales, que se transmitirán del 5 al 12 de enero.
Aristegui Noticias
En cuanto la fotógrafa tsotsil Maruch Sántiz Gómez (Ranchería Cruztón, San Juan Chamula, Chiapas, 1975) dio a conocer su trabajo en los años 90, la aceptación no se hizo esperar. De manera inmediata, las prácticas artísticas contemporáneas en general, no sólo la fotografía, la incluyeron en proyectos específicos, señala Silverio Orduña Cruz, curador de la exposición retrospectiva de la artista, ¿Quién cuida las montañas?, de 32 piezas en blanco y negro y a color, que se presenta en el Museo de Arte Moderno (MAM).
La JornadaBarcelona celebrará este año el centenario de la muerte del arquitecto Antoni Gaudí, uno de los creadores más influyentes del siglo XX, cuya obra fusionó arquitectura, ciencia y observación de la naturaleza. La conmemoración tiene el objetivo de poner en valor y proyectar internacionalmente el legado científico, técnico, urbanístico y arquitectónico del catalán.
La Jornada
El paisaje ha acompañado al pintor cubano Tomás Sánchez durante toda su vida. Desde su infancia ha dibujado la naturaleza que lo rodeaba. Su paso por escenas expresionistas ha estado también presente en su obra, marcada por su práctica de la meditación durante más de 55 años.
La JornadaEl recorrido inmersivo Frida Woman Experience, en torno a la vida y obra de la artista Frida Kahlo, que se inició el año pasado en Tulum, Quintana Roo, ahora llega al Paseo del Pintor Rosales, en Madrid, en colaboración con ONU Mujeres. La iniciativa presenta contenidos audiovisuales, fotografías, objetos familiares y una visión de la obra pictórica.
La Jornada
La JornadaEl InformadorDiario PresentePeriódico Zócalo
Diario MomentoCobertura completaCobertura completaCobertura completaEl Archivo General de la Nación (AGN) lanzó la exposición virtual Zona arqueológica maya: Rutas y redes de ciudades en la permanencia de la memoria –disponible en el repositorio digital Memórica. México, haz memoria–, con el propósito de ilustrar al público acerca del pueblo que convirtió la jungla en su cultura, campo de batalla y templo sagrado.
La Jornada
En la exposición Mineralia indisciplinada, Mariana Dussel y Daniel Robles Lizano transforman El Gabinete del Museo Universitario del Chopo en un cuerpo geológico activo. La instalación, realizada por invitación de la curadora Adriana Flores como parte del 50 aniversario del recinto, interviene una vitrina que remite al antiguo Museo de Historia Natural. Con este gesto, los artistas reactivan la memoria del recinto y cuestionan el modelo tradicional de exhibición científica que durante décadas presentó los minerales como objetos pulidos, aislados y ajenos a los procesos que les dieron origen.
La Jornada
Además de la muestra Love Letters, del artista chicano Fabián Debora, la Galería José María Velasco celebra su reapertura –tras su remodelación– con Los rótulos no deben morir, muestra que reúne el talento de rotulistas comprometidos con la preservación y la promoción de esa actividad en nuestro país.
La Jornada
Ruth Asawa decía que no le interesaba expresar algo, sino descubrir lo que el material podía hacer. En esa declaración se condensan seis décadas de una práctica que expandió los límites de la escultura moderna.Ruth Asawa: A Retrospective, la gran muestra organizada por el SFMOMA y el MoMA, reúne cerca de 300 obras y presenta, por primera vez de manera exhaustiva, la amplitud de un trabajo que transformó alambre, papel, tinta y bronce en un sistema coherente de pensamiento visual.La exposición revela cómo Asawa convirtió la transparencia, la repetición y la modestia material en un vocabulario estético capaz de desafiar distinciones tradicionales: figura y fondo, interior y exterior, artesanía y alta cultura.Influencias y raíces culturales: de Black Mountain College a MéxicoLa historia suele ubicar a Asawa dentro del modernismo estadounidense y del legado experimental de Black Mountain College, donde estudió bajo la influencia de artistas como Josef Albers y Buckminster Fuller.Pero esta retrospectiva permite trazar una genealogía más amplia. En el centro de esa genealogía está México.A finales de los años cuarenta, mientras colaboraba como asistente educativa en Toluca, Asawa observó con atención la forma en que los artesanos locales construían canastos con una técnica continua de looping: un solo hilo de alambre que se enlaza sin cortes para crear contenedores porosos, flexibles y estructuralmente íntegros.Lo que otros veían como un oficio doméstico, Asawa lo reconoció como un principio formal: una manera de dibujar en el espacio, de generar volumen a partir del aire, de permitir que la estructura se explicara a sí misma.La arquitectura del alambre: formas que respiran y una expansión del arteEse gesto —un hilo que vuelve sobre sí mismo, que crece hacia afuera y hacia adentro al mismo tiempo— se convirtió en la arquitectura de sus esculturas suspendidas.Esas formas alargadas, bulbosas, anidadas, nacieron del asombro de ver cómo las manos mexicanas lograban crear complejidad a partir de una línea continua.En sus esculturas, la sombra pesa tanto como el objeto; la forma depende del vacío; el volumen se construye desde el interior de la luz.La muestra permite observar cómo esta filosofía material se expandió a lo largo de su carrera. En su obra sobre papel —pliegues, cortes— resuena la afinidad estética con el trabajo manual mexicano.En sus bronces se perciben las huellas del alambre, como si el metal hubiera retenido la memoria del trazo. Incluso en sus proyectos públicos, desde fuentes hasta murales, aparece la misma convicción de que una obra puede ser simultáneamente rigurosa y accesible, íntima y común.Transformación social: educación artística y comunidadPero Asawa no solo transformó los materiales; transformó también las estructuras sociales del arte. En San Francisco se convirtió en una figura clave de la educación artística pública, defendiendo la creatividad como parte esencial de la vida cotidiana.Para ella, hacer arteno era un privilegio, sino una extensión natural del aprendizaje y del cuidado comunitario. Esa visión aparece en cada rincón de la retrospectiva, que insiste en mostrar que para Asawa no existía separación entre vivir y crear.Hoy, sus esculturas parecen flotar en un estado de equilibrio perfecto. Son dibujos tridimensionales que respiran. Pero su ligereza no debe engañarnos. Cada una es el resultado de un linaje cultural que atraviesa países, lenguajes y oficios.La exposición reúne cerca de 300 obras y estará disponible en el MoMA hasta el 7 de febrero de 2025.
Milenio
La llamada Capilla Sixtina de México, la máxima obra que pintó José Clemente Orozco en el Hospicio Cabañas en Guadalajara, jugará un papel cultural y turístico importante durante la Copa Mundial de Futbol 2026.Aunque la Perla tapatía no será sede porque los partidos se llevarán a cabo en el Estadio Akron (en Zapopan), este edificio histórico será un punto emblemático para los visitantes que deseen conocer la riqueza histórica y artística de la ciudad.Declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco y famoso por los murales de Orozco, durante el Mundial el Hospicio Cabañas formará parte del recorrido cultural en Guadalajara para complementar la experiencia deportiva con la historia, el arte y la identidad mexicana que representa el artista.El edificio está cerca de espacios clave del Centro Histórico, como la Catedral y el Teatro Degollado, donde se planean también actividades para turistas y aficionados. Los murales de Orozco ocupan mil 250 metros cuadrados, cubriendo 14 tableros, ocho bóvedas y la cúpula, con imágenes que reflejan desde sacrificios humanos precolombinos hasta la presencia de la modernidad con la máquina. La obra es considerada una de las grandes expresiones del muralismo mexicano y un patrimonio cultural reconocido internacionalmente, dice Josué Pineda, quien con pasión habla de los secretos y relatos que envuelven al Cabañas.El recinto será un destino que mostrará la herencia cultural de Guadalajara a miles de visitantes, enriqueciendo la visita al Mundial con un contexto histórico y artístico que se unirá al fervor futbolístico en la ciudad.“Un tesoro que guarda siglos de historia y complejas raíces, preservando en sus muros, como un gran lienzo, una de las expresiones artísticas más poderosas de México: los 57 murales de José Clemente Orozco”, comenta Pineda. La esencia de la ciudadAl transitar por sus pasillos, se recuerda a los huérfanos que aquí hallaron abrigo durante 150 años. El Hospicio Cabañas es mucho más que un antiguo edificio, es una ventana que conecta con la esencia de Guadalajara y su historia. Un testigo de la historia de la fundación de la ciudad, que fue atravesada por luchas y desplazamientos.“Salieron como 80 familias de la Nueva España a Nueva Galicia, todas ellas españolas. Lamentablemente cuando llegaron aquí nada más lo hicieron 14 familias, debido a las dificultades y al mal liderazgo de Nuño Beltrán de Guzmán. Por lo que la ciudad tuvo que ser fundada cuatro veces hasta establecerse definitivamente”, relata Pineda.Nuño Beltrán de Guzmán era conocido como el Sangriento por su extrema crueldad y brutalidad durante la conquista y colonización de la región de Nueva Galicia. Fue un líder despiadado que cometió abusos, incluidas torturas, asesinatos y esclavitud de los pueblos indígenas, lo que dejó una imagen negativa de él en la historia. Su exagerada violencia y maltrato hacia las poblaciones originarias le ganó ese apodo, que refleja su fama como uno de los conquistadores más temidos.En los barrios de Guadalajara se dio una división social marcada: “Aquí solamente vivían los españoles y en los barrios aledaños habitaban los indígenas. El Hospicio Cabañas nació como respuesta a las inequidades y necesidades de los más pobres bajo el liderazgo del obispo Juan Cruz Ruiz de Cabañas. “Él se fija en la gente pobre de este lado de la ciudad y crea el hospicio. Aquí empezaron a vivir varios huérfanos, un lugar que llegó a tener la mitad del tamaño del Vaticano y que hoy es museo, escuela de artes y sala de cine”.Pero Pineda dice que el alma del Hospicio Cabañas está en los murales magistrales de José Clemente Orozco, “una obra muy fuerte, a diferencia de la de Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros pues Orozco estaba totalmente convencido de la tragedia humana”.En la capilla mayor, el pintor creó 57 murales entre 1938 y 1939 con la técnica del fresco, un arte en el que cada trazo es irreversible y monumental, “por eso se le llama la Capilla Sixtina de México”, dice Pineda.“Los murales narran la Conquista española, la violencia y la identidad mexicana, con un monstruo mecánico en forma de caballo con su jinete, símbolo de la personalidad de los conquistadores, y con elementos como el fuego y la sangre, que reflejan la tragedia y la resistencia”.Orozco, quien era ateo, no solo narró la historia, sino que cuestionó creencias y mostró su visión crítica.En sus murales conviven la figura de Dios, la mitología, la cultura indígena y el dolor de la Conquista. Es un arte que busca educar y conectar: “Los murales fueron dispuestos en edificios importantes, donde la gente que no tenía tiempo para agarrar un libro o estudiar, pudiera ver estas grandes obras”, refiere el guía de turistas sobre las obras del artista en varios puntos de la ciudad.La tragedia humana es algo que lo caracteriza, la representación, el fuego, la sangre y el color rojo: “Es precisamente con esos elementos que Orozco cuenta la historia de la Conquista". “El movimiento de los muralistas sirvió para ayudar a que todos los mexicanos pudieran tener una identidad, que era muy difícil para ese momento porque estamos hablando años después de la Revolución mexicana”.El Hospicio Cabañas, con su rica historia y su enorme legado artístico sigue siendo un símbolo de esperanza, cultura y resistencia, “un lugar donde los niños pudieron tener una mejor oportunidad de vida y donde se preserva la memoria viva de quienes forjaron Guadalajara”, concluye Pineda.jk
Milenio
El Kunstpalast de Düsseldorf exhibe una exposición inusual sobre la historia del aroma arropada en las obras de arte de su colección y en el desarrollo único de composiciones olfativas
El País
Lejos de los circuitos urbanos del arte contemporáneo, en un territorio donde la selva y el océano Pacífico se encuentran, el artista mexicano Carlos Amorales desarrolló una residencia artística con la Careyes Foundation que puso en el centro a la comunidad, el entorno natural y los procesos colectivos.El proyecto Arrecife de formas / Formas que habitan entre arrecifes, cuerpos y sueños, se llevó a cabo a lo largo de 2025 e involucró a comunidades pesqueras de la región, así como a niñas, niños, familias y colaboradores locales. Más que una producción artística tradicional, la iniciativa se planteó como un proceso abierto de intercambio, donde el mar funcionó como punto de partida: un archivo vivo de memorias, saberes y ecosistemas. View this post on Instagram La pieza central del proyecto fue una instalación modular inspirada en los arrecifes, concebida y construida de manera colectiva. A través de trabajo de campo, talleres y dinámicas interdisciplinarias, los participantes colaboraron directamente con Amorales en la creación de formas que dialogan tanto con el paisaje natural como con las prácticas cotidianas de quienes habitan la costa. El resultado es una obra que no busca imponerse al territorio, sino surgir de él.La exposición se presenta en la Careyes Art Gallery, con apertura el 28 de diciembre de 2025 y permanecerá en exhibición hasta mayo de 2026. La muestra incluye además nuevas piezas del artista que amplían su investigación formal y conceptual en torno al cuerpo, el lenguaje y la colectividad. El proyecto contó también con la participación de Galería Kurimanzutto, reforzando el vínculo entre este contexto comunitario y el circuito internacional del arte contemporáneo.Careyes Foundation: arte con impacto localLa Careyes Foundation es una organización sin fines de lucro dedicada al fortalecimiento de comunidades rurales en la región de Costalegre, a través de programas enfocados en educación, arte, medio ambiente y desarrollo comunitario. Su trabajo ha impactado a miles de personas mediante iniciativas gratuitas que incluyen enseñanza de inglés, conservación ambiental, educación sexual y atención en situaciones de emergencia.Dentro de este ecosistema, el Art Program ocupa un lugar fundamental. A través de talleres, clases y residencias artísticas, la fundación busca acercar el arte contemporáneo a niños y familias, no como una disciplina distante, sino como una herramienta de expresión, pensamiento crítico y construcción de identidad. Artistas como Mary Weatherford, Artemio, Francisco Ugarte y Carlos Betancourt han formado parte de este programa a lo largo de los años.El programa de residencias, activo desde 2013, parte de una premisa clara: derribar las barreras entre arte y comunidad. Las actividades se desarrollan en estrecha colaboración con escuelas, familias y actores locales, generando procesos creativos que fortalecen el sentido de pertenencia y el orgullo por el territorio.En Careyes, la protección del medio ambiente y el desarrollo humano avanzan de la mano. La conservación de playas y la protección de tortugas marinas conviven con proyectos educativos y culturales que apuestan por el largo plazo. En ese contexto, la residencia de Carlos Amorales se inscribe como un ejemplo de cómo el arte puede funcionar como un puente entre conocimiento, memoria y futuro, abriendo nuevas formas de relacionarse con el entorno desde la experiencia compartida.Este proyecto marca también un inicio de año simbólico: uno que propone volver a mirar el entorno desde la escucha, la colaboración y la conciencia colectiva. En Careyes, el arte no aparece como un gesto aislado, sino como una práctica que se teje con la vida cotidiana, con el mar, con quienes lo habitan y lo cuidan.La mirada de Carlos Amorales, consistente a lo largo de su trayectoria, vuelve aquí sobre temas centrales de su obra: la relación entre imagen y lenguaje, los sistemas de signos, la identidad entendida como algo mutable y colectivo. En Costalegre, esos intereses se desplazan del plano abstracto al territorio vivo, donde las formas nacen del diálogo y no de la imposición, y donde el lenguaje se construye desde la experiencia compartida.MGR
Milenio
El Heraldo de México
Nada de lo que ocurre hoy en los museos de Lerdo es fruto del azar. Tampoco de una iluminación repentina. Durante años, estos espacios culturales respiraron con cierta timidez, abriendo y cerrando como quien duda de su propio pulso. Hoy, en cambio, empiezan a latir con intención: agenda clara, proyectos que miran más allá del mes en curso y una idea firme que los atraviesa a todos como una columna vertebral. Los museos de Lerdo ya no quieren ser vitrinas silenciosas y opacas, aspiran, más bien, a convertirse en plazas públicas de la memoria. Para José Miguel Cháirez Carrillo, director de Museografía Municipal, el punto de quiebre tiene fecha precisa. "el 2026 va a ser el año de los museos y del arte en Lerdo". La frase podría sonar grandilocuente si no viniera respaldada por algo más sóli... Más información -- 2026: un año clave para los museos de Lerdo »
El siglo de Torréon
La exposición ¡Moda Hoy! Diseño latinoamericanx y latinx contemporáneo, que presenta el Museo Franz Mayer y creada junto al Fashion Institute of Technology (FIT), reconoce la creatividad, diversidad y fuerza cultural que creadores latinoamericanos y de herencia latina han aportado a la moda global. Aquí se podrán observar más de 70 piezas de 47 diseñadores provenientes de 15 países, de nombres consolidados que han abierto caminos, hasta voces emergentes que hoy dirigen casas de moda y son reconocidos con premios internacionales.A través de piezas emblemáticas y narrativas contemporáneas, el público descubrirá cómo la creatividad latinoamericana sigue expandiendo sus fronteras. Las obras presentadas son el resultado de una reflexión sobre los temas que resonaron con esta comunidad creativa. De la elegancia a la política, del género a la herencia indígena, del arte a la cultura popular: el espectro de miradas es tan amplio como el territorio que las inspira.La curaduría, a cargo de Tanya Meléndez-Escalante y Melissa Marra-Alvarez, con contribuciones de Abraham Villavicencio, ha organizado un recorrido dividido en nueve núcleos temáticos que exploran y ponen en valor el panorama de la moda latinoamericana mediante varios temas como la política, el patrimonio indígena, el género, la cultura regional y urbana, la sostenibilidad, la artesanía, la elegancia y el arte.¡Moda hoy! Diseño latinoamericanx y latinx contemporáneo es una muestra que explora el impacto de la diáspora latina en la moda contemporánea y su diálogo con el norte global, mientras nos remarca que la ropa y la identidad que mostramos mediante ella, no es sólo para gente interesada en las tendencias.La exposición ¡Moda Hoy! Diseño latinoamericanx y latinx contemporáneo puede visitarse en el Museo Franz Mayer de martes a domingo de 10:00 a 17:00 horas, hasta el 12 de abril. El costo del boleto es de 120 pesos (INAPAM, estudiantes y profesores pagan 90 pesos) y puede adquirirse en la taquilla del recinto. Menores de seis años, entrada libre.AMS
MilenioLa Fundación Gala-Salvador Dalí anunció un proyecto especial de becas para impulsar los trabajos de investigación relacionados con la figura del genio catalán. Denominado Dalí Fellowship Programme, este nuevo apoyo busca difundir de manera más plural la trayectoria de quien fue considerado una de las grandes figuras del surrealismo.
La Jornada
Guadalajara, Jal., El Tianguis Cultural de Guadalajara cumplió 30 años de ser espacio de referencia para las identidades urbanas y la autogestión en el occidente de México, que se manifiesta cada sábado a pesar del desdén de las autoridades municipales.
La Jornada
Hasta hace unos años, la única manera de ver el mural del artista guanajuatense, José Chávez Morado, era, a la distancia, desde un vagón en la estación del Metro General Anaya, pero ahora se puede hacer mientras disfrutas una taza de café.Tuvieron que pasar setenta años para que el mural La medicina prehispánica, fuera restaurado y exhibido al público en general.En 1954, Chávez Morado fue invitado por el arquitecto Alejandro Prieto a realizar dos murales divididos (interior y exterior) que retratan las prácticas y concepción de la medicina prehispánica.El lugar: las oficinas de los Laboratorios CIBA, empresa farmacéutica suiza, ubicada en el número 1779 de calzada de Tlalpan, alcaldía Coyoacán (...) Posteriormente, tras fusionarse Ciba- Geigy con Sandoz, nació Novartis, transnacional que por muchos años resguardó el mural.Ángel Jaime Santos, ex directivo de CIBA y Novartis, recuerda que después de la Segunda Guerra Mundial, muchas empresas farmacéuticas europeas quedaron completamente destruidas, entonces buscaron diferentes partes del mundo para instalarse. CIBA, empresa suiza, escogió México, y, muy seguramente, para brindarle un aire identitario en tierras aztecas, pidió un mural a Chávez Morado, pintor mexicano de corriente nacionalista.“Era un pintor muy representativo del muralismo mexicano, y desde luego yo creo que no tenía el dinero para contratar a Diego Rivera ni a Orozco y si pudieron contratar a Chávez Morado”, cuenta entre risas.El hombre nonagenario recuerda que el mural era un orgullo de la empresa, el cual era presumido en encuentros médicos y reuniones.Ahora, sentado frente al mural disfrutando un café de Tim Hortons, se agolpa la nostalgia en su mente.“Me recuerda la empresa y me recuerda también el orgullo que teníamos de poseer este mural. Un director que tuvimos tenía mucho miedo de que hubiera incursiones era la época de Echeverría, incursiones terroristas o algo así y levantó unos muros que taparon el mural de afuera, pero ahora ya se puede apreciar.“Entonces decidí regresar a tomar un cafecito y volver a ver el mural, está tal cual lo recuerdo”, comparte.La restauraciónAños después de que Novartis dejó el predio, fue adquirido por O´Donnell, una desarrolladora de parques industriales, que proyectó una plaza comercial, por lo que ahora el mural puede ser apreciado mientras se disfruta de una bebida al interior de Tim Hortons.“Queríamos que fuera una cafetería incluso pensábamos una farmacia, pero creo es mucho mejor tomar un café y disfrutarlo. Fuimos muy estrictos en establecer un reglamento para su conservación y cuando hablamos con Tim Hortons, aceptaron las condiciones: luces, temperatura, incluida una revisión cada seis meses del mural”, comentó Sofía Díaz, asociada comercial de O´Donnell.De esta manera, a principios del 2024 inició la restauración de los murales a cargo del taller Rimane, con la supervisión del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).La obra del guanajuatense se conforma por dos muros en los que combinó el fresco con el mosaico de vidrio para jugar con la plasticidad y darle continuidad con el mural exterior.Natalia Rivera Scott, fundadora y directora del taller Rimane, explicó que en el mural exterior, afectado por la exposición a factores ambientales y marcado por pérdida de elementos decorativos como piedras y mosaicos, se realizó una profunda consolidación, resane, reconstrucción y reintegración de faltantes, logrando la recuperación de la lectura estética.Fue como un armar un rompecabezas, ya que el movimiento y vibración del terreno propios de la sísmica ciudad y de una transitada avenida, provocaron daños en el mural cuya escena nos recuerda la dualidad entre la vida y la muerte, o bien la luz del conocimiento y la cura con la oscuridad de la enfermedad.“La empresa que compró el lugar muy responsablemente durante los años guardó las piedritas que se caían, y cuando nosotros entramos, nos dio cubetas llenas de piedritas que se colocaron en los faltantes. Algunas chiquitas como los personajes, pero sobre todo las de fondo, las que son como rojitas y los mosaicos de la serpiente que une con el de adentro, esta parte era la más afectada"."También había algunos detalles en la esquina de la firma, y lo que hicimos fue conseguir piedras que fueran lo más parecidas posibles a las que faltaban".“Para las piedritas rojas fuimos a un volcán que hay Milpa Alta a buscar en los montones de piedritas. Esto permite hacer una intervención respetuosa y bien ejecutada, fuimos al volcán. Para los mosaicos fuimos a una fábrica en Morelos que, después me enteré, que Chávez Morado también conseguía los mosaicos ahí. Ellos nos ayudaron a conseguir los mosaicos que el artista utilizó para esta escena”, relató.La intervención, comentóRivera Scott, cumplió con criterios nacionales e internacionales, siendo reversible, respetuosa, de calidad y ejecutada por mano de obra especializada.Quetzalcóatl, la serpiente emplumada es el elemento que brinda la continuidad entre ambos murales. La cabeza de la serpiente en relieve y mosaicos nos conduce al interior, donde el artista combinó el fresco con el mosaico de vidrio.El mural interior muestra escenas de distintos rituales de la medicina prehispánica, y para devolverle su belleza se realizó una limpieza primero en seco y luego en húmedo para retirar la suciedad acumulada; además, el resane de ligeras grietas superficiales, así como recuperación de tramos y reintegración del color.Marianel González, auxiliar de restauración del Taller Rimane, fue responsable de colocar color donde era necesario, igualar tonos y texturas de tal manera que se lograra la lectura estética de la obra. Un trabajo que duró casi medio año.En el trabajo se debía respetar la técnica del fresco, la cual era empleada por los muralistas de la época y que consiste en que el pigmento queda adherido al muro, dándole una gran estabilidad al color y a la superficie de la obra.“Se pone el color en las partes donde no había para que la lectura sea pareja, no haya interrupciones a la hora de que el espectador pueda leer la obra"."Básicamente el mural trata sobre procedimientos de medicina prehispánica, siendo quien encargó el mural fue un laboratorio, entonces quisieron hacer ese tipo de homenaje digamos a estas prácticas prehispánicas de la medicina."Me parece un mural único porque algunos tienen diferentes tipos de temática, pero este en particular es único”, compartió la restauradora.El mural es un homenaje a la sabiduría ancestral. En cada recuadro, Chávez Morado retrata diferentes técnicas de la medicina. En el mural interior de lado izquierdo se observa a una pareja sentada dentro de un temazcal circular tomando un baño de vapor y hierbas; al ser subterráneos se pretendía tener contacto con la tierra y ser un lugar de tránsito entre el inframundo y el mundo de los vivos.Mientras tanto, en la parte inferior, hay una gruta con un manantial, en el cual se observa a Chalchiuhtlicue, la contraparte femenina de Tláloc y deidad de las aguas que corren como ríos, lagos, manantiales.Dentro del pensamiento prehispánico, el agua simbolizaba el fundamento de vida, al ser esencial para su desarrollo como sociedad, por lo tanto, este líquido tenía propiedades curativas.En tanto, en el lado derecho, hay diversas escenas como una estatuilla representativa de la diosa Chicomecóatl, proveedora de las buenas cosechas, que porta dos mazorcas en cada mano, así como un tocado rectangular de varios niveles llamado amacalli (término que significa “casa de papel”).Además, encima de la serpiente emplumada realizada con mosaicos de vidrio que une a ambos murales, se observa la representación de una mujer en labor de parto, siendo atendida por dos mujeres.En la parte inferior también se plasma a un hombre de avanzada edad que sustrae una pieza dental a otro, mientras que a su costado se observa a otro hombre practicándole una sangría a un hombre, con la punta de una hoja de obsidiana.Otro aspecto a resaltar, es un curandero portando atributos de Quetzalcóatl (el collar de caracol y la máscara bucal) frente a un conjunto de personas que buscan su ayuda para aliviar sus enfermedades.Es así como el nombre de José Chávez Morado vuelve a ser mencionado gracias a la restauración de una de sus obras, para el disfrute de las nuevas generaciones y la nostalgia de las viejas.¿Quién fue José Chávez Morado?El pintor José Chávez Morado(Silao, Guanajuato, 4 de enero, 1909 – Guanajuato, 1 de diciembre, 2002) formó parte del movimiento muralista mexicano, y fue también grabador, promotor y asesor cultural, dejando una valiosa aportación en el terreno de la creación de instituciones educativas, impulsando la cultura en México y en su estado natal.Expresó en vida que lo que más le gustaba del muralismo era su contacto permanente con el espectador.“Los murales son obras hacia las que el público tiene la misma actitud que a veces tenemos con los miembros de nuestra familia o con amigos muy cercanos: a fuerza de verlos y convivir con ellos parece que no los tomamos en cuenta, pero lo cierto es que están ahí y que sin ellos nuestra vida sería distinta”.Elpintor galardonadocon el Premio Nacional de Ciencias y Artes en 1974, dejó en su obra un legado de mensaje social y de gran riqueza para el arte mexicano, además de una muestra de su convicción revolucionaria.Fue exponente de la tercera generación de la denominada Escuela Mexicana de Pintura, junto con Juan O’Gorman, Raúl Anguiano y Alfredo Zalce.En la década de los cincuenta del siglo XX, José Chávez Morado alcanzó la cúspide en su producción mural: en su haber cuenta con cerca de una treintena de murales, entre los que destacan los ubicados en Ciudad Universitaria (El retorno de Quetzalcóatl, La conquista de la energía, y La ciencia del trabajo), la Alhóndiga de Granaditas (Guanajuato), el Museo Nacional de Antropología, el Centro Médico Nacional, la Secretaría de Comunicaciones y Transportes, entre otros.
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Frida Escobedo (1979), la arquitecta mexicana que ha conquistado el panorama internacional con obras como Serpentine Pavilion, regresa a los reflectores con un hito monumental: el diseño del nuevo complejo sede del Ministerio de Asuntos Exteriores de Qatar, en la icónica Corniche de Doha.Este proyecto no solo fusiona un edificio modernista histórico con una estructura contemporánea, sino que se erige como un portal diplomático que proyecta la identidad qatarí hacia el mundo.En esta entrevista exclusiva, Escobedo revela su proceso creativo, su apuesta por la sostenibilidad y cómo su visión mexicana dialoga con la tradición árabe, transformando un sitio estratégico en un símbolo de intercambio global.¿Cuál fue el momento decisivo que definió tu estilo?Es más bien una cosa que va sucediendo con cada uno de los proyectos que se van realizando. Para mí los proyectos muy importantes fueron el Pabellón del Eco, en Ciudad de México, y Serpentine Pavilion, en Londres, porque tenían que ver con algo relacionado con el espacio público.No podría definir mi estilo. Me gusta pensar en las necesidades de los usuarios en la idea de contexto. Son los intereses los que te van guiando en cómo hacer un edificio, pero no creo que haya un estilo en particular.¿Cómo fue tu llegada a la arquitectura?No lo sé, me gustaban mucho las artes plásticas, el diseño y hablar arquitectura, pero no tenía una decisión muy clara de qué es lo que quería estudiar. Ya muy cercano el momento al tener que empezar la carrera, me decidí por arquitectura, y una vez que empecé me gustó muchísimo; creo que es de estas cosas que buscas una carrera, pero también la carrera te encuentra a ti.¿Cuál es la idea central de tu proyecto en Qatar?Es que parte del requerimiento era la rehabilitación de la oficina postal, que es un edificio modernista que tiene un valor histórico importante, y transformarlo en un Centro Cultural que estuviera asociado a la oficina de Relaciones Exteriores.El edificio está ubicado en una parte importante de Corniche, la vialidad principal, que está al lado del agua, en Qatar. Es una forma de activar la zona y hacer un edificio nuevo. Obviamente, en una oficina ministerial tiene varias capas de seguridad, funciona como una oficina, la zona de la oficina postal con un carácter más público.Fue entender cómo es la relación entre generar una nueva identidad para una ciudad, de un país, incluso una región, porque es una oficina del Ministerio de Relaciones Exteriores que genera muchas negociaciones con países, por eso es trascendente porque dicha nación se proyecta hacia el exterior.Es una puerta de entrada, un portal de intercambio muy importante que tiene que representar la identidad de una nación. Y, por otro lado, convive con un edificio histórico.Fue tomar ciertos elementos que estaban en la arquitectura de la oficina postal que tienen que ver repetición con modularidad y ciertos órdenes que de alguna manera recuerdan a la arquitectura tradicional árabe de la región.Tenía que aprender de esa parte y entender que ese carácter funcionaba muy bien en términos de sostenibilidad, porque al final del día tener una fachada que te ayude a controlar la luz, y como ayuda a ventilar los espacios a que tengan contacto con un espacio abierto. Nos ayuda a articular un edificio que se sintiera como una escala humana, a pesar de ser monumental.¿Cómo lograste el diálogo entre lo histórico y lo contemporáneo? La solución fue a través de la fachada con un sistema de cartelas que son secciones de círculo que son una geometría que ya existías en el edificio de la oficina postal, para poder introducir luz natural, es una fachada que funciona estructuralmenteAsí se liberan las plantas, haciéndolas flexibles, que hace más resiliencia en el futuro para si se necesita adaptar o hacer cambios, se pueda hacer de manera muy fácil.Y además, lo estamos pensando en elementos prefabricados, como precolados, para que haya facilidad en la construcción, teniendo en cuenta que en la región hay una complicación térmica en la ejecución de las obras. Hay que ser muy conscientes de cómo se puede elaborar de la manera más eficiente. ¿Cómo integraste la sostenibilidad en este proyecto?Es un edificio escalonado con muchos patios centrales, de tal manera que desde todos los puntos las oficinas tienen contacto con un punto en el exterior, y que, por las cualidades de la fachada se genera un filtro térmico.Además, los patios ayudan a regular la temperatura del edificio porque tienen una vegetación específica, cuerpos de agua que ayudan a hacer que se genere un microclima al interior. Hemos trabajado con un grupo de ingenieros para utilizar todas las tecnologías que se requieran para hacer este edificio lo más sostenible posible. ¿Cómo diseñaste las áreas públicas para fomentar el encuentro y la convivencia?Trabajamos en la estrategia del paisaje y la idea de tener mucha conciencia de cuáles son las especies locales, cómo generar espacios de sombra, ciertos microclimas, y conectar y tener una relación con la Corniche; es un cinturón verde a lo largo de toda la costa.¿Cómo contribuirá el complejo a la imagen y presencia global de Qatar?Al generar una proyección de lo que es la densidad cultural de un país, se propicia más apertura, diálogo y disposición a la negociación. Entender que tenemos más cosas en común de las que nos esperamos, incluso con naciones o personalidades que parecen muy distintas.Fortalece esos rasgos identitarios de una región, y los hace abiertos también para el intercambio con otras naciones. La prueba de eso es que este edificio emblemático lo abrieron a un grupo de arquitectos internacionales y que al final del día, un despacho mexicano es el encargado de hacer que esto suceda. ¿Cómo te sientes de haber sido seleccionada entre tantos proyectos internacionales?Muy emocionada, porque fuimos elegidos entre 40 proyectos, y nos abrió —por lo menos a mí me abrió la ventana al mundo que yo no conocía tanto—. Me parece fascinante, y nada, que voy a aprender más de la región.¿Cuál es la esencia de este proyecto en particular?Es esa puerta de entrada, un portal de intercambio que representa la identidad nacional con sostenibilidad y apertura. Estoy emocionada de pensar en proyectos futuros, planeo explorar más en la región, pero por ahora, esto me tiene completamente enfocada.MGR
Milenio
Una publicación reúne la obra realizada a lo largo de seis años por la artista japonesa. Composiciones en las cuales hace uso de su cuerpo y de materiales cotidianos para crear imágenes que invitan a reflexionar sobre la mirada propia mirada y la de los demás
El País
La exposición ‘Matices y Colores de la Ciudad’ puede observarse en el Corredor del Centro Histórico
El Diario MX
Los visitantes a este museo ubicado en la alcaldía Miguel Hidalgo en la CDMX, deberán de tener los ajustes en el precio del boleto a partir del 2026.
Expansión
A 130 años del natalicio de David Alfaro Siqueiros (1896-1974), que se conmemorarán en 2026, la Sala de Arte Público Siqueiros (SAPS) recuperará la pasión del pintor por la tecnología, el montaje cinematográfico y la relación entre arte, ciencia y espacio a partir de una lectura contemporánea de su obra y legado en la muestra Fusiones.
La Jornada
La Jornada
Atiempo Noticias
Noticias Por Internet
ObservadorDiario PresenteCobertura completaCobertura completaCobertura completa
La atención en el quehacer artístico de las mujeres se redobló en 2025, tanto en lo que se refiere al rescate de pintoras y escultoras cuya obra era poco vista, valorada o revisitada, como en la inclusión del trabajo realizado por personas identificadas más bien como miembros de los pueblos originarios.
La Jornada
Después de más de 70 años de estar relativamente apartado de la mirada pública, el par de murales de La historia de la medicina prehispánica, que el pintor guanajuatense José Chávez Morado (1909-2002) ejecutó en 1954, ahora se pueden admirar a plena luz del día. Los murales fueron realizados a invitación del arquitecto Alejandro Prieto Posada, quien diseñó y construyó entre 1952 y 1954 las instalaciones de la empresa privada Laboratorios Ciba de México, ubicados a unos pasos de la estación del Metro General Anaya. La obra más visible siempre fue la que recubre la pared que da a la calzada de Tlalpan, mientras la segunda se realizó en interiores. Su temática se relaciona con las prácticas y la concepción prehispánica que se tenía acerca de la medicina.
La Jornada
Se realizarán trabajos en la nave central y las bóvedas de la Capilla de Dolores.
Aristegui Noticias
Aunque La Sinfonía India ha acompañado al público durante décadas, Karima confiesa que volver a escucharla con detenimiento fue una experiencia reveladora. La música detonó una serie de imágenes inmediatas: el México prehispánico, los instrumentos ancestrales, los rituales indígenas y ese impulso modernista con el que Chávez logró unir tradición y vanguardia. Todo apareció como un torrente visual que la llevó a concebir su obra como un rompecabezas, donde cada fragmento forma parte de una misma identidad.Carlos Chávez escribió esta sinfonía en 1930, en una época en la que impulsó a músicos jóvenes a investigar las raíces sonoras del país. Su aportación fue decisiva: integrar instrumentos prehispánicos, como el tambor de agua, flautas y percusiones tradicionales, dentro de la orquesta sinfónica, otorgándoles un lugar protagónico y revalorando su potencia expresiva. Esa visión hace que la obra siga siendo actual, moderna e intempestiva.Karima traslada esa misma intención a su dibujo. Inspirada en los pueblos indígenas del norte de México, especialmente en los rituales de los mayos y los yaquis, incluye la figura de un danzante con máscara, instrumentos rituales y referencias a la Danza del Venado. A partir de ahí, su obra se convierte en un recorrido simbólico del norte al sur del país: pirámides que evocan Chichén Itzá, anfibios, iguanas, símbolos del agua, el xoloitzcuintle del Pacífico, el jaguar, representado como hembra, y la presencia de Quetzalcóatl como elemento unificador.Cada figura responde a una cosmovisión donde naturaleza y ritualidad están indisolublemente unidas. El maíz a parece como origen y sustento, los animales como portadores de sentido espiritual, y la muerte como parte esencial de la vida, en un juego simbólico profundamente mexicano.La artista reconoce que el mayor reto fue traducir la música al lenguaje visual: transformar ritmo, dinamismo y emoción en líneas y formas. Aunque La Sinfonía India se presenta como una obra de un solo movimiento, Karima identifica tres grandes secciones —la fuerza rítmica, la dulzura lírica y el sacrificio ritual y las plasma como distintos estados de energía dentro de un espacio visual acotado, pero intenso.Este diálogo entre música y artes plásticas refleja el espíritu de Carlos Chávez, quien alentaba a escuchar la música de los pueblos, recorrer el país y llevar esas experiencias al ámbito del concierto. Karima Muyaes retoma esa enseñanza y la actualiza, resignificando los símbolos ancestrales para integrarlos a una obra contemporánea.Así, La Sinfonía India se reafirma no solo como una pieza musical fundamental, sino como un punto de encuentro entre disciplinas, épocas y sensibilidades. Un testimonio de que las raíces, cuando se escuchan y se reinterpretan, siguen generando arte vivo, profundo y universal.Escucha esta entrevista completa en “El Arte de la Canción: Segunda Temporada” Celebrando los 80 años de la Sociedad de Autores y Compositores de México en Milenio Televisión.
Milenio
El cambio de tarifas entrará en vigor a partir del 1 de enero; serán de entre 104 y 209 pesos en horario regular, y hasta 732 pesos fuera de horario
El Sol de México
América EconómicaEl Cuarto Poder
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El cambio de tarifas entrará en vigor a partir del 1 de enero; serán de entre 104 y 209 pesos en horario regular, y hasta 732 pesos fuera de horario
El Sol de México
La Silla Rota
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Madrid. La pequeña cámara fotográfica Leica I se presentó de forma oficial en 1925, en la Feria de Primavera de Leipzig, donde se vio por primera vez ese artefacto compacto, manejable y sencillo de operar que transformó para siempre la historia de la fotografías.
La Jornada
El robo del año y en lo que va del siglo, en materia de arte, fue cometido el pasado 19 de octubre, cuando ladrones disfrazados de obreros ingresaron a la Galería de Apolo del Museo del Louvre, en París, a media hora de haberse abierto al público. En una acción de menos de siete minutos los sujetos sustrajeron nueve piezas del área Joyas de la Corona de Francia.
La Jornada
El poema “Muerte sin fin” (1939), de José Gorostiza, fue el pretexto para que 52 artistas reflexionaran acerca del tema mortuorio. La muerte y los muertos en la poética de José Gorostiza, exposición colectiva en homenaje a Francisco Castro Leñero (1954-2022) e Irma Palacios (1943), montada en la Casa Jaime Sabines, pretende contrarrestar, a su vez, la “inevitable banalización” de los símbolos que suelen asociarse con ese tema, señala el curador Luis Ignacio Sáinz.
La JornadaEl Centro del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) en Quintana Roo publicó este mes el primer número de la revista digital de divulgación científica Redes de la Costa Oriental.
La Jornada
Sevilla. El Museo de Bellas Artes de Sevilla dedica una muestra a la familia Bécquer y ofrece un apartado inédito dedicado a los dibujos satíricos poblados por esqueletos del autor de Rimas y leyendas. Trazos en hojas sueltas, dos álbumes completos y un pequeño cuaderno anexo “permiten acercarse a las sorprendentes temáticas que cultivó el poeta con mano diestra”.
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